"Last Christmas"

No ha terminado de irse este tremendo año 2016 que nos ha arrebatado unos cuantos de nuestros artistas favoritos, como David Bowie, Prince o Toots Thielemans, y hoy nos llega también la triste noticia de la desaparición de otro gran artista, George Michael, estupendo vocalista y sensacional compositor de algunas de nuestras canciones favoritas de todos los tiempos.

A modo de homenaje y sirviéndonos también como felicitación navideña,  este "Last Christmas" que fatalmente se ha convertido en efecto en la canción de despedida definitiva de George Michael.

Descanse en paz.

Dec

Grandes Albumes Vocales: "Back where we belong" (Four Tops 1983)

Voy a retomar la serie sobre grandes álbumes vocales con un disco no muy conocido pero que es una auténtica debilidad personal.

Se trata de "Back where we belong", álbum publicado en 1983 por los Four Tops.
En aquel momento era el primer disco que publicaba el grupo tras su regreso a Motown, compañía discográfica que había abandonado allá por el año 1972 tras haberle proporcionado éxitos tan incontestables como "Can't help myself" o "Reach out I'll be there".

Así que el título del álbum, además de dar nombre a uno de los temas, hace referencia a la vuelta a esa compañía donde el grupo inició su carrera musical. Pero no solo eso, sino que además es también un reencuentro con el trio legendario de compositores Eddie Holland-Lamont Dozier-Brian Holland, los artífices no solo de los primeros éxitos de los Four Tops, sino de casi cualquiera de las estrellas de la Motown como las Supremes, Martha Reeves & The Vandellas, etc (la carrera de este tandem de compositores/letristas daría para otro post).

La cara A de "Back where we belong" es toda Holland-Dozier-Holland y con eso ya está todo dicho.

Alguien podría pensar que en el año 1983 los Four Tops ya estaban un poco pasaditos y que este álbum no pasaría de ser un disco menor solo recomendable para nostálgicos del grupo.

Nada más lejos de la realidad. Este disco es pura dinamita. 

Los Four Tops siempre tuvieron fama de ser un grupo sano, bien avenido, alejado de controversias y de adicciones y el resultado es que lograron conservar sus facultades más tiempo que muchos otros, manteniéndose unidos durante más de cuarenta años.

Volviendo al año 1983, la música electrónica y los sonidos secuenciados ya comenzaban a oírse por todas partes y este disco no es una excepción; sin embargo, las voces de los Four Tops le dotan a la mezcla de una calidez que hace que los sonidos electrónicos no resulten fríos ni aburridos sino que se integren a la perfección con el espíritu del soul.

Y luego está la voz de Levi Stubbs, el solista de los Four Tops, uno de mis cantantes favoritos de todos los tiempos, con esa voz que es pura energía y que se desenvuelve tan bien en los temas rítmicos como en baladas como este "I just can´t walk away" que es uno de los mejores momentos de todo el álbum y probablemente de toda la carrera de los Four Tops.
(Atención a esa melodía de la sección de cuerdas a partir del minuto 2:30, ¡qué bonito por Dios!)

Y aunque los temas lentos del álbum son magníficos, los temas rítmicos predominan y son muy potentes, como "Make yourself right at home", que abre el álbum con fuerza, "Sail on", "Body and Soul" o "Hang", un tema funky que cierra el álbum y es un mano a mano fantástico con otro grupo legendario de Motown, "The Temptations".

Para completar esta maravilla hay incluso una colaboración con Lady Soul Aretha Franklin titulada "What have we got lo lose", otro de los momentazos dentro de un álbum que no tiene ni un solo momento de relleno y del cual os recomiendo desde ya que os hagáis con una copia para escucharlo entero porque no os arrepentiréis.

Y para los que conozcáis menos a los Four Tops, una curiosidad sobre su solista Levi Stubbs: aunque toda su carrera se desarrolló en el seno del grupo, el cantante ya fallecido en 2008 realizó también de vez en cuando alguna colaboración fuera del grupo con gran éxito, como en la adaptación cinematográfica de la comedia musical "Little Shops of Horrors" de Ashman y Menken, donde Levi Stubbs era la voz sarcástica y burlona de la planta asesina venida del espacio exterior.

Aquí lo tenemos en la ceremonia de los Oscars de 1987 (cantando una de las canciones de la película que resultó nominada).

"Parte de tu piel" analizado desde dentro

En el último post os prometí que haría una revisión a fondo del nuevo álbum de Jaimina Johnston & Group "Parte de tu piel", pero en lugar de eso voy a hacer algo mucho mejor, que es dejar que uno de los propios miembros del grupo nos cuente todos los entresijos del álbum.

Así que le he pedido a J. Strogoff, que como sabéis es la voz profunda de bajo que se oye en los discos de Jaimina, que se estire un poco y nos cuente todo lo que se le ocurra sobre este nuevo trabajo del grupo.

De vuelta me ha mandado un conjunto de notas bastante inconexas pero de gran sinceridad, en las que hace casi un streaptease del funcionamiento del grupo, y que seguro que resultarán interesantes a todos los seguidores del grupo:

J. Strogoff dice...

* "Parte de tu piel" es el álbum número 16 del grupo y es uno de los que más tiempo nos ha llevado grabar. Cada vez somos más lentos haciendo discos...

* Os preguntaréis de dónde viene el título del álbum. Ponerle el título a un álbum suele ser algo que dejamos para el final. Mientras vamos añadiendo las canciones, usamos un nombre provisional, que esta vez era "La Reina del Karaoke 2". Cuando ya teníamos todos los temas grabados le pusimos el título definitivo, que está sacado de una frase de la canción de los Pecos "Háblame de ti". 

"Parte de tu piel" nos parecía un título muy adecuado porque estas canciones del pop español son como "parte de la piel de todos nosotros".

* La portada del álbum vino después; queríamos poner una foto de piel en la portada y la más bonita que encontramos fue la piel de serpiente. Luego me ha dicho alguno que la foto le da como repelús, pero a todos nosotros nos pareció un traje muy elegante para el álbum.

* La primera canción que arreglamos y grabamos fue "Qué dolor" (la de la mujer en el armario). 

En el grupo siempre habíamos querido grabar algo de Rafaella Carrá porque somos todos muy fans y siempre reivindicamos esas canciones de fiesta que son un poco como menospreciadas por la crítica, pero que cuando te pones a interpretarlas te das cuenta de lo buenas que son. Yo estoy convencido de que dentro de muchos muchos años se seguirán escuchando y lograrán el respeto que merecen.

*La última que grabamos fue "Solo se vive una vez" de las Azúcar Moreno, y la hemos puesto cerrando el disco para terminar con una nota de optimismo.

* En el álbum hemos querido repetir esa idea de repasar la historia del pop de diferentes épocas que ya presentamos en "La Reina del Karaoke". Incluir una canción de los sesenta como "Más bonita que ninguna" es algo totalmente natural con el espíritu del grupo y nos costó muy poco prepararla y grabarla. Una vez terminada nos gustó tanto que no veíamos una mejor forma de abrir el álbum que comenzar con esta canción.

* El territorio que más nos inspira de todos modos es la música de los ochenta. De ahí hemos cogido "Déjame", "Háblame de ti", el medley de Olé-Olé...

* Y en un esfuerzo extraordinario por acercarnos a la actualidad hemos versioneado una canción de Pablo Alborán, "Recuérdame", que es una canción muy bonita, pero que apenas conocíamos porque ninguno de nosotros escucha radiofórmula habitualmente.

* Una de las cosas que más cambia de un álbum a otro es el aspecto técnico de la grabación. Desde que cambiamos todo el sistema informático y nos pasamos de Windows a Mac (eso fue si no recuerdo mal después del álbum "Jaiminology" y antes de "Brotes Verdes") la verdad que nos ha costado adaptarnos y reencontrarnos con el sonido que nos gusta. 

Creo que en "Parte de tu piel" ya por fin nos sentimos cómodos y se puede decir que es el álbum que "mejor suena" de nuestra colección, aunque aún tenemos mucho margen de mejora...

* Lo mismo tengo que decir de los arreglos vocales a capella, que son algo así como la columna vertebral de nuestra música. En internet hemos leído algunas críticas más bien demoledoras de nuestra forma de armonizar las canciones, pero nosotros seguimos erre que erre, aprendiendo con cada canción, y yo creo que cada vez lo hacemos mejor.

* En este álbum de una forma natural hemos incorporado más recursos rítmicos, como snaps o palmas, e incluso algo de percusión vocal (en "Derroche" y en "Solo se vive una vez"). Es algo que ya habíamos hecho aisladamente en algún álbum anterior, pero parece que en este álbum nos lo pedían varias canciones. 

De todos modos, que nadie se asuste, que no somos un grupo de beatbox ni de du-duá y no tenemos ninguna intención de abandonar el estilo que hemos venido cultivando todos estos años y que es el que nos gusta de verdad.

* Aunque la mayor parte de las canciones están arregladas de una forma muy directa, sin demasiadas florituras, como siempre, nos ha apetecido experimentar un poco en algunos temas, como el cambio de registro de "Corazón Partío" a jazz, o la rearmonización de "Sin ti no soy nada". Esta canción ya la habíamos grabado hace tiempo para el álbum "Live in Puerto Rico", pero estábamos convencidos de que la podíamos dejar mucho mejor, como creo que se aprecia en el resultado final.

* ¿Y ahora qué? Pues en primer lugar disfrutar un poco de este nuevo trabajo, y para nuestro siguiente proyecto estamos dándole vueltas a la idea de grabar temas propios, que es algo que aunque poca gente sepa, ya hemos venido haciendo en anteriores álbumes, dejando caer de vez en cuando algún tema compuesto por nosotros, así como de tapadillo, pero ahora queremos hacer un álbum completo de composiciones propias.
Es un proyecto que nos hace mucha ilusión, pero que promete ser un trabajo muy duro, porque además cada vez somos más perfeccionistas. También es probable que algunos de los temas lleven instrumentos musicales además de las voces. Ya veremos.

* Y para terminar, dar las gracias a todos los que nos siguen, que no serán muchos pero son fieles. ¡Todo el ánimo que nos dais es lo que nos permite seguir adelante!

"Parte de tu piel" es el nuevo álbum de Jaimina Johnston

Queridos seguidores del blog: aquí tenéis por fin en primicia el nuevo álbum de Jaimina Johnston & Group.

Se titula "Parte de tu piel" y como habíamos anunciado es una colección de versiones de clásicos del pop español.

Aquí os dejo el listado de canciones con los cantantes originales de cada tema (como siempre, hay un poco de todo):

1. Más bonita que ninguna (Rocío Dúrcal)

2. Déjame (Los Secretos)

3. Qué dolor (Rafaella Carrá)

4. Corazón partío (Alejandro Sanz)

5. Derroche (Ana Belén)

6. Sin ti no soy nada (Amaral)

7. Háblame de ti (Los Pecos)

8. Experiencia Religiosa (Enrique Iglesias)

9. No controles / Voy a mil (Olé-Olé)

10. Canta cigarra (María Ostiz)

11. Recuérdame (Pablo Alborán)

12. Sólo se vive una vez (Azúcar Moreno)

Y más abajo el reproductor para que podáis juzgar vosotros mismos.
(En un próximo post analizaremos en detalle).

Grandes álbumes vocales: "What's going on" (1971) de Marvin Gaye

Hace mucho que no retomamos en este blog la serie ya larga de revisiones de algunos de los álbumes que yo humildemente considero obras maestras de la música vocal.

Y es verdaderamente una ocasión especial recuperar "What's going on", álbum grabado en 1971 por el genial Marvin Gaye, un trabajo que en su momento causó un gran impacto tanto estético como social y que cuarenta y cinco años después nos produce aún más emoción.

"What's going on" es un álbum que es muy grande en muchos sentidos; en primer lugar por todo lo que supuso en su momento en cuanto a la profundidad de su mensaje, una visión intimista de problemas como la drogadicción, la pobreza, la brutalidad policial o la guerra (en este caso la guerra de Vietnam), que no eran problemas que se abordaran con frecuencia en la música pop de aquellos tiempos, pero que el público estaba deseando oír, ...y que ahora mismo siguen teniendo relevancia.

Además supuso una auténtica revolución en la forma de hacer música. Marvin Gaye se había movido hasta entonces dentro de los encorsetados parámetros de la fábrica de música pop que era la compañía Motown, una máquina de producir hits concebida y controlada hasta el mínimo detalle por su presidente Berry Gordy. "What's going on" rompe con muchas de las "normas sagradas" de Gordy:  afronta temática social, mezcla música pop con jazz, introduce orquestaciones muy ambiciosas, dilata los temas con aportaciones instrumentales, enlaza unos temas con otros en un continuo formando una especie de "suite", etc.

Naturalmente Berry Gordy no entendió para nada las pretensiones artísticas de Marvin Gaye y hasta el último momento intentó sabotear el lanzamiento comercial de este trabajo. Solamente cuando comprobó el éxito arrollador del single accedió a editar el álbum completo, que hoy día es un clásico de culto.

Pero no traeríamos a nuestro blog este álbum si, además de lo que supuso en su momento, este álbum no continuara siendo hoy día en 2016, una auténtica delicia musical, donde destaca especialmente la incomparable voz de Marvin Gaye, con unos arreglos vocales muy característicos en los que el genial artista canta en diferentes capas simultáneas, no a la manera de los arreglos de voces de un coro, sino de una forma más libre y sutil, dando una impresión de improvisación en la que las líneas vocales aparecen, desaparecen, se van complementando, etc.

Marvin Gaye juega además con todos los registros vocales, desde las voces más suaves e intimistas hasta el desgarro típico del soul, pasando por esa cosa tan difícil de los recitados que en otros artistas pueden resultar cursis y que cuando los hace Marvin Gaye son simplemente impresionantes.

Los dos temas más conocidos, el que da el título al álbum y "Mercy Mercy Me" (que se adelanta en años al abordar el tema de la ecología), son justamente famosos, pero el resto del álbum no desmerece, especialmente toda la cara A del álbum, quizás una de las mejores caras de álbum de la historia del pop (no en vano el disco completo fue elegido entre los diez mejores álbumes de la historia del pop-rock por la revista Rolling Stone).

Aquí podéis escuchar algunos de los mejores momentos de esta maravilla.

Toots Thielemans forever!

No podía dejar de comentar la triste noticia del fallecimiento de Jean Baptiste "Toots" Thielemans, un auténtico genio del jazz que se nos ha ido a los 94 años.

Tuve el placer de escuchar a Toots en directo en varias ocasiones y solo puedo decir que es de esos pocos artistas que realmente te "tocan" el corazón cada vez que lo escuchas. Y eso es verdaderamente único en un músico de jazz, una música muchas veces compleja y difícil de entender, pero Toots siempre lograba traspasar todas las barreras y hacerse entender por cualquier público.

Sin desmerecer de su gigantesco, prodigioso y probablemente irrepetible virtuosismo técnico con la armónica, instrumento con el cual nadie ha ido jamás tan lejos, a Toots le gustaba decir que su música  se encontraba siempre "entre una sonrisa y una lágrima", una expresión que me parece de lo más certera para definir su estilo musical.

Pero además de ser el mejor armonicista de la historia, el músico belga era también un gran guitarrista y también un gran silbador. Y ya que estamos en un blog vocal, vamos a recordar aquí esta faceta suya de hacer música silbando, algo nada fácil cuando nos referimos a hacer improvisaciones de jazz.

Aquí le tenemos con la también añorada Ellis Regina, con la que grabó en 1969 "Aquarela do Brasil", un álbum que es una verdadera delicia de principio a fin y que transmite todo ese optimismo y buen humor tan propio de Toots.

En el vídeo anterior interpretaban el tema "Bluesette", un estándar del jazz compuesto por el propio Toots Thielemans y que luego ha sido grabado por innumerables artistas, incluyendo, sí, la sorprendente versión de nuestra Jaimina Johnston en el álbum "Brotes verdes" del año 2013.

Toots se nos ha ido, pero su música ya es eterna. ¿Quién no conoce estas grabaciones en las que se oye el inconfundible sonido de su armónica cromática?

Tema de "Sesame Street"

Tema de "Midnight Cowboy"

Nuevo disco de Jaimina Johnston a la vista!!

Queridos amigos, tengo este humilde blog de música vocal muy abandonado por diversas razones.

Lo reabro hoy con la mejor de las noticias: un nuevo trabajo de nuestra artista fetiche Jaimina Johnston se va a publicar en breve.

Este nuevo álbum si no me equivoco hace el número 16 de la carrera de la artista y su grupo. Una marca nada desdeñable, teniendo en cuenta que el primer disco lo publicaron en el año 2007. Así que estamos hablando de 16 álbumes en 9 años! Esto va para todos los que piensan que la buena de Jaimina ya está demasiado mayor y debería retirarse de los estudios de grabación y dedicarse a descansar.

Desde aquí le pedimos todo lo contrario, que continúe deleitándonos con su angelical voz y con las maravillosas armonías marca de la casa que crea una y otra vez junto a su grupo de toda la vida.

Las noticias que nos llegan es que este álbum es una colección de nuevas versiones de clásicos del pop español de diversas épocas, diríamos que sería como una continuación del clásico álbum de Jaimina"La reina del karaoke" que data ya del año 2011 y es uno de nuestros favoritos. 

Aun no tenemos el título definitivo del álbum pero estamos deseando escucharlo.

La música no sabe de "brexit"

Para los que estamos aún consternados con la noticia de la salida de Gran Bretaña de la Unión Europea es un consuelo saber que el mundo de la música supera todas las diferencias entre países, razas y religiones, y que por mucho que una mayoría de la gente del Reino Unido haya decidido apartarse del camino que los europeos llevamos recorriendo juntos desde hace ya décadas, la música británica seguirá ocupando siempre un lugar muy importante en nuestros corazoncitos.

Porque gracias a la música, a sus cantantes, a sus compositores, nosotros, los europeos de a pie, también somos y nos sentimos un poco británicos.

Y para celebrar este poder de la música, la capacidad de hermanar a todos los pueblos, traigo hoy a este blog unos cuantos vídeos de mis músicos y artistas británicos preferidos. Porque la política podrá separar a los países, pero mientras haya música, habrá unidad de los pueblos!

Y qué puede haber más británico que la música de Edward Elgar (1857-1934). Comenzamos con este "Nimrod" de las "Variaciones Enigma", inmensa obra alumbrada allá por principios del siglo XX y que hoy nos sigue produciendo una emoción infinita.

Y dando un salto en el tiempo, cuatro músicos británicos que se hicieron universales con temas como este "All you need is love", que empieza nada menos que con las notas de la Marsellesa.

Son The Beatles y corría el años 1967.

Y si están The Beatles tengo que poner también a los incombustibles Rolling Stones. Sus electrizantes directos los han mantenido en primera línea los últimos 50 años. Ahí es nada.

Más íntimo y sensible, pero también incombustible, es Sir Elton John, también uno de nuestros artistas británicos favoritos. Aquí nos canta en directo su inolvidable primer hit: "Your song".

No podíamos olvidarnos de un genio absoluto de la música como Freddy Mercury. Es el legendario concierto de 1986 en el estadio de Wembley. Canta "We are the champions", ya sin camisa, y remata con el "God save the Queen". Seguro que él habría votado no al brexit.

Y como ya imaginabais, no podíamos cerrar este repaso de nuestros artistas británicos favoritos, sin traer un video de nuestra adorada Jaimina Johnston. En una de sus grabaciones más escalofriantes, nos deja también su versión del "God save the Queen", completamente a capella, sin el acompañamiento esta vez ni siquiera de su grupo vocal.

Sí, ya sé que me he dejado fuera muchos grandes artistas británicos; de algunos ya hemos hablado anteriormente en este blog, así que os remito a las entradas que en su día colgué sobre cada uno en el blog.

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/Cleo%20Laine

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/David%20Bowie

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/George%20Michael

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/Jamie%20Cullum

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/John%20Elliot%20Gardiner

http://jaimina.blogspot.com.es/2011/05/musica-vocal-y-humor.html    

http://jaimina.blogspot.com.es/search/label/The%20Swingle%20Singers

¿Qué es un "Bertsolari"?

Una  de las cosas que más llaman la atención al forastero que se acerca por Euskadi es esta tradición por la cual una persona se sube a un escenario a improvisar sobre la marcha la letra de una canción. Mucha gente no lo considerará quizás como verdadera música, pero donde hay una melodía por supuesto que hay música.

Estos artistas se denominan "bertsolaris" y su habilidad para ir hilando palabras, frases, mensajes y finalmente historias, es realmente sorprendente. En Euskadi, lo que en otros sitios sería considerado un poco friki, aquí es apreciado con fervor por un montón de seguidores que llenan los teatros para escuchar las actuaciones. 

Y tienen incluso sus campeonatos de bertsolarismo, los cuales se dirimen mediante duelos en los que un moderador propone una melodía y un tema para el debate a los concursantes y ellos van improvisando letras alusivas al tema e incluso se van respondiendo entre ellos con nuevas ocurrencias.

Todo ello en euskera, por supuesto, lo cual hace que este arte resulte aún más misterioso para los que no dominamos por completo esta antiquísima lengua, aunque en cierto modo limita también su extensión a según qué publico.

Aquí os traigo una demostración de Matxalen Lujambio, una de las máximas exponentes de los nuevos bertsolaris, quien obtuvo el triunfo en el Bertsolari Txapelketa Nagusia (la traducción sería Campeonato Principal de Bertsolaris) en 2009, rompiendo por primera vez una larga tradición de vencedores masculinos.

*Este vídeo lo han subtitulado en inglés para que lo entienda el mundo entero.

El bertsolarismo, como el euskera en general, ha estado a veces en el centro de polémicas más políticas que artísticas, pero con el paso del tiempo parece que se ha ido alejando de la política para centrarse más en una temática costumbrista que resulta en todo caso más amable y menos incómoda para el público en general.

Si tenéis curiosidad por saber más sobre este noble arte, en este link tenéis un repaso exhaustivo y bien documentado de la evolución a lo largo de épocas y figuras del bertsolarismo.

http://www.basqueliterature.com/es/basque/historia/ahozkoa/bertso

Ahí nos hablan de figuras legendarias entre las que resulta necesario mencionar a Txirrita, Maddin,  Lazkao Txiki, Xalbador, el renovador Amuriza o el 4 veces ganador del Txapelketa Nagusia Andoni Egaña.

A continuación un pequeño documental glosando la figura de Andoni Egaña, junto con un simpático duelo entre bertsolaris.

Y en este otro vídeo Andoni Egaña nos explica las cualidades que en su opinión precisa un buen bertsolari.

Y finalmente os traigo el homenaje que el cantautor Xabier Lete le dedicó al mítico bertsolari Xalbador. Se titula "Xalbadorren Heriotzean" y más que una canción es todo un himno inmensamente popular por estas tierras tan hermosas como se muestran en el vídeo.

La carrera de Prince a través de 10 canciones

En este post voy a sumarme a las condolencias generales por la inesperada desaparición del genio de Minneapolis, y se me ocurre que el mejor homenaje es escuchar esa música tan innovadora y tan diferente, en lugar de hablar de las anécdotas más o menos extravagantes de la vida de Prince.

Os propongo esta lista que repasa algunos de sus temas más logrados a través de más de 40 años de carrera musical. Pinchando en cada título podéis oír las canciones.

-For you (1978)

La primera canción del primer álbum publicado por Prince ya es una declaración de intenciones en forma de pieza a capella a varias voces grabadas por el propio artista en sucesivas capas. Una extravagancia genial y un reflejo de la determinación del artista en cuanto a poner desde el primer minuto sus ambiciones artísticas por delante de la comercialidad.

-Sexuality (1981)

Los sucesivos álbumes de Prince van mostrando un artista cada vez más complejo y con un dominio cada vez mayor de todos los resortes de la creación artística. Sus letras van pasado de una temática adolescente a otra más comprometida con textos más arriesgados y su música es un collage de diversos estilos. "Sexuality" es una llamada a la liberación, no sólo sexual, sino también de las mentalidades aletargadas por cosas como la televisión ("We live in a world overrun by tourists", "Don't let your children watch TV until they know how to read")

-1999 (1982)

El éxito masivo llega a la carrera de Prince cuando su estilo se sumerge en el rock y publica algunos de sus temas más emblemáticos, como este "1999", en el que ante la llegada del fin del mundo, mientras el resto de la gente corre despavorida huyendo de la destrucción, el artista prefiere irse de fiesta como si efectivamente no hubiera un mañana. Toda una declaración de prioridades.

-The beautiful ones (1984)

Dentro de ese pedazo de álbum que es "Purple Rain" prácticamente todas las canciones son hits. "The beautiful ones" no salió como single, pero ocupa un lugar muy importante en el corazoncito de todo buen fan de Prince. Una canción que va de menos a más, con una interpretación escalofriante y una letra que es una poética reflexión sobre la belleza.

-God (1984)

Editado únicamente como cara B del single "Purple Rain", era una canción que yo no conocía hasta que hace poco la he rescatado de la recopilación de caras B que editó Warner hace unos años. Es un tema deslumbrante, en el que el artista va más allá de cualquier convención de la música pop, con momentos en los que más que cantar emite una serie de sonidos al límite de lo físicamente posible,... y todo ello para contar un pasaje nada menos que de la Biblia. Para quitarse el sombrero.

-Forever in my life (1987)

Unos años después de conocer la cima del éxito con "Purple Rain", Prince ha sufrido algunos reveses comerciales pero edita un doble álbum que ha sido considerado como uno de los mejores discos de la historia del pop: "Sign O The Times". Dentro de él se reúnen todo tipo de géneros y de experimentos musicales bajo el prisma del genial artista. En "Forever in my life" Prince nos descubre una nueva madurez personal, en una canción sin apenas acompañamiento musical y con una de las mejores letras de su carrera.

-Get off (1991)

Y cuando ya parecía que su carrera transitaba un plácido declive, Prince resurge de sus cenizas en 1991, con el álbum "Diamonds and Pearls", uno de sus mayores éxitos comerciales, lleno de hits como "Get Off", trayendo una música tremendamente comercial y bailable, y con nuevas influencias como el rap o el jack new swing.

Música sumamente elaborada y deslumbrante en la que el artista saca todo el provecho a su nueva y emblemática banda, The New Power Generation.

-The holy river (1996)

Tras los éxitos de los primeros años noventa viene la guerra con su casa de discos (Warner) y un nuevo renacimiento del artista tanto personal como musical bajo el nombre impronunciable del símbolo O)+>,  con una apuesta por una temática más espiritual y una relación más directa con sus fans, editando una cantidad masiva de música que llega directamente a su público sin la mediación de las grandes compañías. El triple álbum "Emancipation", junto a material menos interesante contiene algunas gemas como este "The Holy River" que une simplicidad con una gran emotividad.

-The rainbow children (2001)

La libertad creativa que le dio la independencia de las compañías discográficas le permiten en los años siguientes realizar experimentos como el álbum "The Rainbow Children" que es básicamente un disco de música jazz con aportaciones de otras músicas como gospel o música electrónica, música orquestal, etc. El tema que da título al disco se inscribe como uno de los mejores de la última etapa del artista.

-Guitar (2007)

Aunque los últimos discos de Prince no son tan innovadores y el artista va perdiendo su lugar en los medios, de vez en cuando nos deja alguna joya como este "Guitar" perteneciente al álbum "Planet Earth", una auténtica declaración de amor a su instrumento favorito en la que aparte de un solo de guitarra marca de la casa nos deja la famosa línea hypercool "I love you baby,... you know the rest" (hay que oír la canción entera para entenderla).

Grandes álbumes vocales: "Take 6" (1988)

Hacía tiempo que no retomaba la serie de grandes álbumes vocales y lo voy a hacer hoy con el primer álbum publicado por la excepcional banda a capella Take 6.

Hoy en día proliferan por todas partes las bandas a capella, pero allá por 1988 resultaba de lo más extravagante que un grupo de cantantes se dedicara a cantar sin acompañamiento instrumental, fuera de lo que es el mundo de la música coral clásica.

Por supuesto que no fueron los primeros en hacerlo, pero sí los primeros en conseguir fama mundial además del reconocimiento unánime de la crítica musical.

Ese mismo año de 1988, sin ir más lejos, el genial Bobby McFerrin, un pionero de la música vocal a capella, pero en solitario, no como grupo, lograba un éxito masivo con el álbum "Simple Pleasures", que incluía el archiconocido "Don´t worry be happy", que ya hemos traído alguna vez a este blog.

Take 6 era un grupo revolucionario porque partiendo de la tradición de los grupos de gospel vocal, combinaba influencias de la música coral y la música barbershop y les daba una vuelta de tuerca más con unos endiablados arreglos inspirados en el jazz y cantando nada menos que a 6 partes.

Además resultaba un grupo muy divertido. En este disco con el que debutaron nos presentan nada menos que varias escenas sacadas de la Biblia (Take 6 es un grupo declaradamente evangélico), como en "Mary don't you weep", "Get away, Jordan" o "David and Goliath", y son sin duda algunos de los mejores momentos del disco, tanto por la calidad de los arreglos y el fabuloso empaste de las voces, como por el sentido del humor que destilan las interpretaciones.

Este disco supuso el aldabonazo que colocó a Take 6 en el mercado musical internacional y llamó la atención del afamado productor Quincy Jones, quien se encaprichó con ellos, los reclutó para participar en el megahit "Back on the Block" y les produjo su segundo álbum "So Much 2 Say", que también es un álbum excelente pero al que yo colocaría un peldaño por debajo del álbum de debut.

Y os preguntaréis ¿por qué pongo el álbum de debut por encima del resto de los álbumes de la carrera de Take 6?

Pues porque con todo lo bueno que he dicho que contiene el álbum, grabado en un momento en el que yo creo que la banda había alcanzado ya su máximo nivel de calidad y de creatividad, además este disco contiene dos joyas indiscutibles bajo mi punto de vista, que son "If we ever needed the Lord before (we sure do need Him now)" y "A quiet place".

La primera es un himno religioso con una energía sumamente contagiosa que se mete en tu cabeza y puede estar dentro semanas. La segunda es una maravilla de equilibrio y sensibilidad. Los arreglos de ambas canciones se deben a Mervin Warren, el primer miembro en abandonar la banda tres años más tarde para emprender una carrera de la que ya hemos hablado aquí en alguna ocasión.

Aquí les tenemos, un año antes, en 1987, cuando el grupo aún no se llamaba Take 6 sino Alliance, interpretando "If we ever".

Y aquí la versión del álbum de "A quiet place", con la transcripción de las 6 voces a partitura.

Nuevo acceso a los discos de Jaimina Johnston

Hola amigos del blog de música vocal.

Después de la espantada de la plataforma Grooveshark que de la noche a la mañana nos dejó colgados sin avisar y perdimos toda la música de Jaimina Johnston que habíamos ido subiendo pacientemente durante años para dar a conocer la obra de nuestra artista favorita, estamos volviendo a colgar todos los discos poco a poco, con una auténtica labor de hormiguitas.

Iréis viendo en la columna de la derecha cómo reaparecen los widgets con los enlaces a cada uno de los discos, ahora colgados en Bandcamp. 

De momento hemos comenzado con los discos más recientes y os pedimos paciencia hasta que terminemos de colgar los demás.

También podéis acceder directamente en esta dirección  https://jaiminajohnston.bandcamp.com

Algunos de los discos (los más antiguos) continúan también disponibles en Jamendo en esta otra dirección https://www.jamendo.com/artist/7187/jaimina-johnston

Adios a David Bowie, una voz irrepetible

La noticia ha llenado todos los diarios y las redes sociales: con la muerte de David Bowie se nos ha ido un mito que era al mismo tiempo un gran músico con una creatividad desbordante, un vocalista superdotado y un personaje con un extraordinario magnetismo que se convirtió casi desde los inicios de su carrera en lo que llamamos una "figura de culto".

Cuando fallece una persona famosa es habitual que todos los medios se vuelquen en elogios, pero en este caso la respuesta se ha multiplicado cien veces y hemos redescubierto todos de alguna manera a una figura que era mucho más que un físico con pinta de extraterrestre y unos cambios de look llamativos. David Bowie era mucho más que eso.

De hecho, en 2013 se inauguró en Londres la exposición "David Bowie is" recogiendo trajes y otros objetos del artista además de instalaciones multimedia con su música, y el éxito fue tal que tras superar el millón de visitantes la muestra ha recorrido ya varios países.

Se puede decir que David Bowie era en sí mismo una "obra de arte" por su singularidad y por la capacidad de provocar reacciones en el público no solo por su música sino especialmente por su apariencia física, su forma de vestirse y maquillarse, su dominio del escenario, su interés por cualquier forma de creatividad y su capacidad camaleónica de transformarse en diversas personas.

Dentro de su larga carrera como compositor y cantante, personalmente tengo debilidad por su etapa de principios de los setenta, con composiciones magistrales como "Space Oddity"o "Life on Mars?" donde exhibe además su enorme capacidad vocal y un estilo único de cantar que es una sorprendente mezcla de pop, punk, rock, music-hall y mil influencias más que se mezclan para dar lugar a una interpretación siempre única.

"Space Oddity"

"Life on Mars?"