Con este más que optimista título se acaba de publicar el último trabajo de Jaimina Johnston.
Como ya adelantaba la cantante en una entrevista en este mismo blog, el nuevo trabajo de la artista británica se caracteriza por una mayor presencia de la música jazz, aunque como en anteriores trabajos la variedad de estilos es enorme.
Después de una primera escucha de esta pequeña joya aún me encuentro estupefacto. ¿Quién sino Jaimina Johnston y su grupo podrían mezclar en un mismo álbum temas de jazz como el "Bluesette" de Toots Thielemans con canciones del folklore paraguayo como "Chogüí", una composición coral contemporánea de Eric Whitacre o la otrora canción del verano "Todos a bailar" de Georgie Dann?
Si no lo creéis posible, aquí os cuelgo el reproductor gratuito ubicado en Grooveshark.
Artista polifacético, compositor, multiinstrumentista y fenomenal cantante, Donny Hathaway es considerado por muchos críticos musicales como uno de los mayores genios de la música popular. Es también uno de los más infravalorados y resulta generalmente poco conocido por el gran público. Y por eso mismo nos encanta traerlo a este blog.
Nacido en Chicago en 1945, fue criado por su abuela, una cantante profesional de gospel, quien lo introdujo en el coro de la iglesia a temprana edad. Más tarde recibió formación académica musical en la Howard University de Washington DC, donde trabó amistad con la también cantante Roberta Flack, con la que compartiría años más tarde los momentos de mayor éxito de su carrera musical.
A pesar de su extraordinario talento, Donny Hathaway no tuvo una vida feliz; en primer lugar porque siempre se sintió minusvalorado por el público y le costó largos años de carrera en un segundo plano de instrumentista y arreglista hasta llegar a alcanzar en sus últimos años el merecido estatus de estrella musical.
La segunda razón de su infelicidad eran sus problemas mentales, los cuales le llevaron a ser diagnosticado de una esquizofrenia paranoide y precisar medicación de forma regular.
A pesar de todo, Donny Hathaway alcanzó finalmente el éxito popular, sobre todo a través de una serie de encantadores duetos con su amiga Roberta Flack, como "The closer I get to you" y "Where is the love", obteniendo por esta última canción su único premio Grammy en 1973.
Lamentablemente, el 13 de Enero de 1979, la enfermedad mental le ganó finalmente la partida a Donny y se arrojó por la ventana del Hotel Sussex de Nueva York.
Aunque su legado musical no es muy grande, apenas grabó cinco álbumes de estudio, algunos de sus trabajos son magníficos y su influencia perdura en el tiempo.
El álbum "Extension of a man" (1973), producido por Arif Mardin, se considera justamente una obra maestra, conjugando estilos musicales que van desde la música sinfónica al jazz, pasando por el gospel, el soul, el pop...
Desde la obertura instrumental "I love the Lord, He heard me cry", con influencias de Debussy, Ravel y Stravinsky, se advierte la enorme ambición de este álbum.
Seguidamente, Donny canta "Someday we'll all be free", una hermosa balada con toques de jazz que se ha convertido justamente en un estándar y también en un himno de la comunidad negra ("algún día todos seremos libres"), si bien el letrista de la canción, Edward Howard, declaró que escribió la letra expresando el deseo de que Donny se liberara de los problemas que lo torturaban (y que a la postre lo llevaron a terminar con su vida).
De esta canción se dice que el propio Donny Hathaway se echó a llorar cuando escuchó por primera vez la mezcla final de la grabación.
El resto del álbum es igualmente excepcional, sin apenas momentos en los que disminuya la intensidad; "Valdez in the country" y "Flying easy" son dos cortes cercanos al jazz, mostrando el virtuosismo del propio Donny a los teclados y del resto de un excepcional grupo de músicos que incluye gente como Stanley Clarke, Cornell Dupree, Willy Weeks, Fred White o Cissy Houston.
Lo más increíble del disco en mi opinión es que resulte accesible y "entendible" para el público en su sentido amplio, a pesar de los niveles brutales de experimentación que recorren todo el álbum, como el ya comentado primer tema de estilo cuasi-sinfónico o el tema de baile a ritmo 5/4 "Come little Children".
El elemento vertebrador de todo este catálogo de influencias y estilos es la voz inconfundible de Donny Hathaway, forjada en la tradición del gospel y que nos pone la carne de gallina en el tema que cerraba originalmente el álbum "I know it's you".
Si os interesa saber más de este genio de la música, no dejéis de visitar esta página web.
Hoy os propongo volver la vista atrás a un estilo de hacer música que hundiendo sus raíces en la música soul proponía un carácter más suave y relajado.
Esta "tormenta tranquila" (quiet storm) se convirtió en todo un género musical allá por los años 80-90 y se nutría de estilos como el soul, el jazz y el pop, dando lugar a una música de una gran perfección formal, con arreglos y sonido muy cuidados, temática romántica e interpretaciones vocales inspiradas en el gospel o el soul.
Es decir, música soul igual de negra pero lujosa y sin estruendos.
Aunque esta etiqueta se ha empleado con otros artistas consagrados como Luther Vandross o Sade, la reina indiscutible del "quiet storm" es Anita Baker.
Esta cantante nacida en Toledo, Ohio y que la semana pasada cumplió 55 años, comenzó su carrera con el grupo Chapter 8, el cual se disolvió tras grabar un primer disco sin éxito.
Anita abandonó su carrera musical durante unos años pero fue rescatada por Michael J. Powell, antiguo compañero en Chapter 8, quien la animó a iniciar su carrera en solitario con el apoyo de Powell en su faceta de compositor y productor. La colaboración entre ambos dio como fruto "The Songstress", un álbum sin gran éxito, pero que puso a Miss Baker en el mercado.
El siguiente álbum "Rapture" vendería nada menos que 8 millones de copias en todo el mundo.
El estilo vocal de Anita Baker no es plato para todos los gustos, aunque haya sido considerada repetidamente como "una de las mejores solistas del mundo". Tanto el tono peculiar de su voz, como su arriesgado empleo de glissandos hace que algunas personas que conozco no puedan casi ni soportarla.
A mí me parece sublime.
Aquí la tenemos cantando en vivo su gran éxito Sweet Love.
Más tarde ha ido publicando otros álbumes, todos muy parecidos, todos magníficos, como "Giving you the best that I got", "Compositions" o "Rythm of love". Tras ganar un total de 8 Grammies decide centrarse en su familia y desaparecer del mercado un tiempo que se prolonga nada menos que 10 años.
Tras este lapso vuelve con un disco calcadito a los anteriores "My everything", como si no hubiera pasado nada y con bastante éxito de ventas (fue disco de oro).
Para terminar, os comento que la etiqueta "quiet storm" surgió como un formato de radio comercial en los USA a mediados de los 70 que programaba música soul suave y romántica. El nombre fue tomado de una canción del genial "Smokey" Robinson, una de las figuras claves en la historia del sello Motown (este personaje bien se merece otra entrada de blog).
Todos sabemos que una de las ocupaciones favoritas de los científicos es demostrar cosas que ya sabíamos empleando métodos complejísimos y carisísimos.
Recientemente he leído dos artículos sobre dos investigaciones relacionadas con la voz humana y el canto. En la primera, unos investigadores de la Universidad de Southern California han analizado las imágenes de resonancia magnética de la garganta y de la boca de un cantante de beatboxing en acción.
Las conclusiones del estudio han sido: en primer lugar que los movimientos que empleaba eran muy complejos y rápidos. Y en segundo lugar que los movimientos se parecían mucho a los que se emplean en el lenguaje hablado. Y yo me pregunto, ¿qué movimientos esperaban que hiciera?
En el otro estudio un reconocido neurocientífico británico llamado Jack Lewis ha estudiado la activación de áreas cerebrales relacionadas con el placer y las emociones mientras los sujetos escuchaban canciones y músicas de diversos estilos.
Una de las conclusiones más destacadas es que la música que mejor activa estas regiones y por tanto se considera más capaz de generar emociones y placer es la música a capella.
Pero, por supuesto, nosotros ya sabíamos esto!
También publican el listado de "canciones Prozac", es decir, aquellas que obtuvieron mejores resultados en el experimento. Este listado estaba encabezado por artistas como Prince, BB King, The Beachboys, Muddy Waters, Boney M o Bob Marley.
Queridos seguidores del blog, comencemos este año 2013 con energías renovadas.
Esta vez os traigo unos vídeos sorprendentes sobre choral speaking, una de tantas formas de expresión artística que nos permite ese maravilloso instrumento que es la voz humana.
Consiste en el recitado de piezas literarias, ya sean de poesía o prosa, al unísono por parte de un coro; es decir, como una actuación coral musical pero desprovista de música. Unicamente el texto, pero recitado por un grupo de personas con una sincronización que debe ser perfecta.
Este recurso, empleado desde tiempo inmemorial en los colegios de habla inglesa para mejorar la dicción y la entonación del idioma, había sido relegado durante las últimas décadas en favor de otras formas de expresión como el teatro o la música. Sin embargo, en los últimos años se ha reavivado el interés por el choral speaking, que ahora mismo es tendencia en países como Malasia o Singapur.
Los beneficios de ejercitarlo no se limitan a la mejoría de la pronunciación de un idioma (generalmente el inglés), sino que también potencian la capacidad expresiva de los alumnos, su disciplina y su espíritu de grupo.
Una buena interpretación de choral speaking debe reunir sincronía, creatividad y entusiasmo.
En el siguiente vídeo podéis ver un ejemplo venido del Lejano Oriente que nos habla de las maravillas de Malasia.
Como se puede apreciar, la labor del director es fundamental, tanto para sincronizar a los coralistas como para transmitir energía.
Otro aspecto fundamental son las coreografías. Es increíble lo entretenidas que pueden llegar a resultar algunas, sin que los coralistas lleguen realmente a moverse de su sitio en ningún momento, sino simplemente realizando movimientos de cabeza, cuerpo o brazos.
Tanto en este punto como en el de la originalidad de las entradas a escena, pienso que deberían tomar nota muchas corales musicales, porque son aspectos que añaden un plus a cualquier actuación que pretenda ganarse y mantener la atención del público.
He encontrado en la red numerosos vídeos de choral speaking procedentes de países musulmanes. Sin entrar en otras consideraciones, hay que reconocer que el velo islámico les da un toque visual muy especial, será porque acentúa la uniformidad de las coralistas. En el siguiente vídeo no se entiende casi nada de lo que dicen, pero la entrada de la directora haciendo movimientos robóticos es impactante.
Os deseo unas felices navidades y un nuevo año muy feliz, rodeados de vuestros seres queridos y de buena música.
Y para despertar todo ese espíritu navideño que seguro lleváis dentro, os traigo este auténtico "temazo", escrito hace ya más de cuarenta años por Ron Miller y Bryan Wells, pero cuyo mensaje continúa siendo tan válido ahora en 2012 como entonces.
Interpretado por el gigante de la música Stevie Wonder, para el que Ron Miller compuso algunos hits durante los primeros años de su carrera, "Someday at Christmas" dio nombre al álbum de música navideña que grabó Stevie Wonder en 1967.
Someday at Christmas men won't be boys Playing with bombs like kids play with toys One warm December our hearts will see A world where men are free
Someday at Christmas there'll be no wars When we have learned what Christmas is for When we have found what life's really worth There'll be peace on earth
Someday all our dreams will come to be Someday in a world where men are free Maybe not in time for you and me But someday at Christmastime
Someday at Christmas we'll see a land With no hungry children, no empty hand One happy morning people will share Our world where people care
Someday at Christmas there'll be no tears All men are equal and no men have fears One shining moment, one prayer away From our world today
Someday all our dreams will come to be Someday in a world where men are free Maybe not in time for you and me But someday at Christmastime
Someday at Christmas man will not fail Hate will be gone and love will prevail Someday a new world that we can start With hope in every heart
Someday all our dreams will come to be Someday in a world where men are free Maybe not in time for you and me But someday at Christmastime Someday at Christmastime
El genial cantante contaba entonces con solo 17 años pero ya nos dejaba interpretaciones magistrales como ésta y muchas más en un álbum de gran emotividad, en el que destaca una poderosa versión del Ave Maria de Schubert acompañado de su armónica.
Aunque todos conocemos a muchas cantantes deplorables, Florence Foster Jenkins es probablemente la persona que más esfuerzos hizo por ganarse el título de "La peor cantante del mundo".
A diferencia de todas esas personas que no cantan nada bien, pero que intentan demostrarlo lo menos posible, ella luchó por convertirse en cantante profesional y forjó un estilo propio basado en la autoparodia, con el cual se paseó por los escenarios durante toda su vida.
Esta americana nacida en Pennsylvania en 1868 provenía de una familia rica y desde niña mostró un gran amor por la música (un amor no correspondido). Al morir su padre heredó una gran fortuna, la cual invirtió en lanzar su carrera de cantante.
En sus recitales no se limitaba a cantar cosas facilitas, sino que se atrevía con un repertorio operístico de Mozart, Verdi o Richard Strauss que evidentemente estaba más allá de su habilidad técnica.
Generalmente se hacía acompañar por un pianista, Cosmé McMoon, de quien consta que ponía caras a la espalda de Jenkins para provocar la risa de los espectadores.
Gracias a Dios se conservan grabaciones en disco de alguno de sus impagables recitales:
Es fácil advertir los errores vocales de Florence Foster Jenkins, pero resulta ciertamente inspiradora su tenacidad. Era tan buena en ser mala que han terminado haciendo hasta una obra de teatro con su historia.
Por otra parte, la opinión que tenemos sobre la calidad vocal de los cantantes contiene un fuerte componente de subjetividad. ¿Quién no tiene filias o fobias, a veces inconfesables, hacia tal o cual artista?
Hoy os propongo que abráis vuestro corazón y deis rienda suelta al crítico musical que lleváis dentro y nos contéis quién o quiénes son esos cantantes a los que os resulta insufrible escuchar.
Y voy a ser yo quien tire la primera piedra y os cuente que nunca he podido escuchar más de cinco segundos de Alejandro Sanz o de Amaya Montero. También Manolo García y su flamenco-pop consiguen ponerme bastante nervioso, la verdad.
Ya hablando de artistas consagrados, las canciones de Serrat están muy bien, pero siendo sinceros, él canta de una forma deplorable, como le pasa a Bob Dylan y su eterno tono lastimero. Y luego están en otra categoría los que cantan empleando grandes alardes técnicos... y un pésimo gusto musical, como (con esto levantaré ampollas) Celine Dion o, (para mí el gran Anticristo), Michael Bolton.
Si no os acordábais de Michael Bolton, ya os traigo yo una foto.
Y ya puestos, entre los artistas consagrados en el terreno clásico, el bueno de Alfredo Krauss nunca ha sido santo de mi devoción, mientras que Ainhoa Arteta me resulta más fría e insípida que la suela del zapato. Para gustos, los colores.
Hala, ahora ya tenéis carnaza, a ver si os estiráis con algún comentario (se admite cualquier crítica, excepto de Jaimina Johnston).
