Más pop a capella en español, por favor!

Así como la música pop a capella vive una auténtica revolución en el mundo anglosajón, con la aparición de miles de grupos que hacen una música muy interesante y se valen de las nuevas tecnologías y de internet para dar a conocer su arte en todo el mundo, no podemos decir que esté sucediendo lo mismo en el mundo de la música en lengua española.

No hay más que darse una vuelta por youtube y encontrar montones de muestras de grupos a capella en lengua inglesa, algunos de la solera y la calidad de Kings Singers, Swingle Singers, The Real Group, Voca People, Rockapella y un largo etcétera, sin olvidarnos de grupos que han trascendido del ámbito minoritario especializado y han accedido a la fama mundial, como Take 6 o Manhattan Transfer.

En cambio, si nos atenemos a la música vocal en español, la tarea no resulta tan sencilla. Ya hemos hablado en este blog del grupo Bvocal, radicado en Zaragoza, seguramente el más profesional y más consolidado de los grupos que hacen pop a capella en España. 

En realidad Bvocal es algo más que un grupo, es también un espectáculo de teatro cómico que triunfa también en el extranjero, como hemos visto en sus sucesivas giras por Corea del Sur.

Este es un vídeo promocional de una de esas exitosas giras.

Pero aparte de Bvocal, no hay mucho más que contar en el mundo del pop acapella en lengua castellana. Por supuesto tenemos a Jaimina Johnston y su grupo, cuya producción es a partes iguales en español y en inglés, y también algunos otros grupos que, salvo contadas excepciones, se mueven dentro del circuito amateur.

Rastreando la pista de estos grupos he encontrado en Youtube algunos realmente interesantes, con una gran calidad de voces y también de arreglos. En primer lugar quiero que escuchéis al grupo Cantarte, que son 6 voces jóvenes de Asunción, Paraguay.

Este grupo me gusta por su aire desenfadado y por lo bien que suenan todas las voces. Por desgracia, no tienen muy actualizada su página web, así que es posible que el grupo no se encuentre muy activo últimamente. Tienen editado un disco llamado "Beatles and more", en el que emplean varios arreglos de los Swingle Singers, sin desmerecer para nada el resultado respecto de las versiones del legendario grupo británico. También han efectuado algunas salidas a países latinoamericanos, como Argentina o Venezuela, además de organizar encuentros corales en su ciudad ("Asunción a voces")

Pero vamos a oír otro grupo, este sí cantando en español:  son colombianos y se llaman Legatto 7.
Llevan 15 años cantando a capella y tienen un estilo muy personal, con una influencia muy acusada del folklore de su país. Este vídeo, aparte de sonar muy bien, es muy divertido.

Este grupo no tiene página web pero está muy activo en Twitter y en Facebook, ha tenido mucho éxito en su país y ha publicado al menos dos discos, aparentemente con algunas canciones propias. Otro dato curioso es que se llaman Legatto 7 pero son sólo seis integrantes (el séptimo es el público, dicen).

Otro grupo que me parece muy recomendable es Vocal Sampling, un grupo vocal a capella procedente de Cuba, con una sólida trayectoria musical y giras por muchos países. Aquí nos ofrecen su insuperable versión a capella de los ritmos caribeños a golpe de beatbox.

Y finalmente de España traigo al grupo Yoop, un conjunto de 8 voces mixtas, traídas de aquí y de allá de la geografía nacional y que hacen un pop a capella fresco y divertido, un poco en la línea de Bvocal, y atreviéndose a versionar clásicos del pop español como este "Al calor del amor en un bar" de Gabinete Caligary, que armonizara también Jaimina Johnston en su disco "La reina del Karaoke"

Y aquí la versión de Jaimina Johnston

Malos tiempos para Eurovisión

Mañana se celebrará en Malmö, Suecia, la final de la 58ª edición del Festival de la Canción de Eurovisión. Mucha gente se ríe del Festival de Eurovisión y dice que es un espectáculo trasnochado, pero lo cierto es que las audiencias son altísimas (y en España también).

Este festival siempre ha sido muy polémico, pero desde la introducción del televoto y la entrada de los países de la Europa del Este, las votaciones se han convertido en un auténtico tratado de política internacional.

A mí personalmente me aburren un poco las actuaciones, aunque siempre se pueden oír unas cuantas buenas voces (que no canciones), pero lo que no me pierdo de ninguna manera son las votaciones finales. Debe de ser puro masoquismo, porque año tras año comprobamos una realidad muy dura: que en Europa a España apenas le quedan amigos.

Al final, la historia de los últimos años siempre es la misma: los países de la antigua URSS se votan entre ellos, los países balcánicos también y luego queda el lobby nórdico quienes también se ayudan entre ellos. Todos estos no nos votan prácticamente nunca. Así que España tiene que llevar una canción muy buena para poder quedar como mucho en el puesto sexto o séptimo. Eso sí, Portugal siempre nos da doce puntos, llevemos lo que llevemos.

Pero el Festival de Eurovisión no siempre ha sido así, hubo una época dorada en la que muchos países cantaban en francés y tan pronto ganaba Mónaco como Luxemburgo. Ay, otros tiempos sin duda, que recordamos con añoranza, pero que podemos disfrutar de nuevo gracias a Youtube.

A continuación os traigo algunas de las mejores actuaciones en mi opinión de la historia del certamen: grandes voces y grandes canciones que nos producen un puntito de nostalgia.

Esta es Frida Boccara, ganando el primer puesto para Francia (compartido) en 1969 con la preciosa canción "Un jour, un enfant"

Esta también es mítica, Marie Myriam con "L'oiseau et l'infant" vencedora también para Francia en 1977.

Karina quedó segunda en 1971, pero bien podía haber ganado con la canción "En un mundo nuevo" y eso que hubo un fallo de sonido y no se llegó a oír el primer verso de la canción.

Jaimina Johnston también rindió su particular tributo al mundo eurovisivo con su "ESC medley", tema incluido en el álbum "Four Seasons", un popurrí de canciones ganadoras de Eurovisión como "Poupée de cire", "Un banc, un arbre, une rue" o el "La, la la" de la grandísima Massiel. Y también se oyen las voces de Laura Valenzuela y del mítico José Luis Uribarri.

Como curiosidad y ya que estamos en un blog de música vocal, traigo también un vídeo de la participación del grupo a capella Cosmos representando en 2006 a Letonia, una de las repúblicas bálticas donde tanto gusta la música coral.

¡Hasta siempre, Adalberto Corona!

Recientemente nos ha llegado la triste noticia del fallecimiento del tenor Adalberto Corona, miembro fundador del grupo que acompaña a Jaimina Johnston, The 3Tones.

Como relatamos hace un tiempo en este blog, Adalberto había abandonado el grupo por motivos personales hace dos años (ahora sabemos que era por una enfermedad).

Adalberto Corona era el único miembro "superviviente" de los originales 3Tones que fundaron el grupo allá por los años 60 y que volvió a los escenarios tras la reaparición de Jaimina Johnston en el 2005.

La noticia ha causado gran pesar en la cantante Jaimina Johnston así como en sus compañeros de grupo y amigos. En homenaje a esta lamentable pérdida, han grabado una versión a capella de la sevillana "El adiós", que podéis escuchar en el siguiente video colgado en youtube.

Desde aquí queremos recordar a este gran artista que nos ha proporcionado tantos momentos de felicidad con su música y que ahora se nos ha ido.

También queremos enviar nuestras condolencias a su familia y amigos.

Descanse en paz, Adalberto Corona.

Queen: algo más que una banda de rock

Hoy traemos a este blog al grupo británico Queen, formado por Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería), John Deacon (bajo) y el legendario cantante Freddie Mercury.

Queen nació como otros tantos grupos de música rock a principios de los años 70, pero a lo largo de su carrera mostró una serie de rasgos muy especiales que lo situaron en todo momento en un lugar distintivo dentro del mundo de la música rock.

Una de las claves de su originalidad es sin duda el protagonismo de la voz, no solo por el carisma y la calidad de Freddie Mercury como cantante, sino también por los intrincados arreglos vocales  del grupo en sus coros y que constituían por sí mismos un sello de marca.

En este sentido Queen fue pionero en la utilización masiva del overdubbing, es decir en la sobregrabación de voces hasta convertir el sonido final en el de un coro multitudinario.

Queen eran cuatro personas pero sonaban como cuarenta voces.

Otro rasgo propio del grupo es su acentuado eclecticismo, que les hacía probar todo tipo de estilos musicales, algo que como ya sabéis nunca ha gustado a los gurús y a la prensa especializada del rock. Este nadar entre estilos diversos puede resultar muy creativo, pero ha hecho que el grupo haya sido habitualmente infravalorado y acusado de "no ser una auténtica banda de rock". De hecho es llamativo que el grupo nunca recibiera un premio Grammy en toda su trayectoria.

Menos mal que tanto Freddie Mercury como el resto del grupo demostraron siempre que las críticas les resbalaban y siguieron el camino que les dio la gana, labrándose una carrera artística larga y jalonada de canciones maravillosas que hoy día son himnos eternos, como "We are the champions", "We will rock you", "I want it all", "Crazy little thing called love", "Somebody to love" y tantas otras creaciones, sin olvidarnos de "Bohemian Rhapsody", considerada como una de las mejores canciones pop de todos los tiempos.

Os traigo un documental de la BBC que he encontrado en Youtube sobre el grupo. Se titula "Days of our lives" y está dividido en 2 partes de 4 fragmentos cada una y subtitulado en español. Merece la pena de verdad.

Al final del documental muere Freddie Mercury y aunque ya lo sabíamos se pone un nudo en la garganta.

En los siguientes enlaces continúa el documental:

http://www.youtube.com/watch?v=5X11XleYOGM
http://www.youtube.com/watch?v=Js-f52fcwWI
http://www.youtube.com/watch?v=rXm27f7DfJE



Y también un documental sobre la grabación de "Bohemian Rhapsody"

http://www.youtube.com/watch?v=HL8wdMVzad0


Y por último algunos enlaces con páginas de fans (hay millones):
http://www.queenworld.com
http://www.queenonline.com/es/
http://www.queenzone.com
http://queen.shanemcdonald.org/queen-links.html

¿Por qué el público huye de la música clásica? Cinco razones de peso.

La crisis de público de la música clásica no es un asunto nuevo. 

Desde hace ya décadas se asume que la música clásica está dirigida a una minoría: una minoría entendida, una minoría selecta, una minoría cultivada y una minoría además añosa. Todos estos clichés se aplican habitualmente a la gente que tiene costumbre de escuchar música clásica.

La falta de entendimiento entre la música clásica y la música popular además es recíproca, porque tanto empeño pone el común de las gentes en huir de las salas de concierto como los propios músicos "clásicos" en poner barreras que impidan que la gente llana acceda a comprender y amar la música denominada "culta".

Pero a fin de cuentas, ¿tan diferentes son la música clásica y la música popular?

Mi humilde respuesta es un rotundo NO. 

Tanto la una como la otra están hechas de lo mismo, de notas, armonías, ritmos, y las mayores diferencias estriban en la forma en la que una u otra nos presenta el resultado.

El Magnificat de J.S: Bach son notas musicales

El Bad Romance de Lady Gaga también son notas musicales

Por supuesto que la mayor parte de la música considerada clásica tiene el prestigio de haber persistido vigente durante siglos, (haber superado la prueba del tiempo) pero incluso la creación más genial de Bach o de Mozart no deja de ser lo que hemos dicho: notas, armonías, ritmos. Y quién nos dice que dentro de muchos años no seguiremos disfrutando igual que ahora con las canciones de los Beatles, por poner un ejemplo.

Pero volviendo a la pregunta del título de este post, ¿cuáles son esas razones por las que la mayor parte del público no tiene ningún interés por la música clásica?¿Es porque son todos unos ceporros sin sensibilidad alguna? Mi opinión es que no; es la forma en la que la música clásica nos es presentada la que hace que esté en franca inferioridad cuando tiene que "competir" con la música popular.

Ahí van cinco razones:

RAZON NUMERO 1: MUSICA Y VOZ

Al ser humano le encanta la música cantada y por eso el 99% de la música popular tiene como protagonista la voz. En la música clásica en cambio predomina la música instrumental y eso engancha menos al público. De hecho, las formas cantadas de la música clásica como la ópera o las obras corales son las que aún consiguen suscitar cierto interés entre el público general.

RAZON NUMERO 2: LAS FORMAS DE LA MÚSICA CULTA

A la gente común le produce auténtica alergia toda esa terminología de sinfonía, cantata, sonata, motete, lied, oratorio, suite, preludio, minueto, poema sinfónico, scherzo y otros muchos que me dejo en el tintero. La mayoría de la gente solo distingue entre A: Canciones y B: Músicas. Vamos, que es escuchar eso de Opus número no se cuántos y cambiar de canal.

RAZON NUMERO 3: LOS CANTANTES LIRICOS
Ya hemos aludido alguna vez en este blog a las diferencias entre las voces líricas y la forma de cantar de la música ligera. No vamos a negar aquí el esfuerzo y los años de preparación que exige el canto lírico, pero sí vamos a señalar que la mayor parte del público prefiere una forma de cantar más natural, más cercana a la voz hablada y sobre todo, sin ese exagerado vibrato que hace que a veces no se les entienda lo que cantan.

RAZON NUMERO 4: EL IDIOMA

Y hablando de no entender lo que se canta, ¿qué podemos decir de todas esas corales cantadas en latín, o de las óperas cantadas en alemán, en francés, o en italiano en el mejor de los casos? El mensaje es por lo menos el 50% del valor que tiene la voz humana, único instrumento que aúna música y texto. Cierto es que ahora suelen ponernos subtítulos, que ayudan y mucho a seguir una ópera, pero solo por un momento imaginemos un concierto de pop o de rock que necesitara subtítulos para enganchar al público.

RAZON NUMERO 5: LA EXPOSICION CONTINUA Y LA PROPAGANDA

Nunca amamos una canción o una pieza musical la primera vez que la escuchamos. La exposición repetida es la que hace que prenda en nuestro interior. Siempre me ha parecido ilusorio acudir a un concierto de música clásica, escuchar una obra que no hemos oído nunca antes y pretender que nos encante a la primera. Como mucho diremos que nos parece interesante, que promete o que nos recuerda a otra que nos gusta. En los conciertos de pop o rock el público acude con los deberes ya hechos y se sabe las canciones de pe a pa, porque las discográficas se encargan de promocionarlos extensamente en la radio, en las televisiones, en los anuncios. Si el público acude a un concierto de música clásica sin conocer nada de la obra, lo más probable es que se quede dormido a mitad del concierto y no vuelva al siguiente.

Classical Crossover

Por todas estas razones queremos rendir hoy homenaje en este blog a todos esos artistas que han intentado sortear este abismo aparentemente insalvable entre la música clásica y la música popular. Son conocidos como los artistas del classical crossover, término que podríamos definir como aquellos que adoptan fuentes o influencias de la música clásica para llevarlos al terreno de la música popular y alcanzar una imagen más comercial y llegar a un público más amplio.

He encontrado este enlace en el que lo explica todo maravillosamente bien, las distintas formas de hacer classical crossover, las tácticas que emplean las discográficas para explotar este mercado y también algunos ejemplos de los artistas más conocidos en esto de llevar la música clásica a las grandes masas, que son sobre todos cantantes, como el éxito universal de Los Tres Tenores (Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras)

Muchos puristas se rasgan las vestiduras, pero espectáculos así acercan la música clásica a un público que de otra manera no llegaría a conocer nunca la belleza de este aria de Puccini, (aunque muchos lo llamarán temazo en lugar de aria, lo que viene a ser lo mismo).

A la estela del éxito de los tres tenores, hemos tenido más tarde la oportunidad de conocer a Andrea Bocelli, cuyo caso es diferente porque es más bien un cantante de música ligera con algunos registros de tenor y canta canciones que no son de ópera pero se dan un aire. El éxito de Con te partiró fue también enorme.

El avispado productor de la compañía Sony Simon Cowell, conocido también por su labor de jurado en Factor X, vio enseguida el potencial comercial y creó el grupo Il Divo, un grupo de cantantes iniciados en el canto lírico, que no son italianos pero lo parecen (importante para el éxito), y que cantan canciones pop pero intentando sonar a ópera.

Yo no sé si esto se puede seguir considerando classical crossover o ya es descaradamente música pop para fenómeno fan, como se desprende de los comentarios del siguiente vídeo. Vosotros mismos podéis juzgar.

Grandes álbumes vocales: Gran Misa en Do menor de Mozart

Aprovechando el espíritu de la reciente Semana Santa, nos vamos a acercar hoy a una de las grandes, si  no la más grande de las obras vocales sacras de todos los tiempos: la Gran Misa en Do menor de Wolfgang Amadeus Mozart, (K427).

Esta obra monumental, y sin embargo inacabada, fue compuesta por el genial músico entre 1782 y 1783. Como peculiaridad, la compuso no por encargo como otras misas, sino al parecer por algún tipo de promesa o voto por su reciente matrimonio con Constanze Weber.

Siete años más tarde, Mozart compondría otra obra genial y también inacabada: la Misa de Requiem.

La Gran Misa en Do menor está compuesta para dos coros, dos sopranos, un tenor y un bajo solistas y orquesta y no se sabe por qué Mozart la dejó sin terminar (falta parte del Credo y todo el Agnus Dei previsto)

En cuanto a la música, siempre se ha señalado la influencia de las obras corales de Bach y Haendel, a partir de cuyas premisas Mozart demuestra el por qué muchos lo consideran el mayor genio de la historia de la música, creando una música que puede ser tan delicadamente hermosa (como por ejemplo en el Incarnatus est) como de un dramatismo hondo y arrebatador (como en el pasaje Qui tollis).

Su capacidad para crear melodías eternas es solo comparable a su dominio de la armonía, con progresiones cromáticas a las que previamente no se había atrevido ningún compositor y que parecen surgidas de alguna suerte de inspiración divina. Pero además, en esta como en el mencionado Requiem, Mozart muestra un renovado interés por el contrapunto y la fuga, que desarrolla con singular maestría.

En el siguiente vídeo tenéis TODA la obra, con la transcripción simultánea de la partitura, tal y como es interpretada por la orquesta English Baroque Soloists, dirigida por John Elliot Gardiner, con el  maravilloso Monteverdi Choir.

Entre otras grabaciones de la obra, quizá la más apreciada por los expertos es la dirigida por el húngaro Ferenc Fricsay, con la participación de la soprano también húngara Maria Stader.

En el siguiente enlace tenéis interesantes comentarios sobre esta legendaria grabación y también os podéis descargar el MP3 completo de la obra.
http://juliosbv.blogspot.com.es/2010/05/mozart-gran-misa-en-do-menor-adagio-de.html

Este enlace también es muy interesante:
http://quinoff.blogspot.com.es/2011/05/mozart-gran-misa-en-do-menor-fricsay.html

Y este otro enlace analiza el "Incarnatus est" en todo detalle:
http://stanzadellasegnatura.wordpress.com/2011/05/08/los-trascendentales-del-ser-y-la-musica-academica-el-incarnatus-de-mozart/


Finalmente, el gran Leonard Bernstein también nos dejó SU versión de la obra. En el siguiente video tenemos el "Qui Tollis", quizás mi pasaje favorito de la obra.

¡Dionne Warwick en bancarrota!

Nos acabamos de enterar que la legendaria cantante estadounidense Dionne Warwick, agobiada por las deudas con la hacienda de los USA, se ha declarado en bancarrota.

Le debíamos una entrada en este blog a esta cantante, que en la actualidad cuenta 72 años de edad y cuya carrera profesional se extiende a lo largo de más de cincuenta años.

El estilo vocal de Dionne Warwick es único por su sutileza y su elegancia, aunque tampoco está desprovisto de fuerza cuando es preciso. Los orígenes de su carrera se encuentran en el gospel, aunque pronto abandonó la música negra para convertirse en una de las cantantes de pop de mayor éxito en los años 60 de la mano del dúo Bacharach y David, compositor y letrista que le proporcionaron la mayor parte de sus éxitos.

Canciones como "Walk on by", "Don't make me over" o "Do you know the way to San Jose" son algunos de los hits de su larga carrera. También es un hecho curioso que algunos de sus mayores éxitos fueron luego objeto de versiones que llegaron a superar el éxito cosechado por Dionne, como en el caso de "Say a little prayer" o "(They Long to be) Close to you", en versiones de Aretha Franklin o los Carpenters, respectivamente.

También Dionne Warwick ha realizado algunas versiones de éxitos ajenos, dotándolas de su inconfundible personalidad, como esta versión sencillamente sublime del "All in love is fair" de Stevie Wonder.

Tras romper su asociación con el tándem Bacharach-David, su carrera pasó al ostracismo durante buena parte de los años 70, pero como todo lo bueno vuelve, en la década de los 80 resurge con nuevos álbumes y nuevos éxitos, entre los que destacan "Heartbreaker" compuesta para ella por los Bee Gees y el megahit "That's what friends are for", escrita por Bacharach y Carol Bayer Sager para Dionne, Gladys Knight, Elton John y Stevie Wonder, canción benéfica a favor de los enfermos de SIDA, en un momento (año 1985) en el que esta epidemia se encontraba en pleno apogeo.

Resulta paradójico y bastante triste que una artista que es conocida por haber dedicado gran parte de su trabajo a fines benéficos sea ahora perseguida sin piedad por Hacienda, por mucho que deba no sé cuántos millones de dolares y aunque seguramente no habrá sido muy cuidadosa con sus dineros.

El lado positivo es que ahora igual se anima a salir de gira y la podemos ver por Europa.

Y si el anterior vídeo os ha parecido emotivo, os reto a que veáis y escuchéis sin echar la lagrimita esta otra versión de la misma canción, pero ahora con la presencia de dos artistas ya desaparecidos, Luther Vandross y Whitney Houston.

Cantando en familia (y recordando a los Carpenters)

Hoy Jueves Santo es el Día del Amor Fraterno y se me ha ocurrido que vamos a hablar aquí sobre cantantes que se han hecho famosos saliendo al escenario acompañados de sus hermanos o hermanas.

Y no es tan rara esta circunstancia, quizás porque los mejores cantantes siempre han despuntado ya de niños y porque en muchos casos su dedicación a la música se debe a unos padres que ya tenían una gran afición a la música o que incluso eran músicos profesionales.

Ejemplos de familias musicales los hay a patadas y algunas de ellas ya han visitado nuestro blog, como los Jacksons, liderados por nuestro añorado Michael, cuya carrera nació por el empeño del padre de la familia, Joseph Jackson.

No tan legendarios, pero también hermanos y con miles de fans son los Jonas Brothers, el grupo Hanson o los  hermanos (aunque se lleven a matar) Gallagher del grupo Oasis.

El éxito de los Jonas Brothers se forjó en interminables ensayos en el hogar familiar
y durísimas sesiones de peluquería y estilismo

Los Hanson intentaron crear una versión blanca
 y con pelo largo de los Jacksons,
pero su éxito fue efímero.

Los hermanos Gallagher en un raro momento de concordia fraternal

No podemos olvidarnos de los Beach Boys, que también eran tres hermanos (los Wilson), un primo y un amiguete de la familia y desde el garaje de su casa revolucionaron toda la música popular. Ya hemos hablado en otras ocasiones de su influencia sobre otros artistas.

También hermanos eran los Bee Gees (Robin y Maurice eran además mellizos no idénticos), de los cuales ya hemos hablado en este blog y quienes hacían unas armonías vocales estupendas. Por culpa del cáncer ahora ya solo nos queda Barry.

Y hay incluso cantantes gemelos idénticos, lo que me imagino será una ventaja a la hora de conjuntar bien bien las voces. Allá por los años 80 teníamos al grupo Bros y ahora tenemos a los Jedward, dos gemelos dublineses descubiertos en Factor X de gran Bretaña y famosos por sus participaciones en Eurovisión (sí, han ido ya dos veces)

Bros

John y Edward se hacen llamar Jedward.
Son famosos por sus dinámicas actuaciones y
también por sus tupés imposibles.

The Corrs

The Kelly Family en la foto del carnet de familia numerosa.

Los cuatro miembros del grupo The Corrs también son todos hermanos y sus padres eran músicos profesionales. Como la Familia Kelly, pero en más fino; vamos, que los Kelly casi parecen una secta.

Y en España también hemos tenido y tenemos familias que siguen el lema "La familia que canta unida permanece unida".

Desde la mítica banda Mocedades (cuyo núcleo era una familia de Bilbao, los Uranga) a los cuales ha versioneado incluso la mismísima Jaimina Johnston en el álbum "La Reina del Karaoke", al dúo Estopa o los Café Quijano, tres hermanos leoneses que han hecho toda una carrera a partir de solo una canción ("La Lola"), que ya tiene mérito.

Esta es la idea que tiene el grupo Mocedades de salir bien en una foto.

Pero para ejemplos de familias de artistas españoles, las familias gitanas, con grupos legendarios, como los Chunguitos, los Chichos o las Azúcar Moreno, que son un spin off de los Chunguitos, y aunque ahora estén enfadadas entre ellas son un modelo alucinante del encuentro entre lo cañí y la vanguardia.

Este estilismo en su momento tenía sentido,
aunque parezca imposible

Los Chichos eran mucho más sobrios

Las Azúcar Moreno cuando todavía se hablaban

Pero me desvío mucho de mi intención original que era rendir homenaje a uno de mis grupos de familias cantantes favoritas, que son los Carpenters. 

Richard y Karen Carpenter eran dos hermanos nacidos en Connecticut y mostraron desde su juventud grandes dotes para la música. Sus primeros pinitos los hicieron en grupos de jazz, donde Richard tocaba el piano y Karen la batería. Poco a poco Karen, que era una extraordinaria batería, empezó a mostrar un increíble talento natural para cantar.

El grupo forjó un estilo propio inconfundible cimentado por una parte en la gran pericia de Richard para la elección de canciones, los arreglos y la grabación de voces empleando la técnica de overdubbing (sobreposición de la misma o varias voces en la grabación); por otra parte, la inusualmente grave voz de Karen Carpenter constituye el sello inconfundible del grupo, con su dicción perfecta, un estilo vocal limpio y sin embargo de una calidez irresistible, que nos hace pensar en el calor del fuego de la chimenea de un hogar una tarde de invierno o los campos de trigo al sol mecidos por el viento.

Aunque el éxito del grupo fue absoluto, vendiendo millones de discos y logrando varios premios Grammy, lo cierto es que el grupo siempre se sintió algo encasillado por la compañía de discos en un estilo de música algo blando y conservador. Esto les granjeó el desprecio de muchos críticos, que no pueden soportar a un grupo musical que no sea polémico o no hable de drogas ni de política.

El caso es que a la vez que ofrecía una imagen idílica de la America blanca y conservadora, el grupo vivía en su propio seno los dramas del abuso de barbitúricos de Richard y la enfermedad de Karen, quien sufría anorexia nerviosa, en aquel tiempo una enfermedad casi desconocida y que le llevó finalmente a fallecer a la temprana edad de 32 años.

Todo esto lo relata muy bien el propio Richard en un documental que he encontrado en youtube y que  os recomiendo seguir de principio a fin porque no tiene desperdicio.

El coraje de Tina Turner

Recordando la celebración el pasado día 8 de Marzo del Día Internacional de la Mujer, traemos a este blog a una auténtica fuerza de la naturaleza, esta mujer maltratada física y psicológicamente durante décadas por su marido Ike Turner.

Un buen día tras una brutal paliza, huye de él y tras curar su heridas, resurge como el ave fénix desde las cenizas para ofrecer al mundo entero un talento único y descomunal. 

Ver cantar y bailar a Tina Turner sobre un escenario resulta algo difícil de olvidar. Aquí la tenemos ofreciendo su insuperable versión del "Addicted to love" de Robert Palmer.

Mucha gente puede pensar que Tina Turner es solo fuerza y movimiento, la "reina del rock & roll", como ha sido denominada. Pero además de eso, Tina es también una cantante con un gran dominio técnico de su voz, una tesitura amplísima y una gran sensibilidad.

En este otro vídeo la tenemos interpretando una versión de jazz de un tema de Joni Mitchel, para el disco "The Joni Letters" de Herbie Hancock.

"Dando la nota" en los cines

Este fin de semana se ha estrenado en los cines de toda España la película "Dando la nota" ("Pitch perfect" es el título original en inglés). 

Se trata de una película ambientada en el mundillo de la música coral a capella de las universidades americanas, algo así como la versión universitaria para cine de la serie Glee, de la que ya hemos hablado en este blog anteriormente.

Y no es que yo vaya mucho al cine, pero como me debo a los ilustres lectores de este blog, para allá que me fui a ver la película al cine más cercano, aun temiéndome lo peor, dadas las escasas referencias que tenía del film.

El caso es que la película no será nada del otro mundo, pero yo me reí bastante. Esperaba encontrarme la típica comedieta adolescente americana sin gracia y más que nada iba por la música. Y en cambio, me encontré una película muy entretenida, que no se toma demasiado en serio a sí misma y que por lo menos no trata al espectador como si fuera idiota.

En cuanto a las actuaciones a capella, en primer lugar advertir que hay unas cuantas. La calidad de la música es aceptable, pero me decepcionó un poco, sobre todo por el abuso de procesamiento de las voces; me refiero a que "a capella" quiere decir sólo las voces, sin otros instrumentos, pero cuando empiezas a procesar las voces y a cambiarles no sólo el timbre sino en muchos casos el tono, al final el resultado no es muy diferente a hacer música con un sintetizador.

Por otra parte, la mayor parte de las canciones que se cantaban eran versiones de temas que seguramente serán de rabiosa actualidad en USA, pero para mí eran desconocidas (sí, me temo que estoy un poco desfasado de la actualidad musical).

Eso sí, los arreglos vocales me parecieron de altura, como corresponde a la participación en el proyecto de conocidos arreglistas musicales especializados en música pop a capella, como Ed Boyer o Deke Sharon, implicados en el mencionado Glee o en el concurso The Sing Off.

Aquí tenéis el trailer de la película

En realidad la película es bastante mejor que el trailer. Además, todos los actores cantan con sus propias voces, incluida la star Anna Kendrick, quien ya contaba con experiencia en el teatro musical de Broadway.

Así que os animo a ir a verla, sobre todo porque tiene algunos momentos francamente divertidos.

Por fin "BROTES VERDES"

Con este más que optimista título se acaba de publicar el último trabajo de Jaimina Johnston.

Como ya adelantaba la cantante en una entrevista en este mismo blog, el nuevo trabajo de la artista británica se caracteriza por una mayor presencia de la música jazz, aunque como en anteriores trabajos la variedad de estilos es enorme.

Después de una primera escucha de esta pequeña joya aún me encuentro estupefacto. ¿Quién sino Jaimina Johnston y su grupo podrían mezclar en un mismo álbum temas de jazz como el "Bluesette" de Toots Thielemans con canciones del folklore paraguayo como "Chogüí", una composición coral contemporánea de Eric Whitacre o la otrora canción del verano "Todos a bailar" de Georgie Dann?

Si no lo creéis posible, aquí os cuelgo el reproductor gratuito ubicado en Grooveshark.

Albumes míticos: "Extension of a man" de Donny Hathaway

Artista polifacético, compositor, multiinstrumentista y fenomenal cantante, Donny Hathaway es considerado por muchos críticos musicales como uno de los mayores genios de la música popular. Es también uno de los más infravalorados y resulta generalmente poco conocido por el gran público. Y por eso mismo nos encanta traerlo a este blog.

Nacido en Chicago en 1945, fue criado por su abuela, una cantante profesional de gospel, quien lo introdujo en el coro de la iglesia a temprana edad. Más tarde recibió formación académica musical en la Howard University de Washington DC, donde trabó amistad con la también cantante Roberta Flack, con la que compartiría años más tarde los momentos de mayor éxito de su carrera musical.

A pesar de su extraordinario talento, Donny Hathaway no tuvo una vida feliz; en primer lugar porque siempre se sintió minusvalorado por el público y le costó largos años de carrera en un segundo plano de instrumentista y arreglista hasta llegar a alcanzar en sus últimos años el merecido estatus de estrella musical.

La segunda razón de su infelicidad eran sus problemas mentales, los cuales le llevaron a ser diagnosticado de una esquizofrenia paranoide y precisar medicación de forma regular.

 A pesar de todo, Donny Hathaway alcanzó finalmente el éxito popular, sobre todo a través de una serie de encantadores duetos con su amiga Roberta Flack, como "The closer I get to you" y "Where is the love", obteniendo por esta última canción su único premio Grammy en 1973.

Lamentablemente, el 13 de Enero de 1979, la enfermedad mental le ganó finalmente la partida a Donny y se arrojó por la ventana del Hotel Sussex de Nueva York.

Aunque su legado musical no es muy grande, apenas grabó cinco álbumes de estudio, algunos de sus trabajos son magníficos y su influencia perdura en el tiempo.

El álbum "Extension of a man" (1973), producido por Arif Mardin, se considera justamente una obra maestra, conjugando estilos musicales que van desde la música sinfónica al jazz, pasando por el gospel, el soul, el pop...

Desde la obertura instrumental "I love the Lord, He heard me cry", con influencias de Debussy, Ravel y Stravinsky, se advierte la enorme ambición de este álbum.

Seguidamente, Donny canta "Someday we'll all be free", una hermosa balada con toques de jazz que se ha convertido justamente en un estándar y también en un himno de la comunidad negra ("algún día todos seremos libres"), si bien el letrista de la canción, Edward Howard, declaró que escribió la letra expresando el deseo de que Donny se liberara de los problemas que lo torturaban (y que a la postre lo llevaron a terminar con su vida).

De esta canción se dice que el propio Donny Hathaway se echó a llorar cuando escuchó por primera vez la mezcla final de la grabación.

El resto del álbum es igualmente excepcional, sin apenas momentos en los que disminuya la intensidad; "Valdez in the country" y "Flying easy" son dos cortes cercanos al jazz, mostrando el virtuosismo del propio Donny a los teclados y del resto de un excepcional grupo de músicos que incluye gente como Stanley Clarke, Cornell Dupree, Willy Weeks, Fred White o Cissy Houston.

Lo más increíble del disco en mi opinión es que resulte accesible y "entendible" para el público en su sentido amplio, a pesar de los niveles brutales de experimentación que recorren todo el álbum, como el ya comentado primer tema de estilo cuasi-sinfónico o el tema de baile a ritmo 5/4 "Come little Children".

El elemento vertebrador de todo este catálogo de influencias y estilos es la voz inconfundible de Donny Hathaway, forjada en la tradición del gospel y que nos pone la carne de gallina en el tema que cerraba originalmente el álbum "I know it's you".

Si os interesa saber más de este genio de la música, no dejéis de visitar esta página web.

"Quiet Storm" (la tormenta tranquila)

Hoy os propongo volver la vista atrás a un estilo de hacer música que hundiendo sus raíces en la música soul proponía un carácter más suave y relajado.

Esta "tormenta tranquila" (quiet storm) se convirtió en todo un género musical allá por los años 80-90 y se nutría de estilos como el soul, el jazz y el pop, dando lugar a una música de una gran perfección formal, con arreglos y sonido muy cuidados, temática romántica e interpretaciones vocales inspiradas en el gospel o el soul.

Es decir, música soul igual de negra pero lujosa y sin estruendos.

Aunque esta etiqueta se ha empleado con otros artistas consagrados como Luther Vandross o Sade, la reina indiscutible del "quiet storm" es Anita Baker.

Esta cantante nacida en Toledo, Ohio y que la semana pasada cumplió 55 años, comenzó su carrera con el grupo Chapter 8, el cual se disolvió tras grabar un primer disco sin éxito.

Anita abandonó su carrera musical durante unos años pero fue rescatada por Michael J. Powell, antiguo compañero en Chapter 8, quien la animó a iniciar su carrera en solitario con el apoyo de Powell en su faceta de compositor y productor. La colaboración entre ambos dio como fruto "The Songstress", un álbum sin gran éxito, pero que puso a Miss Baker en el mercado.

El siguiente álbum "Rapture" vendería nada menos que 8 millones de copias en todo el mundo.

El estilo vocal de Anita Baker no es plato para todos los gustos, aunque haya sido considerada repetidamente como "una de las mejores solistas del mundo". Tanto el tono peculiar de su voz, como su arriesgado empleo de glissandos hace que algunas personas que conozco no puedan casi ni soportarla.

A mí me parece sublime.

Aquí la tenemos cantando en vivo su gran éxito Sweet Love. 

Más tarde ha ido publicando otros álbumes, todos muy parecidos, todos magníficos, como "Giving you the best that I got", "Compositions" o "Rythm of love". Tras ganar un total de 8 Grammies decide centrarse en su familia y desaparecer del mercado un tiempo que se prolonga nada menos que 10 años.

Tras este lapso vuelve con un disco calcadito a los anteriores "My everything", como si no hubiera pasado nada y con bastante éxito de ventas (fue disco de oro).

Para terminar, os comento que la etiqueta "quiet storm" surgió como un formato de radio comercial en los USA a mediados de los 70 que programaba música soul suave y romántica. El nombre fue tomado de una canción del genial "Smokey" Robinson, una de las figuras claves en la historia del sello Motown (este personaje bien se merece otra entrada de blog).

Os pongo alguna dirección interesante:

http://www.nosolosmoothjazz.com/?p=10151

http://www.myspace.com/anitabaker

http://corazondecancion.blogspot.com.es/2013/02/anita-baker-sweet-love-letra-en-ingles.html

Canciones Prozac

Todos sabemos que una de las ocupaciones favoritas de los científicos es demostrar cosas que ya sabíamos empleando métodos complejísimos y carisísimos.

Recientemente he leído dos artículos sobre dos investigaciones relacionadas con la voz humana y el canto. En la primera, unos investigadores de la Universidad de Southern California han analizado las imágenes de resonancia magnética de la garganta y de la boca de un cantante de beatboxing en acción. 

Las conclusiones del estudio han sido: en primer lugar que los movimientos que empleaba eran muy complejos y rápidos. Y en segundo lugar que los movimientos se parecían mucho a los que se emplean en el lenguaje hablado. Y yo me pregunto, ¿qué movimientos esperaban que hiciera?

En el otro estudio un reconocido neurocientífico británico llamado Jack Lewis ha estudiado la activación de áreas cerebrales relacionadas con el placer y las emociones mientras los sujetos escuchaban canciones y músicas de diversos estilos.

Una de las conclusiones más destacadas es que la música que mejor activa estas regiones y por tanto se considera más capaz de generar emociones y placer es la música a capella.
Pero, por supuesto, nosotros ya sabíamos esto!

También publican el listado de "canciones Prozac", es decir, aquellas que obtuvieron mejores resultados en el experimento. Este listado estaba encabezado por artistas como Prince, BB King, The Beachboys, Muddy Waters, Boney M o Bob Marley.

Choral Speaking

Queridos seguidores del blog, comencemos este año 2013 con energías renovadas.

Esta vez os traigo unos vídeos sorprendentes sobre choral speaking, una de tantas formas de expresión artística que nos permite ese maravilloso instrumento que es la voz humana.

Consiste en el recitado de piezas literarias, ya sean de poesía o prosa, al unísono por parte de un coro; es decir, como una actuación coral musical pero desprovista de música. Unicamente el texto, pero recitado por un grupo de personas con una sincronización que debe ser perfecta.

Este recurso, empleado desde tiempo inmemorial en los colegios de habla inglesa para mejorar la dicción y la entonación del idioma, había sido relegado durante las últimas décadas en favor de otras formas de expresión como el teatro o la música. Sin embargo, en los últimos años se ha reavivado el interés por el choral speaking, que ahora mismo es tendencia en países como Malasia o Singapur.

Los beneficios de ejercitarlo no se limitan a la mejoría de la pronunciación de un idioma (generalmente el inglés), sino que también potencian la capacidad expresiva de los alumnos, su disciplina y su espíritu de grupo.

Una buena interpretación de choral speaking debe reunir sincronía, creatividad y entusiasmo.

En el siguiente vídeo podéis ver un ejemplo venido del Lejano Oriente que nos habla de las maravillas de Malasia.

Como se puede apreciar, la labor del director es fundamental, tanto para sincronizar a los coralistas como para transmitir energía.

Otro aspecto fundamental son las coreografías. Es increíble lo entretenidas que pueden llegar a resultar algunas, sin que los coralistas lleguen realmente a moverse de su sitio en ningún momento, sino simplemente realizando movimientos de cabeza, cuerpo o brazos.

Tanto en este punto como en el de la originalidad de las entradas a escena, pienso que deberían tomar nota muchas corales musicales, porque son aspectos que añaden un plus a cualquier actuación que pretenda ganarse y mantener la atención del público.

He encontrado en la red numerosos vídeos de choral speaking procedentes de países musulmanes. Sin entrar en otras consideraciones, hay que reconocer que el velo islámico les da un toque visual muy especial, será porque acentúa la uniformidad de las coralistas. En el siguiente vídeo no se entiende casi nada de lo que dicen, pero la entrada de la directora haciendo movimientos robóticos es impactante.