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domingo, 24 de abril de 2016

La carrera de Prince a través de 10 canciones

En este post voy a sumarme a las condolencias generales por la inesperada desaparición del genio de Minneapolis, y se me ocurre que el mejor homenaje es escuchar esa música tan innovadora y tan diferente, en lugar de hablar de las anécdotas más o menos extravagantes de la vida de Prince.


Os propongo esta lista que repasa algunos de sus temas más logrados a través de más de 40 años de carrera musical. Pinchando en cada título podéis oír las canciones.


-For you (1978)
La primera canción del primer álbum publicado por Prince ya es una declaración de intenciones en forma de pieza a capella a varias voces grabadas por el propio artista en sucesivas capas. Una extravagancia genial y un reflejo de la determinación del artista en cuanto a poner desde el primer minuto sus ambiciones artísticas por delante de la comercialidad.





-Sexuality (1981)

Los sucesivos álbumes de Prince van mostrando un artista cada vez más complejo y con un dominio cada vez mayor de todos los resortes de la creación artística. Sus letras van pasado de una temática adolescente a otra más comprometida con textos más arriesgados y su música es un collage de diversos estilos. "Sexuality" es una llamada a la liberación, no sólo sexual, sino también de las mentalidades aletargadas por cosas como la televisión ("We live in a world overrun by tourists", "Don't let your children watch TV until they know how to read")



-1999 (1982)
El éxito masivo llega a la carrera de Prince cuando su estilo se sumerge en el rock y publica algunos de sus temas más emblemáticos, como este "1999", en el que ante la llegada del fin del mundo, mientras el resto de la gente corre despavorida huyendo de la destrucción, el artista prefiere irse de fiesta como si efectivamente no hubiera un mañana. Toda una declaración de prioridades.




-The beautiful ones (1984)
Dentro de ese pedazo de álbum que es "Purple Rain" prácticamente todas las canciones son hits. "The beautiful ones" no salió como single, pero ocupa un lugar muy importante en el corazoncito de todo buen fan de Prince. Una canción que va de menos a más, con una interpretación escalofriante y una letra que es una poética reflexión sobre la belleza.





-God (1984)

Editado únicamente como cara B del single "Purple Rain", era una canción que yo no conocía hasta que hace poco la he rescatado de la recopilación de caras B que editó Warner hace unos años. Es un tema deslumbrante, en el que el artista va más allá de cualquier convención de la música pop, con momentos en los que más que cantar emite una serie de sonidos al límite de lo físicamente posible,... y todo ello para contar un pasaje nada menos que de la Biblia. Para quitarse el sombrero.




-Forever in my life (1987)
Unos años después de conocer la cima del éxito con "Purple Rain", Prince ha sufrido algunos reveses comerciales pero edita un doble álbum que ha sido considerado como uno de los mejores discos de la historia del pop: "Sign O The Times". Dentro de él se reúnen todo tipo de géneros y de experimentos musicales bajo el prisma del genial artista. En "Forever in my life" Prince nos descubre una nueva madurez personal, en una canción sin apenas acompañamiento musical y con una de las mejores letras de su carrera.


-Get off (1991)

Y cuando ya parecía que su carrera transitaba un plácido declive, Prince resurge de sus cenizas en 1991, con el álbum "Diamonds and Pearls", uno de sus mayores éxitos comerciales, lleno de hits como "Get Off", trayendo una música tremendamente comercial y bailable, y con nuevas influencias como el rap o el jack new swing.
Música sumamente elaborada y deslumbrante en la que el artista saca todo el provecho a su nueva y emblemática banda, The New Power Generation.




-The holy river (1996)
Tras los éxitos de los primeros años noventa viene la guerra con su casa de discos (Warner) y un nuevo renacimiento del artista tanto personal como musical bajo el nombre impronunciable del símbolo O)+>,  con una apuesta por una temática más espiritual y una relación más directa con sus fans, editando una cantidad masiva de música que llega directamente a su público sin la mediación de las grandes compañías. El triple álbum "Emancipation", junto a material menos interesante contiene algunas gemas como este "The Holy River" que une simplicidad con una gran emotividad.


-The rainbow children (2001)
La libertad creativa que le dio la independencia de las compañías discográficas le permiten en los años siguientes realizar experimentos como el álbum "The Rainbow Children" que es básicamente un disco de música jazz con aportaciones de otras músicas como gospel o música electrónica, música orquestal, etc. El tema que da título al disco se inscribe como uno de los mejores de la última etapa del artista.



-Guitar (2007)
Aunque los últimos discos de Prince no son tan innovadores y el artista va perdiendo su lugar en los medios, de vez en cuando nos deja alguna joya como este "Guitar" perteneciente al álbum "Planet Earth", una auténtica declaración de amor a su instrumento favorito en la que aparte de un solo de guitarra marca de la casa nos deja la famosa línea hypercool "I love you baby,... you know the rest" (hay que oír la canción entera para entenderla).





viernes, 22 de enero de 2016

Adios a David Bowie, una voz irrepetible

La noticia ha llenado todos los diarios y las redes sociales: con la muerte de David Bowie se nos ha ido un mito que era al mismo tiempo un gran músico con una creatividad desbordante, un vocalista superdotado y un personaje con un extraordinario magnetismo que se convirtió casi desde los inicios de su carrera en lo que llamamos una "figura de culto".



Cuando fallece una persona famosa es habitual que todos los medios se vuelquen en elogios, pero en este caso la respuesta se ha multiplicado cien veces y hemos redescubierto todos de alguna manera a una figura que era mucho más que un físico con pinta de extraterrestre y unos cambios de look llamativos. David Bowie era mucho más que eso.

De hecho, en 2013 se inauguró en Londres la exposición "David Bowie is" recogiendo trajes y otros objetos del artista además de instalaciones multimedia con su música, y el éxito fue tal que tras superar el millón de visitantes la muestra ha recorrido ya varios países.

Se puede decir que David Bowie era en sí mismo una "obra de arte" por su singularidad y por la capacidad de provocar reacciones en el público no solo por su música sino especialmente por su apariencia física, su forma de vestirse y maquillarse, su dominio del escenario, su interés por cualquier forma de creatividad y su capacidad camaleónica de transformarse en diversas personas.

Dentro de su larga carrera como compositor y cantante, personalmente tengo debilidad por su etapa de principios de los setenta, con composiciones magistrales como "Space Oddity"o "Life on Mars?" donde exhibe además su enorme capacidad vocal y un estilo único de cantar que es una sorprendente mezcla de pop, punk, rock, music-hall y mil influencias más que se mezclan para dar lugar a una interpretación siempre única.

"Space Oddity"


"Life on Mars?"





domingo, 8 de febrero de 2015

Achinoam Nini (Noa): una artista entre dos mundos

Estimados seguidores de este humilde blog, hoy nos acercamos a la música de una cantante verdaderamente única en su estilo: Achinoam Nini, más conocida como Noa.

La singularidad de esta cantante proviene en gran parte de su biografía; nacida en Tel Aviv, sus padres se trasladan a vivir a New York, donde la artista reside desde los 2 hasta los 17 años. A esa edad regresa a Israel, donde había conocido al que más tarde se convierte en marido y padre de sus tres hijos, el médico pediatra Asher Barak.

En estos viajes de ida y vuelta Noa se impregna de influencias musicales tan dispares como el jazz y el folk de los EEUU y la música de raíces yemeníes. Esta combinación Oriente-Occidente, unida a sus portentosas cualidades vocales, es la que hace de su música algo totalmente original y auténtico.


Pero nos quedaríamos muy cortos si dijéramos que Noa es solamente una gran cantante con una mezcla sorprendente de estilos musicales; Noa tiene además una personalidad arrolladora, que le hace traspasar todas las barreras, con un carisma en sus actuaciones en vivo que yo personalmente no he encontrado en ningún otro artista.

Su enorme encanto personal y su gran humanidad son algo que casi se puede palpar cuando la oyes cantar en un concierto y eso es algo que solo lo puede conseguir un artista cuando actúa desde la sinceridad y con una conexión total con el público al que se dirige. En sus propias palabras: "Un artista, en esencia, es una persona sin miedo; para dedicarte a esto no puedes tener miedo; tienes  que subirte a un escenario y exponerte a tí misma ante todo el mundo".

La enorme categoría humana de esta artista ha quedado reflejada en su participación en múltiples conciertos benéficos y en su constante ofrecimiento para tender puentes y lazos de entendimiento entre Israel y el mundo árabe.

Son innumerables las ocasiones en las que la artista ha colaborado con artistas palestinos, incluyendo  el Festival de Eurovision de 2009 en Moscú, junto con la cantante palestina Mira Awad, interpretando el tema "There must be another way".



Pese a todos los esfuerzos que ha realizado la artista por promocionar la comunicación y el entendimiento en Oriente Medio, se da la triste circunstancia de que en numerosas ocasiones ha tenido que afrontar ataques en forma de boicots a sus conciertos por parte de activistas de la causa palestina, únicamente por el hecho de ser israelí, cuando paradójicamente, la artista ha recibido también muchas críticas por parte de los sectores más conservadores de su propio país, al haber mostrado su disconformidad a las políticas más reaccionarias del gobierno de Netanyahu.

En fin, volviendo a los aspectos puramente musicales, Noa lleva haciendo equipo musical desde hace más de 20 años con el guitarrista de jazz Gil Dor, con el que ha compuesto muchos de sus éxitos, así como con el percusionista Zohar Fresco.
En este video los tenemos interpretando la maravillosa canción "One becomes two" en su versión traducida al castellano: "Uno queriendo ser dos" (recordaremos que Jaimina Johnston hizo también su propia versión a capella de este tema)




Pero además de proporcionarnos temas originales inolvidables, Noa es también especialista en hacer sus propias y personalísimas versiones de temas escritos por otros, como este "Eye in the sky" original de Alan Parsons Project.




Ahora está promocionando su último disco "Love Medicine"; a ver si tenemos suerte y podemos disfrutar de su voz en vivo y en directo por estos lares cantando este optimista "Happy Song".






martes, 3 de junio de 2014

Recordando grandes álbumes vocales: "Music of my mind" (Stevie Wonder 1972)

Queridos seguidores de este blog, hoy os traigo uno de los mejores álbumes de un personaje que, más que uno de los mejores músicos de la historia, yo diría que se trata de un auténtico Dios (así con mayúsculas) de la Música. Hablamos de... Stevie Wonder

Se me acaban los adjetivos con este legendario artista y me declaro incapaz de comentar su obra desde la más mínima objetividad. Para mí, la mayoría de los álbumes de Stevie Wonder son tan buenos que no pueden ser simplemente escuchados sino que lo justo sería ponerse de rodillas y directamente adorar su música.

Quería traer desde hace tiempo alguno de sus álbumes a esta serie de Grandes Albumes Vocales, pero me ha costado decidirme porque seis o siete de ellos se colocan por derecho propio entre los mejores discos de música popular de la historia. Decir esto de otros artistas podría ser exagerar, pero con Mr Wonder esto es quedarnos en realidad un poco cortos.

Podía haberos traído "Talking Book", "Innervisions", "Fulfillingness First Finale" o "Songs in the Key of Life", que son OBRAS MAESTRAS INCONTESTABLES para cualquier crítico musical.
Sinceramente creo que "Music of my mind" es un disco igualmente impresionante, solo que menos conocido para el gran público.




Además, la forma revolucionaria en la que Stevie trata la voz en este álbum lo hace especialmente interesante para nuestro blog de música vocal.

La carrera de Stevie Wonder había comenzado, recordémoslo, muy pronto. Ya con 12 años consigue su primer número uno con "Fingertips", donde demuestra una apabullante precocidad musical, especialmente con su dominio de la armónica.



Pero muy pronto empieza a revelar un enorme talento para la composición musical. Entre los 16 y los 19 años de edad escribe algunos hits que a día de hoy son standards, como "Uptight", "I was made to love her" o "My cherie amour". Al mismo tiempo establece sus credenciales como uno de los cantantes de soul más prometedores.



La mayor parte de su obra en esa época juvenil en la compañía Motown es deslumbrante, si bien la producción musical resulta un poco trasnochada a día de hoy en cuanto a sonido y arreglos.

Cansado de las imposiciones de la compañía, a los 21 años decide tomar las riendas de su carrera artística. Con el álbum "Where I'm coming from", consigue ya cambiar la dirección de sus textos hacia una temática más madura, pero la música continúa "sonando a Motown".

Para el siguiente álbum, Stevie rompe totalmente con todas las normas. Emigra a Nueva York y alquila el estudio de grabación Electric Lady (fundado por Jimmy Hendrix). Además traba contacto con los productores Malcolm Cecil y Robert Margouleff. Este encuentro resulta crucial, porque son  estos quienes le empujan a experimentar con la música electrónica y los sintetizadores, algo radicalmente innovador en aquella época, y más aún para un músico de soul.

En 1972 Stevie Wonder es un joven de 22 años que pasa todas sus horas encerrado en el estudio, experimentando incansablemente con todo tipo de sonidos de sintetizador y con los géneros musicales más diversos. El resultado de aquellas interminables horas de experimentación es un álbum que va a cambiar la historia: "Music of my Mind".

Ahora pinchad el siguiente enlace y escuchad el álbum completo (a ser posible con el volumen bien alto).



Ya desde los primeros acordes del tema que abre el disco "Love having you around" los oyentes de aquel año 1972 fueron conscientes de que se trataba de un sonido totalmente nuevo.

La forma en la que Stevie Wonder emplea aquí la voz es revolucionaria, mediante frases cortas ("Please!", "Ma-ma-ma-my baby", "Baby, baby, baby", "Listen, baby!"), que van puntuando rítmicamente la línea solista, haciendo diferentes contramelodías, jugando con la panoramización de las voces y con diferentes procesamientos de la voz, como un empleo del vocoder que es espectacular.

"Love having you around" establece el paso de Stevie Wonder del soul al funk, una música híbrida de jazz, soul y rock, caracterizada por su ritmo cadencioso, con líneas de bajo prominentes y esquemas circulares de composición, una música en la que cabe todo y que persigue una sonoridad deliberadamente "sucia", transgresora y provocadora.

Después de más de siete minutos de puro optimismo "funk", Stevie nos deleita con un tema de jazz  titulado "Superwoman", una maravilla en la que destacan con luz propia los deliciosos arreglos vocales y en la que aborda uno de sus temas favoritos, los conflictos de pareja.

Sin bajar el listón de calidad, el tercer tema titulado "I love every little thing about you" es también uno de los mejores temas jamás grabados por el artista. Aquí emplea de manera magistral la percusión vocal, anticipándose en años a corrientes de artistas como Bobby McFerrin o Al Jarreau en el empleo de este recurso.

El resto del álbum mantiene el mismo nivel y continúa el carrusel de estilos musicales, blues en "Sweet little girl", folk en "Happier than the morning sun", ambient-jazz en "Seems so long" y de nuevo funk en "Keep on running". La coctelera de Stevie Wonder puede con todos los ingredientes y además los combina en progresiones armónicas totalmente inéditas, como en una de sus mejores composiciones "Girl blue".

El álbum concluye con "Evil", un espectacular himno dirigido nada menos que contra el Mal (así, con mayúsculas), con clara influencia del gospel pasado por la sonoridad del sintetizador Moog.
En una de las interpretaciones vocales más vigorosas de su carrera, Stevie Wonder cierra el disco  por todo lo alto haciendo gala de su legendaria capacidad vocal con un do sostenido de pecho (literal).

Cuando este disco salió al mercado los críticos se quedaron atónitos, pero el impacto solo duró hasta unos meses más tarde, cuando Stevie Wonder saca al mercado el álbum "Talking Book", que incluye "Superstition" y "You are the sunshine of my life"... Pero eso ya es otra historia.

jueves, 22 de mayo de 2014

Las divas no quieren pagar

Hace unos días saltó a la prensa la noticia de los problemas de la gran diva Montserrat Caballé con la Hacienda Española. Aunque la diva se ha declarado inocente de las acusaciones de evasión fiscal, al final ha preferido abonar los más de 500.000 euros que le reclamaban desde Hacienda, probablemente en un intento de evitar llegar a juicio.

Yo personalmente se lo perdono todo porque ¿qué son 500.000 euros comparado con escuchar algo como esto?




Algo tendrán las grandes divas de la música vocal que no son capaces de ponerse al día con sus pagos al fisco. En otro estilo, hace unos meses ya trajimos al blog los problemas de la gran Dionne Warwick, y más recientemente la implicada ha sido Ana Torroja, la ex-solista del legendario grupo Mecano.

Según parece, Ana se vio implicada en la denominada "Operación Relámpago" contra un conocido bufete de Palma que se dedicaba a la evasión fiscal a través de sociedades en Panamá y Antillas Holandesas y que habían propiciado que la artista simulara su residencia en Londres para no tributar en España.

Desde aquí vamos a disculpar también a Ana, porque va a pagar los 1,2 millones de euros que nos debe a todos, y también porque de alguna manera es "la voz" de toda una generación de españoles, gracias a canciones como la de este video.




Yendo atrás en el tiempo, comprobamos que los problemas de las cantantes españolas con Hacienda no son solo de ahora. Muy comentado fue en su momento el caso de Lola Flores, quien estuvo a punto incluso de ir a la cárcel, aunque al final lo solucionó pagando las deudas y una multa. 

Es asombroso este vídeo en el que nos da sus explicaciones sobre por qué no pagó a Hacienda entre los años 1982 y 1985: ...que "no sabía que tenía tanto castigo", que "en aquel momento no tenía con qué pagar", que si "lo dejaba de un día para el otro"... No se puede tener más arte incluso en esos delicados momentos.




lunes, 13 de enero de 2014

Historias de "boy bands" (1ª parte- Los comienzos)

Allá por Septiembre de 2012 colgamos en este blog una serie de posts dedicados a la historia de los más famosos "girl groups", en un recorrido desde las legendarias Andrews Sisters, pasando por The Supremes hasta las Spice Girls.

Era de justicia que dedicáramos otra serie de posts a las "boy bands" que en el mundo han sido (sería demasiada imaginación decir que lo hacemos a petición de nuestros queridos lectores).

El concepto de "boy band" no tiene nada que ver con el de "girl group", aunque pudiéramos pensar que es un fenómeno análogo, solo que con el sexo contrario.

Para nada. Recordemos algunas de las claves que dimos en este mismo blog sobre los grupos de chicas:
-El gran parecido físico entre sus componentes.
-Todas comienzan como un grupo de amigas bien avenidas y al final acaban enemistadas y ni se hablan entre ellas.

El concepto de "boy band" es fundamentalmente comercial y se basa sobre todo en "ser moderno, guay, cool" o como se diga según qué época.

Las más famosas "boy bands" de la historia no comienzan con un grupo de amigos sino con un casting. Surgen de la iniciativa de un productor astuto que escoge a cuatro o cinco chavales con carisma que no se conocen de nada y con ellos hace un grupo.

Así nació el grupo The Monkees. Para algunos, la primera boy band fueron los Jackson 5, pero incumplen varias condiciones, como el ser hermanos y las diferentes edades (algunos de ellos eran niños cuando empezaron su carrera).

Toda "boy band" que se precie debe simular algo parecido a un grupo de amigos de la misma edad, cada uno con diferente personalidad y aspecto físico (hay que cubrir todos los gustos) y su público mayoritario es el adolescente (sobre todo femenino).

Volvemos al grupo The Monkees, en mi opinión la primera boy band verdadera de la historia.
Os traigo un reportaje sobre ellos donde se cuenta cómo se creó el grupo a través de un casting, que ni siquiera era para formar un grupo, sino para hacer una serie de TV sobre un grupo ficticio. Con el tiempo la serie tuvo tanto éxito, que el grupo cobró vida propia, los actores se hicieron músicos (aunque ya sabían tocar algunos instrumentos) y en el año 1967 se permitían incluso vender más discos en USA que los propios Beatles.
El reportaje es un poco largo y está en inglés, pero la historia es alucinante.


El éxito de los Monkees fue grande pero no duró mucho y contrariamente a lo que sucede con los grupos de chicas, el grupo se disuelve por puro aburrimiento, no por rencillas a muerte entre sus componentes, quienes de hecho, vuelven a reunirse más adelante en plan gira nostálgica y con unos kilitos de más.

Los Monkees siempre fueron machacados por los críticos, quienes los comparaban con los Beatles y los consideraban como una imagen en negativo de la banda de Liverpool. Incluso se acuñó para ellos el término despectivo "The Pre-Fab Four" (Los cuatro prefabricados) parodiando el "The Fab Four" (los cuatro fabulosos) empleado para los Beatles.

De ellos se decía que no tocaban los instrumentos (lo cual era verdad en los primeros discos) y hasta que ni siquiera cantaban (lo cual era una calumnia desde el principio).

Cerramos el post con este vídeo de su mayor éxito "I'm a believer", con la suave voz cantante de Micky Dolenz. La canción fue compuesta para el grupo por un joven aún desconocido para el gran público: Neil Diamond.







jueves, 14 de noviembre de 2013

Cantantes que son más grandes que sus propias voces

Con este blog me pasa una cosa curiosa: cuanto menos escribo, más gente entra. Ahora que llevo una temporada alejado del blog por motivos de trabajo, resulta que ¡hemos sobrepasado por fin las 10.000 entradas!

Para celebrar el acontecimiento hoy voy a hablar sobre un tema que quería tocar desde hace tiempo: CANTANTES QUE SON MÁS GRANDES QUE SUS PROPIAS VOCES.

¿A qué me refiero con esto? Pues como estaréis sospechando, a todos esos artistas que lo que es cantar, no cantan gran cosa, pero que por alguna razón, llámalo personalidad, actitud o llámalo factor-X, se convierten en cantantes de éxito y hasta son imitados por otros cantantes.

Estaréis pensando en Madonna, claro, es el primer nombre que se nos viene a todos a la cabeza; cantante muy voluntariosa pero limitadita, con una voz muy nasal en sus comienzos, que luego ha ido refinando a través sin duda de buenos profesores de canto. Ejemplo incombustible de adaptación a las corrientes y los gustos del público, pero a la vez manteniendo una personalidad y, por qué no decirlo, una coherencia en su trayectoria artística y vital.

Si llena estadios y tiene una legión de fans acérrimos será por algo. 
Vamos a recordar uno de sus hits, de allá por el año 1990, se llama "Vogue", fue número uno en 34 países y dio pie incluso a una forma de bailar (el vogueing). El vídeo era en blanco y negro, una pequeña obra de arte dirigida por David Fincher, rindiendo un homenaje al Hollywood más glamuroso.
A mí me gusta la intro...



Otro ejemplo de cantante que pasa el tiempo y se está convirtiendo en una leyenda (si no lo es ya) lo tenemos más cerca: es Olvido Gara "Alaska".

Contrariamente a lo que mucha gente piensa, Alaska no canta mal, no desafina al menos, pero es verdad que tiene un estilo vocal muy poco lucido, con un tono muy grave, sin nada de vibrato y sin apenas sostener ninguna nota; un estilo que ha hecho propio y ha defendido toda su carrera sin  concesiones a la galería. 

Hay que recordar que Alaska es hija del punk, una corriente que despreciaba la técnica musical y daba todo el protagonismo a "tener actitud", término vagamente equiparable a "ser uno mismo" o "ser auténtico".
Y es verdad que Alaska siempre ha sido muy ella misma, como podemos ver en este vídeo de sus comienzos, y yo la veo que tenía dieciséis años y ya hablaba como una señora mayor.




Para hacer punk no era necesario saber cantar ni tocar bien, pero poco a poco Alaska y sus compañeros de su sucesivos grupos fueron aprendiendo y eso se iba notando en sus actuaciones. Para cuando se llamaban Alaska y Dinarama, ya eran un grupo muy profesional y hacían cosas tan magistrales como "La funcionaria asesina".
Aquí tenemos a Alaska cantando con una motosierra en sus manos (TVE, programa "Tocata", año 1986). Un momento difícil de olvidar.






Pero mi ejemplo favorito de cantante legendaria con poca voz es... Yoko Ono.

Más conocida por ser "la bruja que separó a los Beatles", Yoko Ono ya era famosa antes de conocer a John Lennon, gracias a su trabajo como artista polifacética. Su vida es fascinante; de familia japonesa bien, sufrió mucho tras la Segunda Guerra Mundial, pero sus padres lograron que pudiera estudiar en buenos colegios americanos, donde ya mostró una vena rebelde y a contracorriente. Entre sus múltiples intereses estaba la música y hasta trabajó durante un tiempo con el músico vanguardista John Cage

Su forma de cantar puede definirse como abiertamente provocadora y desafiante, aunque también hay gente que la define como alaridos de gato o simplemente como una tomadura de pelo.
Podéis juzgar vosotros mismos su actuación en el siguiente vídeo.



Te puede gustar más o menos, pero lo que mola es esa actitud como diciendo "esto es arte, si no lo veis es que no entendéis nada", tan representativa del arte de vanguardia del siglo XX.

Y volviendo a su apasionante biografía, he leído que antes de conocer a Lennon, Yoko Ono estuvo casada y, al separarse, su ex-marido secuestró a la niña de 10 años de ambos, Kyoko, metiéndola en una secta y manteniéndola oculta. Yoko Ono no pudo volver a tomar contacto con su hija hasta 21 años después.
Luego vino el asesinato de Lennon delante de la propia Yoko, quien ha dedicado el resto de su vida a obras benéficas con la inmensa fortuna que le dejó el Beatle.


viernes, 26 de julio de 2013

Indestructible Placido Domingo

El pasado día 8 de Julio tuvimos noticia del ingreso hospitalario de Plácido Domingo a causa de un tromboembolismo pulmonar. El legendario tenor, que cuenta ya con 72 años de edad, reapareció dos semanas más tarde con buen aspecto tras ser tratado exitosamente en un hospital de Madrid. Lamentablemente para sus muchos seguidores, el cantante se ha visto obligado a cancelar algunos de los compromisos de su agenda, pero estamos seguros de que en poco tiempo lo veremos de nuevo en plena actividad.

Si por algo se ha distinguido Plácido Domingo durante toda su carrera es por su enorme fortaleza y su espíritu infatigable, que le han llevado a una carrera musical incansable e irrepetible, en la que ha batido todos los récords en cuanto a cantidad de representaciones, número de óperas que ha protagonizado, grabaciones en vídeo, cine y televisión, por no hablar de su actividad también como director de orquesta.




Este madrileño de nacimiento pasó su infancia y juventud en Mexico y pronto comenzó a despuntar como barítono, debutando en el papel de Pascual en la zarzuela "Marina"
Poco a poco fue aumentado la amplitud de su registro, abordando papeles de tenor con igual éxito de crítica y público. En suma, se habla de más de 90 papeles representados en la escena, 120 si sumamos las grabaciones discográficas.

De él se dice que es el tenor más versátil de la Historia, por su capacidad para asumir todo tipo de papeles, desde obras de Haendel hasta autores contemporáneos, y ha cantado en italiano, español, francés, ruso, alemán e inglés.

Pero solo con versatilidad y empeño no se logran gestas como la de abrir en 21 ocasiones la temporada de ópera del Metropolitan de Nueva York. Plácido Domingo es además un virtuoso de la técnica vocal, lo que justifica en cierto modo su variedad de registro y también la longevidad de su carrera de cantante.

Se le ha nombrado incluso como "el mejor tenor de la historia", en una encuesta realizada entre expertos críticos musicales por la revista BBC Magazine Music en 2008, por delante de otros grandes como Caruso o Pavarotti.

Dicha encuesta generó en su momento mucha controversia, porque para gustos los colores, y surgieron muchas voces criticando los resultados, especialmente entre las filas de los Pavarottistas, que son legión. 

Partiendo de lo absurdo de hablar de un primer, segundo o tercer lugar, sí que son evidentes las fortalezas de uno y otro: la versatilidad, la potencia, la musicalidad y la capacidad expresiva en escena de Domingo, frente al timbre privilegiado y la facilidad para alcanzar agudos (los famosos do de pecho) de Pavarotti.



Ambos protagonizaron junto con el tenor José Carreras aquel invento mediático de Los Tres Tenores, que tanto juego dio en su momento.
Sin embargo, Plácido Domingo ya había experimentado tiempo antes con numerosas incursiones en el territorio de la música pop (el denominado classical crossover), alcanzando éxitos sonados con artistas como John Denver ("Perhaps Love") o los españoles Mocedades ("Maitechu Mía").

Por último, no podemos olvidar la vertiente humanitaria de Plácido Domingo; especialmente recordada fue su participación altruista durante el terremoto de Mexico en 1985, por la cual recibió múltiples homenajes y reconocimientos en el país azteca.

Y ahora vamos a ver un par de vídeos seleccionados de Plácido Domingo. Espero que los disfrutéis.
El famoso "No puede ser" de la zarzuela La Tabernera del Puerto, del Maestro Pablo Sorozabal.




Y una producción de cine de la ópera Tosca de Giacomo Puccini, cantando "E Lucevan le Stelle".



viernes, 28 de junio de 2013

The Manhattan Transfer: leyenda viva de la música vocal

El año pasado cumplieron 40 años desde su fundación y continúan paseándose por los escenarios de todo el mundo. Tomaron su nombre de la novela homónima de John Dos Passos, pero el extraordinario talento y la conjunción de sus voces los llevaron tan alto que terminaron siendo mucho más famosos que el libro que los inspiró.



Manhattan Transfer lo componen Tim Hauser (el calvito), Janis Siegel, Alan Paul y Cheryl Bentine  (la pelirroja), (esta última entró en lugar de Laurel Massé, quien dejó el grupo tras un grave accidente de tráfico) y son una leyenda por muchos motivos: en primer lugar porque han cantado todos los estilos, desde el swing al pop, pasando por el gospel, el doo-dowop, el be-bop y el vocalese (estilo que consiste en poner letra a estándares del jazz instrumental).

En segundo lugar por su extraordinaria longevidad como grupo, algo difícil de conseguir y que se debe sin duda a la ausencia de divismos dentro del grupo y a su inagotable entusiasmo por la música vocal.

Durante su larga carrera han gozado de un merecido reconocimiento, tanto por parte de la crítica como del público de todo el mundo. Su momento más brillante tuvo lugar en los años ochenta, cuando publicaron varios álbumes magistrales como "Bodies and Souls", "Brasil" o "Vocalese" (este último recibió nueve nominaciones a los premios Grammy en 1985.




Son también especiales porque se desenvuelven tan bien cantando a capella como acompañados de un set instrumental. Como decíamos más arriba, la amplitud de su registro es enorme, y además los que hemos tenido la fortuna de escucharlos en vivo podemos dar fe de que sus voces en directo no pierden ni un ápice de la calidad que destilan sus grabaciones.

Aquí los tenemos cantando una versión prodigiosa del estándar de jazz que hiciera famoso Woody Herman y su orquesta: "Four Brothers". Ya me gustaría ver a otros grupos vocales más "finos" cantando con este sentido del ritmo.




Este otro vídeo tan simpático corresponde a una versión de un tema del cantante y compositor brasileño Djavan "Soul food to go" ("Sina" es el título del original en portugués). Cuando lo veáis os recordará a aquellos tiempos de los años ochenta cuando los vídeos de la MTV lo eran todo.




viernes, 19 de abril de 2013

Queen: algo más que una banda de rock

Hoy traemos a este blog al grupo británico Queen, formado por Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería), John Deacon (bajo) y el legendario cantante Freddie Mercury.

Queen nació como otros tantos grupos de música rock a principios de los años 70, pero a lo largo de su carrera mostró una serie de rasgos muy especiales que lo situaron en todo momento en un lugar distintivo dentro del mundo de la música rock.

Una de las claves de su originalidad es sin duda el protagonismo de la voz, no solo por el carisma y la calidad de Freddie Mercury como cantante, sino también por los intrincados arreglos vocales  del grupo en sus coros y que constituían por sí mismos un sello de marca.

En este sentido Queen fue pionero en la utilización masiva del overdubbing, es decir en la sobregrabación de voces hasta convertir el sonido final en el de un coro multitudinario.

Queen eran cuatro personas pero sonaban como cuarenta voces.

Otro rasgo propio del grupo es su acentuado eclecticismo, que les hacía probar todo tipo de estilos musicales, algo que como ya sabéis nunca ha gustado a los gurús y a la prensa especializada del rock. Este nadar entre estilos diversos puede resultar muy creativo, pero ha hecho que el grupo haya sido habitualmente infravalorado y acusado de "no ser una auténtica banda de rock". De hecho es llamativo que el grupo nunca recibiera un premio Grammy en toda su trayectoria.

Menos mal que tanto Freddie Mercury como el resto del grupo demostraron siempre que las críticas les resbalaban y siguieron el camino que les dio la gana, labrándose una carrera artística larga y jalonada de canciones maravillosas que hoy día son himnos eternos, como "We are the champions", "We will rock you", "I want it all", "Crazy little thing called love", "Somebody to love" y tantas otras creaciones, sin olvidarnos de "Bohemian Rhapsody", considerada como una de las mejores canciones pop de todos los tiempos.

Os traigo un documental de la BBC que he encontrado en Youtube sobre el grupo. Se titula "Days of our lives" y está dividido en 2 partes de 4 fragmentos cada una y subtitulado en español. Merece la pena de verdad.
Al final del documental muere Freddie Mercury y aunque ya lo sabíamos se pone un nudo en la garganta.







En los siguientes enlaces continúa el documental:

http://www.youtube.com/watch?v=5X11XleYOGM
http://www.youtube.com/watch?v=Js-f52fcwWI
http://www.youtube.com/watch?v=rXm27f7DfJE



Y también un documental sobre la grabación de "Bohemian Rhapsody"

http://www.youtube.com/watch?v=HL8wdMVzad0


Y por último algunos enlaces con páginas de fans (hay millones):
http://www.queenworld.com
http://www.queenonline.com/es/
http://www.queenzone.com
http://queen.shanemcdonald.org/queen-links.html

domingo, 17 de marzo de 2013

El coraje de Tina Turner

Recordando la celebración el pasado día 8 de Marzo del Día Internacional de la Mujer, traemos a este blog a una auténtica fuerza de la naturaleza, esta mujer maltratada física y psicológicamente durante décadas por su marido Ike Turner.

Un buen día tras una brutal paliza, huye de él y tras curar su heridas, resurge como el ave fénix desde las cenizas para ofrecer al mundo entero un talento único y descomunal. 

Ver cantar y bailar a Tina Turner sobre un escenario resulta algo difícil de olvidar. Aquí la tenemos ofreciendo su insuperable versión del "Addicted to love" de Robert Palmer.



Mucha gente puede pensar que Tina Turner es solo fuerza y movimiento, la "reina del rock & roll", como ha sido denominada. Pero además de eso, Tina es también una cantante con un gran dominio técnico de su voz, una tesitura amplísima y una gran sensibilidad.

En este otro vídeo la tenemos interpretando una versión de jazz de un tema de Joni Mitchel, para el disco "The Joni Letters" de Herbie Hancock.


sábado, 9 de febrero de 2013

"Quiet Storm" (la tormenta tranquila)

Hoy os propongo volver la vista atrás a un estilo de hacer música que hundiendo sus raíces en la música soul proponía un carácter más suave y relajado.
Esta "tormenta tranquila" (quiet storm) se convirtió en todo un género musical allá por los años 80-90 y se nutría de estilos como el soul, el jazz y el pop, dando lugar a una música de una gran perfección formal, con arreglos y sonido muy cuidados, temática romántica e interpretaciones vocales inspiradas en el gospel o el soul.
Es decir, música soul igual de negra pero lujosa y sin estruendos.

Aunque esta etiqueta se ha empleado con otros artistas consagrados como Luther Vandross o Sade, la reina indiscutible del "quiet storm" es Anita Baker.
Esta cantante nacida en Toledo, Ohio y que la semana pasada cumplió 55 años, comenzó su carrera con el grupo Chapter 8, el cual se disolvió tras grabar un primer disco sin éxito.



Anita abandonó su carrera musical durante unos años pero fue rescatada por Michael J. Powell, antiguo compañero en Chapter 8, quien la animó a iniciar su carrera en solitario con el apoyo de Powell en su faceta de compositor y productor. La colaboración entre ambos dio como fruto "The Songstress", un álbum sin gran éxito, pero que puso a Miss Baker en el mercado.

El siguiente álbum "Rapture" vendería nada menos que 8 millones de copias en todo el mundo.
El estilo vocal de Anita Baker no es plato para todos los gustos, aunque haya sido considerada repetidamente como "una de las mejores solistas del mundo". Tanto el tono peculiar de su voz, como su arriesgado empleo de glissandos hace que algunas personas que conozco no puedan casi ni soportarla.
A mí me parece sublime.

Aquí la tenemos cantando en vivo su gran éxito Sweet Love




Más tarde ha ido publicando otros álbumes, todos muy parecidos, todos magníficos, como "Giving you the best that I got", "Compositions" o "Rythm of love". Tras ganar un total de 8 Grammies decide centrarse en su familia y desaparecer del mercado un tiempo que se prolonga nada menos que 10 años.
Tras este lapso vuelve con un disco calcadito a los anteriores "My everything", como si no hubiera pasado nada y con bastante éxito de ventas (fue disco de oro).



Para terminar, os comento que la etiqueta "quiet storm" surgió como un formato de radio comercial en los USA a mediados de los 70 que programaba música soul suave y romántica. El nombre fue tomado de una canción del genial "Smokey" Robinson, una de las figuras claves en la historia del sello Motown (este personaje bien se merece otra entrada de blog).



martes, 9 de octubre de 2012

Historias de "Girl Groups" (2ª Parte: La Edad Dorada)


En la primera parte de esta serie hablamos de "girl groups" pioneros, como las Boswell Sisters y las Andrews Sisters, que tuvieron mucho éxito en los años 40 y 50.

Damos un salto hasta aquellos maravillosos años 60. América estaba cambiando y el sonido de la  Young New América (así se autodenominaba) provenía de la factoría Motown en Detroit. De allí surgían las voces de artistas irrepetibles como Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Four Tops, The Temptations o Smokey Robinson and The Miracles. También se formaron algunos "girl groups" con mucho éxito, como Martha Reeves and the Vandellas o The Marvelettes.

Pero el plato fuerte de la función eran The Supremes, tres chicas estupendas, mostrando unas voces elegantes y fuertes a la vez, llenas de orgullo afroamericano y cantando unas canciones que rompían las barreras raciales y competían por el número uno con los mismísimos Beatles.




The Supremes eran un girl group algo atípico porque el protagonismo de Diana Ross eclipsaba a las otras dos componentes, como queda claro, al menos para mí, en el vídeo anterior. La verdad es que las armonías del grupo no eran gran cosa y las voces de Mary Wilson Florence Ballard eran poco más que un envoltorio para el talento prodigioso de Miss Ross.

En el siguiente video os traigo el archiconocido "Stop in the name of love" en una grabación en la que se ha eliminado la instrumentación y solo quedan las voces del grupo. Hay un gran contraste entre los estilos vocales de Florence y Mary, que eran voces recias, de soul sin contemplaciones y el estilo vocal más refinado de Diana Ross, menos racial y que a la postre le permitió escalar otros mercados.




En lo que sí cumplen las normas de todo girl group es en lo de terminar mal; primero echaron a Florence Ballard, que era la fundadora del grupo original, pero era un poco sosa y tenía problemas con la bebida. Así comenzó a fraguarse la leyenda negra del grupo, que intenta pintar a Diana Ross como una arribista despiadada que se apropia del grupo y arrincona a sus compañeras.

Dos detalles contribuyeron a fortalecer esta leyenda: en primer lugar que el presidente de la compañía discográfica, Berry Gordy, decidiera cambiar el nombre del grupo por el de Diana Ross and The Supremes. Y en segundo lugar, que el propio Berry Gordy mantuviera durante esos años una relación sentimental extramatrimonial con Miss Ross (tuvieron hasta un hijo).

El caso es que Florence Ballard murió en la pobreza a la edad de 32 años y con retazos de su historia montaron el musical (y luego la película) Dreamgirls, en la que ponían a Berry Gordy a caldo. 
Diana Ross por su parte abandonó el grupo en 1970 para iniciar una exitosa carrera en solitario y convertirse en todo un icono de la cultura popular.

Aquí la tenemos ya en plan superstar en solitario, inundada de lentejuelas y plumas, cantando el inolvidable "Touch me in the morning". ¡Puro glamour!





viernes, 28 de septiembre de 2012

Historias de "girl groups" (1ªparte- grupos pioneros)


Hoy os propongo volver la vista atrás al fenómeno de los girl groups, es decir grupos vocales de música ligera compuestos exclusivamente por mujeres.

A lo largo del siglo XX el estilo de estos grupos fue cambiando, pero siempre bajo unas reglas básicas sagradas:

*Regla número uno: Un buen girl group siempre ha sido mucho más que la suma de sus partes. La armonía de las voces lo es todo. El empaste tiene que ser perfecto, de forma que al oyente le resulte muy difícil distinguir una voz de otra; las chicas tienen que sonar como si fueran una sola persona cantando.

*Regla número dos: Las voces se mueven al mismo ritmo y cantan a la vez la misma letra (lo que se denomina en términos musicales homofonía, en oposición a polifonía, en la cual las voces tienen independencia rítmica).

*Regla número tres: Sus componentes guardan un gran parecido físico entre ellas (y además son siempre muy guapas).

*Regla número cuatro: Al comenzar su carrera las cantantes están muy unidas entre ellas; suele tratarse de amigas del alma o incluso hermanas. Y tras alcanzar el éxito empiezan las desavenencias personales y terminan tirándose los trastos a la cabeza.


Y para sostener esta tesis os traigo el recuerdo de algunos de los girl groups más exitosos de la Historia.

Comenzaremos con The Andrews Sisters, que eran efectivamente tres hermanas que se dedicaban a imitar a las entonces famosas The Boswell Sisters. El estilo de las unas tanto como de las otras consistía en una voz central de mezzo (Patty) haciendo la melodía, una voz de contralto (Laverne) haciendo una armonía por debajo y una soprano (Maxene) haciendo la armonía por arriba. Es un sonido muy distintivo y que asociamos seguramente a la música de los años cuarenta, las big bands, el swing y el boogie-woogie. Líneas rítmicas rápidas y sincopadas. Las armonías parecen siempre la misma.

En este vídeo podéis apreciar la coordinación perfecta, casi sobrenatural, de sus voces, y también lo chisposas que eran.



En los años cuarenta fueron lo más y contribuyeron mucho animando a las tropas durante la Segunda Guerra Mundial (hoy no nos hacemos a la idea, pero eran un grupo muy atrevido).
Las desavenencias entre ellas comenzaron pronto (según Patty desde el primer año) y eso que eran hermanas. Discusiones, demandas judicialesintento de suicidio de Maxene, etc, para 1951 ya se había disuelto la formación, aunque más tarde volverían a reunirse.


   De izquierda a derecha: Laverne, Patty y Maxene Andrews.


Tras la muerte de la hermana mayor Laverne por un cáncer en 1967, Patty y Maxene tuvieron  sucesivos reencuentros y periodos de no hablarse durante casi 30 años hasta el fallecimiento de Maxene en 1995. Ahora ya solo sobrevive Patty con 94 años.

Y volviendo la vista atrás a los años 30, recordemos también a las Boswell Sisters y sus armonías vocales realmente encantadoras. Observaréis que en sus filmaciones salían siempre sentadas; esto se debe a que una de ellas estaba inválida. Pero las armonías les salían muy bien; de ellas copiaron todo las Andrews Sisters, que en cambio, bailaban sin problemas y terminaron haciendo muchas películas.

Os traigo un vídeo documental de las Boswell Sisters, que se llamaban Connie, Helvetia y Martha.



En la próxima entrega de esta serie hablaremos de girl groups más modernos, pero que también terminan llevándose fatal.

miércoles, 19 de septiembre de 2012

ABBA: el secreto del éxito

Estos cuatro suecos se convirtieron a finales de los años 70 en las mayores estrellas de la música, nivel planeta Tierra. Se estima que vendieron cerca de 400 millones de discos.

El caso es que no eran un grupo muy apreciado por los críticos; decían que su música era demasiado simple y sus letras insustanciales. Sin embargo, el paso del tiempo ha dado la razón a los gustos de la "plebe" y el grupo Abba se ha convertido hoy en día en un clásico indiscutible y grupo de culto.

Su prestigio es incluso mayor en tierras australianas, donde son considerados casi dioses (no se sabe bien por qué tanta predilección). En cambio el mercado estadounidense se les resistió durante largas temporadas, quien sabe si por una pobre distribución de sus discos, o porque su música les parecía demasiado pulcra y algo infantil.

Una de las claves del éxito del grupo, y por eso los traigo hoy a este blog de música vocal, es la extraordinaria conjunción de sus dos voces solistas, Agnetha (la rubia) y Anni-Frid "Frida" (la pelirroja). Tanto cuando cantan en unísono (las mismas notas) como cuando hacen armonías, sus inconfundibles voces constituyen la auténtica marca de identidad del grupo.

Mucho se ha dicho y se ha escrito sobre el secreto del éxito de ABBA, ¿por qué una música aparentemente tan sencilla resulta tan encantadora e irresistible para audiencias de los cinco continentes? Una de las claves es por supuesto la calidad de Benny (el de la barba, a los teclados) y Björn (el de la guitarra) como compositores y letristas de canciones. Otra son las voces y los interesantes arreglos vocales, deudoras de grupos como Beach Boys y The Beatles.

Pero también se ha hablado mucho sobre las innovaciones técnicas en el estudio de grabación. La consistencia de las voces se mejoraba grabando varias veces la misma pista y superponiendo las tomas introduciendo pequeñas variaciones de tono o incluso velocidad (varispeed) que hacían que las voces de las chicas sonaran como todo un coro.

Si nos fijamos bien, cuando escuchamos los discos de ABBA, siempre se oyen más de dos voces, a veces formando diferentes capas realizando juegos armónicos a veces muy sutiles. En algunas canciones, este juego es más evidente, como en esta magistral grabación del tema Take a chance on me, con su introducción a capella, 



La introducción con la pantalla partida se adelanta treinta años a muchos de los vídeos que se hacen hoy en día para youtube. La estética de los vídeos del grupo ABBA siempre fue muy rompedora e imaginativa. No en vano, la mayoría de sus videoclips fueron dirigidos por Lasse Hallström, conocido director de cine famoso más tarde por películas como Las normas de la casa de la sidra, Mi vida como un perro o Chocolat.

Aquí tenemos también el vídeo oficial de Knowing me, knowing you, con esos planos tan personales contraponiendo rostros y perfiles de los que luego haría homenaje la película La boda de Muriel.



Y aquí la versión genial de Waterloo de la película australiana.


Otro aspecto que merece recordar del grupo es su estilismo. Y sí, el grupo estaba formado por dos matrimonios, Bjorn con Agnetha, y Anne-Frida con Benny, aunque luego se separaron todos.




Tenemos desde modelos tipo kimono...

...pasando por trajes con capa de superhéroe...


Aquí escasos momentos antes de echar a volar...

















Y los fines de semana nos ponemos el mono para hacer chapuzas en casa.


Y aquí unas cuantas direcciones interesantes sobre el legendario grupo sueco, algunas de ellas creadas por fanáticos auténticamente locos por el grupo. Todo grupo de culto que se precie tiene sus friki-fans...


http://jimcolyer.com/papers/entry?id=35


http://www.breckstewart.com/general/book/abba/

http://en.wikipedia.org/wiki/ABBA

http://www.iphpbb.com/foren-archiv/5/292800/291240/abba-harmonies-30652567-61610-12016.html

http://www.abbasite.com