En estos días tan inciertos nos solidarizamos desde este blog con el pobre pueblo ucraniano enfrentado ahora mismo a una guerra causada por un dictador enloquecido por sus ansias de poder.
Sirva de homenaje la versión a capella del himno de Ucrania interpretada por nuestra artista fetiche Jaimina Johnston.
Shche ne vmerla Ukrayiny i slava, i volia (Ще не вмерла України і слава, і воля, «Ni la gloria ni la libertad de Ucrania han muerto todavía»), es el himno nacional de Ucrania. La música fue compuesta en 1863 por Mikhaylo Verbitski y la letra fue escrita por Pavlo Chubinski.
En 1917, el himno fue adoptado en la República Popular de Ucrania y en 1992, tras la independencia de la Unión Soviética, la nación readoptó el himno con alguna modificación de la letra.
Mikaylo Verbitski
Pavlo Chubinski
Ojalá que Ucrania pueda recuperar pronto esa libertad a la que alude su hermoso himno nacional.
Estimados seguidores de este humilde blog, comencemos el 2022 con mucho ánimo y buena música. Hoy retomo mi serie de grandes álbumes vocales con uno de los discos que más me gusta revisitar: "Extension of a man".
Este trabajo publicado en el año 1973 es seguramente el pináculo de la carrera de Donny Hathaway, uno de los artistas con mayúsculas de la música soul y probablemente uno de los más infravalorados.
No es muy conocido Donny Hathaway en nuestro país y es una pena porque es un artista que lo tiene todo: genial compositor, extraordinario teclista y gran cantante, con una magnífica voz muy influenciada por el estilo de canto del góspel.
Donny Hathaway tuvo una carrera corta, truncada por desgracia por los problemas mentales que le abocaron finalmente al suicidio, pero tuvo unos cuantos éxitos comerciales, especialmente a través de sus duos con Roberta Flack, como "The closer I get to you" o "Where is the love?".
"Extension of a man" es un disco que lo tiene todo, un auténtico tour de force creativo. Yo lo veo como si Donny se hubiera propuesto dejar claro para todo el mundo que era un auténtico genio de la música.
Y vaya si lo consigue. La variedad de estilos y registros es sencillamente deslumbrante, empezando con la suite instrumental que abre el álbum, "I love the Lord; He heard me cry", que es una mezcla sorprendente y muy lograda de blues y orquestación clásica con unos toques de piano eléctrico haciendo arpegios como si fueran cascadas de sonido.
Después de este comienzo queda muy clara la ambición artística de Donny, pero el resto del álbum apenas da tregua.
Varios temas se pueden considerar auténticos estándares, cada uno en su estilo, como la maravillosa "Someday we'll all be free" que es un verdadero himno de los derechos de la comunidad afroamericana, el jazz encantador de "Flyin' easy", " I love you more than you'll ever know", un blues largo y solemne de corte clásico, o "Valdez in the country" una mezcla perfecta de jazz y música latina.
Todos esos temas que he comentado son momentos perfectos, de una altura estratosférica, pero hay también otros más digamos experimentales que me encantan también, como el ritmo 5/4 de la bailable " Come little children" o "Magdalena" que juega con armonías y texturas del charleston.
Pero mi momento favorito es sin duda alguna el tema que cierra el disco, "I know it's you", una canción que puede interpretarse tanto desde el punto de vista romántico como religioso, y en la que la interpretación de Donny me pone literalmente la piel de gallina. Si no conocéis está canción aquí os la dejo, es un tema imprescindible de la historia del soul.
Estimados seguidores de este blog, que no termine el año sin que os extienda unas líneas para agradeceros una vez más vuestra presencia ahí, al otro lado de la pantalla y para desearos de todo corazón unas felices fiestas y que este año que comienza os traiga toda la felicidad del mundo y os permita cumplir todos vuestros deseos de felicidad.
Y como no podía ser de otra manera, vamos a celebrar las navidades escuchando una pequeña joya de nuestra artista fetiche Jaimina Johnston.
Se trata de una canción originalmente publicada en la voz del gigante de la música Stevie Wonder allá por 1968 que se titula "The day that love began" y cada vez que la escucho no puedo evitar emocionarme hasta las lágrimas.
La canción, escrita por Ron Miller y Deborah Wells, cuenta la historia de un pastorcillo que se acerca humildemente hasta el portal de Belén para ofrecerle al Niño justamente todo lo que tiene y es un canto a la grandeza que reside en las cosas pequeñas.
En la voz de Jaimina, interpretada a capella con su inseparable grupo, este tema, incluido en su penúltimo álbum, titulado "Memorias del Confinamiento vol 1 y 2", adquiere una nueva dimensión que me encanta.
Hoy día 3 de diciembre es el día internacional del euskera y qué mejor forma de celebrarlo que escuchando una nueva canción publicada para la ocasión por nuestra artista favorita.
Se trata de un poema de Gabriel Aresti titulado "Aitaren Etxea" ("La casa del padre") al que Jaimina Johnston y su grupo han puesto música y voz.
Una obra de una impresionante belleza que es un avance del próximo disco de Jaimina Johnston, que al parecer se va a titular "Bihotz-bihotzez" ("De todo corazón").
No tenemos fecha de lanzamiento del disco pero sin duda estamos deseando escuchar el resto de las canciones.
En los últimos meses me ha dado por escuchar copla y estoy descubriendo un mundo verdaderamente apasionante.
Para muchos de nosotros, los españolitos de la generación X y los baby-boomers, cuando éramos más jóvenes la copla representaba la España rancia de Franco, la represión, la Iglesia, en definitiva todo lo antiguo de lo que queríamos escapar, mientras que el pop y el rock eran la música moderna, lo que "estaba guay".
Así que toda la vida hemos renegado de la copla y eso está muy mal, porque la copla, como cualquier género musical (exceptuando quizás el reggaeton), tiene cosas muy chulas e interesantes y es una pena que durante tanto tiempo le hayamos dado la espalda.
Menos mal que nunca es tarde para rescatar tantas buenas canciones y tantos magníficos artistas del mundo de la copla (los más jóvenes ya se han dado cuenta hace tiempo y muchos recursos de este género ya son empleados por artistas jóvenes).
Una de los elementos que más me atrae de la copla son las letras, llenas de poesía, de historias fascinantes, aunque también a veces cuajadas de palabras ya en desuso, localismos y palabras de argot que resultan difíciles de descifrar incluso para un buen conocedor del idioma castellano.
Otro de los aspectos que me parecen más interesantes son las armonías empleadas, que le dan ese aire tan reconocible de música "española", como el empleo masivo del modo frigio o el intercambio continuo entre tono menor y tono mayor. Son composiciones a veces muy complejas que la gente ordinaria canta con la mayor naturalidad.
Y para mí el mayor descubrimiento es el de los artistas de la copla, nombres que conocemos bien y hemos oído toda la vida, pero que probablemente muchos de nosotros no nos hemos parado a escuchar con detenimiento todo el arte que contienen sus voces.
En este post voy a comentar cuatro nombres que a día de hoy son mis artistas de copla favoritas.
1. Estrellita Castro
Con su timbre inconfundible (un poco nasal) y esa gracia para decir las cosas, la artista sevillana fue una verdadera estrella de la copla en España ya desde los años 30. Como toda gran artista se atrevió con todos los palos, aportando siempre ese duende andaluz simbolizado en el caracolillo que nunca abandonó su frente.
Aquí la traemos cantando el tema que fue quizá su mayor éxito "Mi jaca".
2. Concha Piquer
Nacida en Valencia, su estilo depurado la convierte en una especie de estándar de la copla, el modelo en el que se han mirado todas las artistas a partir de ella. Elegante, tan capaz de abordar el tono más sutil como el más apasionado, dueña de una gran técnica, Doña Concha Piquer ha sido mil veces imitada pero jamás superada.
A mí me encanta especialmente cuando se atreve con coplas jocosas como este "La niña de la estación", cuya interpretación es sencillamente insuperable.
3. Lola Flores
¿Qué se puede decir de Lola de España que no se haya dicho ya? Un talento más allá de toda comparación. Una voz que es puro fuego, pero ojo, que no exenta de técnica ni de una capacidad asombrosa de afinación, de ritmo y de adaptación a cualquier estilo musical.
Y esa mirada, esa presencia abrumadora en el escenario, esa forma de contar historias con un simple matiz de la voz...
Traigo una de esas interpretaciones que me vuelve loco: Lola Flores sacando petróleo del "Hey" de Julio Iglesias.
4. Imperio Argentina
Hija de padres españoles pero nacida en Argentina, en dicho país comenzó su carrera musical y de él tomó su nombre artístico. Dueña de una voz preciosa, educada en escuela de canto, así como una gran capacidad para adaptarse a diferentes estilos musicales, del lírico al flamenco; el éxito de Imperio Argentina trascendió fronteras y es muy conocido su enorme éxito en la Alemania anterior a la Segunda Guerra Mundial.
Posteriormente su nombre estuvo asociado también al régimen franquista por lo que tras la Transición su figura fue un poco relegada hasta que finalmente el arte de su voz y su interpretación siempre justa, alejada de todo exceso, fue rescatado para la historia de la canción popular.
Soy consciente de que he dejado fuera a muchos otros y otras artistas de la copla, pero simplemente he querido recordar a estos cuatro que me parecen esenciales y espero que vosotros, lectores, me contéis cuáles son vuestros favoritos.
Estimados seguidores de este humilde blog, llevo dos meses sin colgar nada, lo sé, a ver si me pongo las pilas. Lo cierto es que mucha parte de mi precioso tiempo libre se me va viendo vídeos en Youtube. Y es que de un tiempo a esta parte Youtube se ha convertido en una de las mejores plataformas para aprender cualquier cosa sobre música. Atención a lo que digo, ya no solo es entretenimiento, Youtube es docencia y divulgación.
En Youtube cabe cualquier cosa, cualquier tema, desde teoría musical básica hasta las lecciones más sofisticadas sobre armonía de jazz, pasando por nociones sobre técnica vocal, ingeniería de sonido, etc.
Olvídate de los sesudos tratados y de las soporíferas lecciones del conservatorio, el conocimiento está ahí fuera al alcance de un click.
Naturalmente que en Youtube encontramos de todo, lo bueno y lo malo, pero habitualmente lo que nos llega suele ser lo que más seguidores logra, y por tanto, lo que resulta más atractivo y más accesible al consumidor.
En este post os traigo algunos de mis videoblogs favoritos sobre música.
Empiezo con un videoblog en castellano con casi ¡¡¡3 millones de seguidores!!!, el de Jaime Altozano, un joven músico con una capacidad asombrosa para explicarnos la música desde dentro de una forma muy entretenida. Sus temas son sumamente variados y lo mismo te explica el círculo de quintas que la armonía negativa de forma que lo entiende todo el mundo. Y eso tiene mucho mérito.
También me gusta mucho cuando explica las "trampillas" que se hacen en el estudio y que permite triunfar hoy en día como cantante a gente que en realidad no sabe ni afinar.
También he descubierto hace poco el canal de César Muñoz, "La cata musical", que con un estilo muy sencillo ayuda a comprender mejor aspectos muy diversos sobre la música. Aquí en este vídeo explica por qué el legado musical de los Beatles es tan importante. Tiene casi un centenar de vídeos de este estilo y están muy bien.
En un estilo digamos más sofisticado, los vídeos de Adam Neely se adentran en los entresijos de armonías y arreglos de música jazz a un nivel profesional pero de una forma rápida y directa. Como este vídeo en el que plantea 7 niveles de armonía de jazz de más simple a más complejo.
Los vídeos están en inglés, pero se pueden activar los subtítulos para seguirlos mejor.
En inglés también, el videoblog del guitarrista y productor Rick Beato es uno de los más interesantes, atendiendo tanto a nociones básicas de teoría musical como a cuestiones de producción musical, ingeniería de sonido y visión comercial de la música. Muy interesante también su serie de vídeos sobre "What makes this song great" en los que desmenuza clásicos del pop y del rock.
Y también abundando en el tema de la producción musical, he visto también muchos vídeos de ShaunTrack, que con más de 3 millones de seguidores se ha dedicado a coger algunos de los temas más famosos del pop y del rock y analiza cómo han sido grabados pista por pista. Una labor de auténtica hormiguita, que además completa reinterpretando él mismo algunos de los solos.
ShaunTtrack también hace eso de ofrecernos su reacción a la primera escucha de algún artista.
Eso constituye un género en sí mismo de videoblog y puede resultar muy entretenido cuando se junta el conocimiento de profesionales de la docencia del canto con una sensibilidad y una expresividad a flor de piel.
Aquí os pongo dos ejemplos: Andy Davis (Master of voice) y John Jenny (John Jenny Vocal Studio). Estos dos llegan a las lágrimas cuando oyen cantar bien.
Sé que me hay muchos más. En los comentarios podéis proponerme otros que consideréis también interesantes.
Estimados lectores de este blog, hoy os traigo este vídeo que es un auténtico regalo para todos los seguidores de la gran Jaimina Johnston. Se trata de un repaso cronológico de la carrera discográfica de la cantante, con las portadas de cada uno de los álbumes, título y año de su publicación, y de fondo uno de los temas más emblemáticos del último disco de la artista "Beating Heart".
El tema en cuestión se titula "Amnest di borg", que lo traducen algo así como "atrapa el tiempo" y no os molestéis en intentar adivinar el idioma en el que está interpretado porque se trata de una lengua totalmente inventada por el grupo de Jaimina Johnston, algo que nos deja completamente sin palabras.
A mí personalmente me produce una mezcla de nostalgia y de vértigo mirar hacia atrás y ver lo que han dado de sí estos últimos 14 años de la carrera de la artista, con todas las preciosas portadas que nos traen tantos recuerdos de tanta buena música.
