Recordando grandes álbumes vocales: "Amazing Grace" by Aretha Franklin

Volviendo otra vez la vista atrás en busca de aquellos discos que guardo en mi colección como joyas preciosas, hoy os traigo nada menos que el álbum de gospel más vendido de la historia, un trabajo que cumple este año su 40 aniversario.

Se trata de "Amazing Grace", un legendario álbum doble en el que Aretha Franklin, la VOZ con mayúsculas de la música soul, rendía tributo a la música gospel, es decir, a sus orígenes, ya que como todos sabemos la carrera musical de Aretha Franklin nace en los coros de iglesia de su padre, el reverendo C.L. Franklin, un personaje muy influyente en la comunidad afroamericana de los años 60, apodado "La voz del millón de dolares" y uno de los confidentes de Martin Luther King.

Estamos a principios de los setenta y Aretha Franklin se ha convertido en la cantante de soul número uno indiscutible tras encadenar éxitos como "Respect", "Chain of fools", "A natural woman", "Say a little prayer" o "Think". El reto que se plantea ahora es volver a sus raíces y grabar en vivo el mejor álbum de gospel de la historia.

Para ello, reúne los talentos del Southern California Community Choir, dirigido por James Cleveland, con el mismo equipo de músicos de sus discos de soul de la compañía Atlantic, así como los reputados productores Jerry Wexler y Arif Mardin, junto con la voz del reverendo Franklin para las introducciones y los discursos de los interludios, y todo ello además registrado no sólo en audio, sino también grabado por un equipo de cine encabezado por el director Sidney Pollack.

El resultado es un compendio de más de 80 minutos de maravillosa música gospel, vibrante, auténtica, que nos trasporta mentalmente a aquellos años difíciles en los que la segregación racial todavía estaba muy presente en Norteamérica y en los que la música constituía uno de los medios más eficaces para conseguir la unidad de la comunidad negra.

Si no habéis oído nunca este álbum, os recomiendo vivamente que os hagáis con una copia, y os dejéis llevar por la voz de Aretha, su asombrosa variedad de registros vocales, su dominio inigualable del ritmo y su fuerza expresiva. También por la poderosa banda instrumental y por las complejas armonías corales.

Además, tenemos también la oportunidad de comprobar el gran talento (aunque no tan conocido) de Aretha Franklin al piano.

Por desgracia, la filmación del concierto nunca llegó a las pantallas y permanece inédita en alguna estantería, a la espera, según las malas lenguas, de que se produzca la desaparición de la ahora añosa cantante, y aprovechar así para realizar un lanzamiento masivo del DVD.

Mientras tanto, disponemos del trailer de la película, incluyendo extractos de uno de los mejores temas del álbum "How I got over".

 Es sin duda un álbum para escuchar de un tirón, sin cortes que nos impidan sumergirnos en ese ambiente de misa gospel de iglesia norteamericana años 70. Yo me trago hasta los parlamentos del reverendo Franklin.

Las canciones son tan buenas cuando son lentas, meditativas ("Wholy Holy" o el tema que da título al álbum), permitiendo a la cantante expresar toda su sensibilidad, como cuando son rápidas y emplean el típico estilo frase-respuesta de la música gospel, como en la demoledora "The Old Landmark", una de mis favoritas.

 Tras "Amazing Grace" la carrera de Aretha Franklin pierde algo de protagonismo, a pesar de la publicación en 1973 de un álbum magistral "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)" producido por Quincy Jones. Más tarde, en los años 80, su estrella vuelve a recuperar parte del brillo, y desde entonces conserva su puesto bien ganado como leyenda del soul de todos los tiempos.

El último baile de Donna Summer

Nos hemos despertado hoy con la triste noticia de la desaparición por enfermedad de la eterna "Reina de la música disco", Donna Summer.

La cantante, nacida en Boston, Massachussets, no tuvo unos comienzos fáciles en el mundo de la música profesional. Comenzó a cantar de niña en el coro de la iglesia, de ahí la indudable influencia del gospel en su forma de cantar.

Más tarde, cuando ya decidió dedicarse a la música de forma profesional, tuvo que dar muchas vueltas hasta encontrar su sitio. Y fue nada menos que en Alemania, de la mano del productor Giorgio Moroder, un visionario de la música electro-disco, y cuando Donna ya tenía 27 años y estaba casada y separada.

Con Moroder grabó el hit "Love to love you baby", una canción de música disco con un contenido muy atrevido que supuso un auténtico escándalo (más tarde la propia Donna tuvo una reconversión religiosa y se negó a incluirla en sus propios conciertos).

Esta canción abrió el camino de Donna Summer hacia el éxito, con una fórmula de música disco-soul, sin los malabarismos vocales de los cantantes de soul tradicionales, empleando un estilo más directo y comercial, pero manteniendo tanto un timbre como un acento rítmico inequívocamente "negros".

Hablar de sus canciones más conocidas es hablar de megahits como "I feel love", "MacArthur Park", "Last dance", "Hot girls", "She works hard for her money", "On the radio"o "Hot stuff".

En 1979 se atreve incluso a hacer un dueto con Barbra Streisand, con la canción "(No more tears) Enough is enough", en una época de coqueteo de la neoyorquina con la música disco.

Los avispados productores (Klein y Moroder) plantearon la colaboración como un auténtico "duelo" entre divas. No hay más que ver la foto de la portada del single, dándose la espalda, y la cara de mosqueo de Donna Summer. El resultado se puede decir que fue un empate artístico, a la vez que un enorme éxito comercial. Aunque ahora la letra nos parezca un poco naif, la canción se convirtió además en una suerte de himno feminista en su momento.

También os traigo este otro vídeo con el hit "Last dance", perteneciente a la banda sonora de la película "Por fin ya es viernes", que se llevó además el Oscar a la mejor canción en 1979.

Todd Rungren's A Capella (recordando grandes álbumes vocales)

Aunque Todd Rundgren no sea muy conocido en España, este polifacético artista tiene una legión de admiradores en el resto del mundo, especialmente en su país natal, EEUU.

Compositor, letrista, cantante, multiinstrumentista, productor e ingeniero de grabación, en todas estas facetas ha sido considerado un genio por la crítica, sobre todo por su trabajo en los años 70 y 80.

Aupado a la fama a principios de los 70 por canciones como "Hello, it's me" o "We gotta get you a woman", su estilo muestra una mezcla de diversas influencias, comenzando por el pop británico (The Beatles) y va tocando uno a uno a lo largo de su carrera todos los géneros, incluyendo el soul o el rock progresivo.

Artista muy inquieto e innovador, siempre en el límite de la experimentación con las nuevas tecnologías, especialmente desde su faceta de productor/ingeniero de grabación, en álbumes como "A wizard, a true star" utiliza todo tipo de sonidos pregrabados para elaborar un complejo collage sonoro sin apenas interrupciones y cuajado de soberbias melodías propias.

Todd Rundgren alterna durante años su trabajo al frente de la banda de rock progresivo "Utopia" con proyectos personales, como el álbum que os traigo hoy a este blog, "A capella".

Como su nombre indica, se trata de un álbum en el que no interviene ningún instrumento, solamente la voz humana u otros sonidos naturales como palmas, etc. Sin embargo, muchos de estos sonidos son procesados mediante técnicas de overdubbing (grabar varias voces una encima de otra) o también empleando un E-mu Emulator (uno de los primeros samplers allá por los primeros años 80), que permite construir completos instrumentos a partir de un sonido en concreto, simplemente alterando su frecuencia para dar lugar a toda la escala musical.

De esta manera Todd Rundgren consigue reproducir todos los instrumentos de una banda de rock haciéndonos olvidar en algún momento que todos los sonidos que oímos son vocales.

Más allá de la innovación técnica o la pericia como productor, en mi opinión el punto fuerte del álbum es la increíble calidad de composiciones como "Pretending to care" o "Honest work", tanto en la profundidad de las letras como en lo interesante de los arreglos multivocales, que emplean armonías mucho más ricas y originales que las habitualmente empleadas en la música pop-rock.

Como ejemplo os traigo este vídeo.

Whitney Houston: la cantante que lo tenía todo

Anteayer se conoció la triste noticia del fallecimiento de la extraordinaria cantante Whitney Houston.

Whitney, que tenía actualmente 48 años, había disfrutado en el periodo dentre 1985 y 1999 del mayor éxito conocido por cualquier cantante femenina de la historia de la música pop, encadenando una lista increíble de 25 números uno, muchos de ellos convertidos en auténticos himnos, como "I wanna dance with somebody", "Didn't we almost have it all", "One moment in time", "The greatest love of all" o la banda sonora de la película "El guardaespaldas", conteniendo el megahit "I will always love you".

Withney Houston no sólo consiguió el éxito, ella encarnaba el éxito, y su forma de cantar no sólo era imitada por todas las cantantes del mundo, era el estándar de la excelencia vocal. Además era guapísima, podía ejercer de modelo y era una actriz más que decente.

¿Cómo es posible que su historia tuviera un final tan desgraciado, con la caída en la adicción a las drogas y el evidente deterioro de su voz, por no hablar de su imagen?

Sería demasiado simplista decir que todo se debió a un matrimonio desafortunado o a las malas compañías y es probable que también haya tenido algo que ver la enorme presión de verse convertida en la novia de America y el producto número uno de la industria discográfica

Ahora que ha desaparecido nos tendremos que conformar con disfrutar de su legado, la fuerza de su voz, que bebía indudablemente de las fuentes del gospel, en cuyo seno se crió. No en vano era hija de Cissy Houston, una afamada cantante de gospel, su prima era la sublime Dionne Warwick y Aretha Franklin había ejercido de madrina en su bautizo.

A modo de homenaje os traigo una de mis actuaciones favoritas, cantando el himno americano en la final de la Superbowl del año 1991.

¿No se os ponen los pelos de punta?

"My Name Is Barbra"

 Cuando la cadena de televisión norteamericana CBS emitió en 1965 el primero de cuatro especiales musicales grabados por Barbra Streisand, la cantante nacida en Brooklin ya era toda una estrella, poseedora de varios premios Grammy por sus tres primeros álbumes.

 

Sin embargo, el especial de televisión "My name is Barbra" iba a multiplicar enormemente su popularidad, al introducirla en todos los hogares de Norteamérica, captando una multitud de nuevos admiradores.

También le permitió hacerse con varios premios Emmy, todo ello a la temprana edad de 23 años. La magnitud del efecto conseguido por la calidad de su voz y sus dotes interpretativas ya hacía presagiar una carrera musical larga y quizás sin parangón en la historia de la música popular americana.

En efecto, tras los éxitos discográficos y en televisión vino el éxito arrollador en los escenarios de Broadway y seguidamente en el cine, obteniendo el Oscar a la mejor interpretación femenina en su debut en la gran pantalla (por "Funny Girl").

Ya sea cantando, actuando, o dirigiendo cine (como en la magistral "Yentl"), el talento de Barbra Streisand está más allá de toda discusión y su magnético carisma la convierte en la más auténtica "diva" que ha habido jamás en el star-system.

Disfrutemos una vez más de la magia de su voz, llena de poder y de matices, con una de sus interpretaciones (siempre únicas, siempre diferentes) del tema "Happy days are here again", que cerraba el primer especial para televisión del año 1965.

Este año Barbra Streisand cumplirá 70 años.

Los límites de la voz humana según Vitalli Vladasovich Jrachyev ("Vitas")

El cantante ruso de pop llamado Vitalli Vladasovich Grachyov, pero conocido con el sobrenombre de Vitas (Витас en ruso) es también llamado" la voz de diamante", por su extraordinaria tesitura vocal que abarca cinco octavas (desde C2 hasta un increíble D#7).

Este cantante nacido en 1979 en Letonia es prácticamente desconocido en el mundo occidental, España incluida, pero en Rusia es una estrella incontestable con millones de discos vendidos y también es famoso en China y Taiwan, donde se lo conoce como "El príncipe de la voz de delfín".

 Su música pop incluye influencias aparentemente antagónicas como la música electrónica y la ópera. Además de cantante es compositor e incluso diseña su propia línea de ropa. La puesta de escena de sus actuaciones es de las que no deja indiferente a nadie, como podréis apreciar en el siguiente vídeo, en el que canta uno de sus primeros éxitos, llamado "Opera nº2".

Su voz de falsetto alcanza alturas imposibles y la primera pregunta que se hace uno al oírle cantar es "¿de dónde **** sale ese sonido?"

Los límites de la voz humana

La voz humana es seguramente el instrumento musical más flexible y versátil, de tal manera que incluso podría decirse que sus posibilidades son casi infinitas. Sin embargo, la realidad es que también tiene sus límites.

Uno de ellos es lo que se conoce como la extensión vocal, es decir, el rango de frecuencias en el que la voz de una determinada persona es capaz de ser emitida. El término tesitura haría referencia a la parte de la extensión vocal en la que se pueden realizar sonidos controlables y empleables musicalmente.

Cada cantante tiene su tesitura y aunque esta se puede ampliar con un adecuado entrenamiento, lo cierto es que depende en gran medida de las condiciones anatómicas de las cuerdas vocales. Las tesituras de cantantes profesionales en ópera deben ser de dos octavas o más (cada octava es una secuencia do-re-mi-fa-sol-la-si-do); en tenores un poco menos de dos octavas.

Para clasificar voces para el uso coral, se distinguen cuatro grupos principales, cuya tesitura es menor que dos octavas, para poder incluir voces menos preparadas:

soprano: de do4 a do6 

contralto: de mi3 a mi5 

tenor: de do3 a do5 

bajo: de mi2 a mi4

Sin embargo, algunos cantantes están dotados de una tesitura especialmente amplia que les permite cantar en los registros más extremos, a veces se diría que casi sin esforzarse. Muchos de estos cantantes son figuras que han desfilado por este blog, como Michael Jackson (qepd) cuya voz disponía de casi 4 octavas de extensión (de E2 a B5), Freddie Mercury (Ab2-D6) o  Prince, quien dispone de un registro de barítono + falsetto que abarca nada menos que desde Gb2 hasta algo parecido a un C#7.

Entre las cantantes femeninas la voz de Beyonce abarca desde A2 hasta F6, Christina Aguilera de C3 a C7, pero el caso emblemático de registro vocal enorme y conocido por todos es el de Mariah Carey, cuyo registro abarca 5 octavas, concretamente desde G#2 hasta G#7, gracias a las notas altas que le proporciona el denominado whistle register (registro de silbido, un sonido que se obtiene sin vibracion propia de las cuerdas vocales, obteniendo un sonido parecido al del silbido de los labios)

En youtube he encontrado un montón de videos demostrando nota a nota el rango vocal de cantantes conocidos, como este video que os traigo de Mariah Carey) y que resulta tan agotador como sorprendente, por lo bien que logra afinar y articular esas notas tan altas, marca de la casa.

Pero hay casos todavía más sorprendentes, casi casi desafiando las leyes de la física, los auténticos record Guinness de amplitud vocal.

Os traigo este vídeo del antiguo poseedor del record, el cantante no muy conocido Adam López, quien partiendo de Eb2 es capaz de emitir Eb8, lo que supone nada menos que ¡¡¡6 octavas!!!

Y sin embargo el record del mundo lo tiene ahora una cantante brasileña llamada Georgia Brown, a la que vemos desgañitarse en el siguiente vídeo, y que aseguran es capaz de emitir un G10, un sonido inaudible por el oído humano pero que pondrá muy nerviosos a los perros del vecindario.

Dos años sin Michael Jackson

Queridos seguidores de este blog, parece mentira pero ya han pasado dos años desde que el genial cantante falleciera en extrañas circunstancias.

A la espera de que se aclare lo sucedido y en homenaje a los buenos momentos que nos hizo pasar, traigo unos vídeos en los que vemos a Michael Jackson en plena forma.

En el primer video con sus hermanos, en la época de Jackson Five, todavía en la compañía Motown que tanto los explotó. Uno de sus grandes éxitos fue este Dancing Machine, en parte por la propia canción, en la que los hermanos daban un pequeño giro a su estilo adentrándose en el funk, como por la magistral coreografía estilo "robot" de Michael. Sólo tenía 16 añitos.



El segundo vídeo es el monumental Shake your body (down to the ground), uno de los mejores temas de baile de todos los tiempos. Aquí vemos a los hermanos en su época de The Jacksons, ya con la compañía Epic, con un estilismo decididamente galáctico. La actuación (en playback) es en el legendario programa Aplauso de RTVE. Aquí Michael ya tiene 21 años y es una auténtica bomba a la espera de estallar tres años más tarde con el álbum más vendido de la historia: "Thriller".



El tercer vídeo es una reivindicación de la última etapa de Michael Jackson, cuando la prensa se ensañó con él, con infundadas acusaciones de pederastia y sólo se acordaban de él para comentar sus excentricidades. Nadie hablaba entonces de su calidad como cantante, compositor y bailarín. El último álbum publicado en vida Invincible no será el mejor de su larga carrera, pero contiene algunas gemas como este "The lost children". Que lo disfrutéis.



Descanse en paz Michael Jackson.

Beatbox: algo más que hacer ruidos con la boca

El Beatbox o practicar beatboxing es una forma de percusión vocal basada en la habilidad para producir beats de batería, ritmos y, en un sentido más amplio, sonidos musicales, utilizando la propia boca, labios, lengua y voz.

Esta forma de hacer música nació en los años 80 en el seno de la cultura hip-hop (el rap, el breakdance, etc), mundo al que sigue muy conectada en la actualidad.

Su nombre proviene de las clásicas cajas de ritmo (beatbox), cuando en los suburbios de Nueva York algunos jóvenes aprendieron a imitar los ritmos de estos instrumentos con su propia voz, lo cual resultaba mucho más barato y al mismo tiempo ampliaba enormemente las posibilidades creativas.

El beatbox requiere habitualmente un micrófono, el cual proporciona un procesamiento adicional a la simple voz humana, potenciando las frecuencias graves cuando se emplea pegado a la boca.
Aunque lo primordial en el beatbox es el ritmo, también puede incorporar en ocasiones otros elementos, como imitaciones de otros instrumentos o una línea de bajo.

Un elemento muy importante en el beatboxing actual es la imitación de sonidos propios del hip-hop, como el scratch (el ruido del vinilo cuando el dj retrocede el disco con la mano) y otros.

Desde los años 80 han ido surgiendo figuras que han ido haciendo aportaciones técnicas al beatbox, entre ellas destacaremos a Doug E. Fresh, uno de los pioneros, también conocido como el Human Beatbox, y a Rahzel, the Godfather of Noise (El padrino del ruido).



Actualmente el beatbox es un mundo en sí mismo, y como tiene algo de circense y de más difícil todavía, tiene incluso sus campeonatos del mundo. También tiene su propio canal de vídeos de youtube, en el cual podéis ver actuaciones de expertos de todo el mundo, incluyendo a los propios Doug E. Fresh, Rahzel, pero también al polifacético Bobby McFerrin o al español Lytos.

http://www.youtube.com/user/c4mc4st?blend=1&ob=4

En el mundo del beatbox, de forma análoga a lo que sucede entre los bailarines de hiphop se realizan "combates" en los que los cantantes se retan, valorándose especialmente la capacidad de los cantantes para crear sonidos nuevos, diferentes y para coordinar su incorporación en ritmos que pueden ser a veces muy rápidos.

Finalmente os traigo un tutorial muy simpático en castellano, en el que podréis aprender los principios básicos para practicar vosotros mismos el beatboxing.

Al Jarreau: la larga carrera de fondo de un cantante de jazz insólito

En estos tiempos que corren, en los que las prisas se imponen y todo el mundo busca el éxito inmediato, resulta interesante analizar la carrera del cantante Al Jarreau.

Nacido hace 71 años en Milwaukee, Wisconsin, Alwin "Al" López Jarreau era el quinto hermano de una familia de seis, cuyo padre era predicador y cantante en una congregación adventista del séptimo día, y toda la familia cantaba en los conciertos de la iglesia.

Posteriormente estudió la carrera de Psicología y se especializó en rehabilitación de personas con problemas de drogadicción, alcoholismo, amputaciones o esclerosis múltiple. Se establecio en San Francisco, donde compaginó su trabajo de psicólogo con su afición nocturna de solista en clubs de jazz del área de San Francisco.

Durante este tiempo, formó parte de diversos grupos, incluyendo un trío de jazz con el posteriormente famoso teclista George Duke. A pesar del enorme éxito local y del indudable talento de Al Jarreau, este continuó con su trabajo de psicólogo durante largos años, sin decidirse a abandonarlo y dedicarse exclusivamente a su carrera de cantante.

Cuando finalmente lo hizo, el solista contaba ya con 27 años y aún tardaría ocho más en grabar su primer disco, "We got by". Durante todo ese tiempo de espera había comenzado a escribir sus propias canciones, en las que se reflejaba tanto el impacto espiritual de su trabajo como rehabilitador como una intensa influencia del mundo del jazz en el que se había movido.

Todos esos temas que había acumulado durante años eclosionaron tanto en "We got by", uno de los debuts discográficos más deslumbrantes de la historia de la música, como en "Glow", su segundo disco un año más tarde, en el que conjugaba de nuevo canciones propias de enorme calidad, con reinterpretaciones sorprendentes de temas ajenos como "Agua de beber" o "Your song"(de Elton John), temas que 30 años más tarde continúan siendo sus mejores tarjetas de presentación.


El estilo vocal de Al Jarreau es muy original, de una enorme riqueza creativa y sumamente versátil, fundiendo tendencias que van desde el scat jazz (a lo Jon Hendricks), al beatbox (como en su famoso "You don´t see me"), pasando por la música pop que le llevó a la fama con "Moonlighting"(tema de la serie Luz de Luna) o el megahit "We're in this love together" (del álbum millonario "Breaking away").

Además son evidentes sus raíces en el rythm'n blues y sus coqueteos con el funk. Se puede decir que Al Jarreau empezó su carrera discográfica tarde, pero que luego lo ha compensado con una producción prolífica que continúa hoy a sus 71 años (además de sus actuaciones en vivo).

Volviendo a sus dos primeros discos, que sentaron las bases de su personalísimo estilo y su prestigio como cantante de jazz, el enorme éxito en Europa y especialmente en Alemania le animó a realizar una gira por diversas ciudades germanas. La grabación de estos conciertos dio lugar a su tercer disco "Look to the rainbow", que para muchos es la quintaesencia del estilo Jarreau y que le granjeó su primer premio Grammy (como mejor vocalista de jazz).

Tenemos la fortuna de disponer de una grabación en youtube de varios de los temas que conformaron dicha gira. Os traigo su increíble versión del "Take five" escrito por Paul Desmond para el Dave Brubeck Quartet, con su inusual y distintivo ritmo de 5/4.

Stevie Wonder cumple años

Little Stevie Wonder dejó de ser "little" hace ya mucho tiempo y el pasado 13 de Mayo cumplió nada menos que 61 años. En realidad, es todavía joven para llevar casi 50 años en los escenarios.

Stevie Wonder es un artista relativamente desconocido en España, digo esto porque Stevie Wonder es mucho más que un cantante ciego con sus gafas y sus trencitas, la canción "I just called to say I love you" y la famosa campaña de "Si bebes no conduzcas".

La obra musical de Stevie Wonder es descomunal, tanto en cantidad como en calidad, un creador con mayúsculas, cuyas composiciones, de una complejidad armónica sin parangón dentro del mundo del pop, están bendecidas además por el éxito de público.

Cinco de sus álbumes, los del periodo entre 1972 y 1976, están considerados por muchos expertos como obras maestras incontestables, en los que se conjugan su capacidad inagotable para crear melodías únicas, el vanguardismo de sus armonías y ritmos, la fusión de estilos (pop, soul, jazz, música electrónica, world music), la escritura de letras de una enorme profundidad y calado social, todo ello de forma visionaria, adelantándose años si no décadas a la evolución de la música popular.

Desde el punto de vista estrictamente vocal, Stevie Wonder fue pionero también a la hora de experimentar con las posibilidades de la voz humana y ya en 1968 nos propuso una versión genial de "We can work it out" de The Beatles empleando audiodubbing, es decir, grabando varias partes de la canción con su propia voz y sobreponiéndolas de forma sincronizada sobre la copia final, obteniendo efectos armónicos y/o rítmicos.

En los discos de su etapa dorada, a partir de 1971, es frecuente que el mismo Stevie Wonder haga todas las voces y toque todos los instrumentos de las canciones.

Más allá de los hits que todos conocemos, "My cherie amour", "Signed Sealed Delivered, I'm yours", "You are the sunshine of my life", "Superstition", "I just called to say I love you", etc, los álbumes de Stevie Wonder están cuajados de pequeñas obras maestras poco conocidas por el público no especializado.

Como ejemplo de su genialidad indiscutible, traigo "With each beat of my heart", tema extraído de su álbum de 1987 "Characters", (uno de sus menos celebrados). Todas las voces que se oyen son de Stevie y la percusión es una grabación auténtica del latido de su corazón y su respiración.

"You are my first breath,
my first smile,
and my morning cup of tea,
Yours is the love that I pray for
before I go to sleep"

Si queréis más información sobre este genio de la música, podéis acudir al blog que le dedica Izugarria, sin duda una de las personas que más sabe sobre Stevie Wonder del mundo.
http://steviewondersoul.blogspot.com/

Y este es otro blog suyo muy interesante dedicado a la música soul en general.
http://magiasoul.blogspot.com/

Dia Mundial de la Voz

Hoy día 16 de Abril se celebra el día mundial de la voz.
Aunque se trata de una iniciativa de la Federación Internacional de Sociedades de Otorrinolaringología y el objetivo es concienciar a la gente de lo importante que es tener una buena "salud vocal", en lugar de hablar sobre la prevención de las enfermedades de las cuerdas vocales, me parece mucho más interesante hacer en este día un homenaje a una de las leyendas de la música vocal.

Así que, en el día mundial de la voz, traemos a "La Voz"

Bobby McFerrin: el increíble "one-man-band"

Bobby McFerrin es posiblemente el artista que más ha explorado todas las posibilidades de la voz humana. Su enorme curiosidad le ha hecho experimentar en todos los campos posibles, desde el jazz be-bop hasta la música clásica pasando por la música tradicional étnica y continuando con el beatbox del hip-hop, etc.

Su gran talento va unido además a un genuino carisma que le hace conectar inmediatamente con cualquier auditorio, lo que lo convierte en uno de los artistas más queridos por el público.

El éxito masivo de su hit "Don´t worry be happy" es, por supuesto, sólo la punta del iceberg de una carrera de experimentación continua en el mundo de la música.

En esta entrevista, Bobby McFerrin cuenta sin ningún pudor algunos de sus "trucos", como por ejemplo, el empleo de los ruidos respiratorios para conseguir efectos rítmicos, y también cómo en sus comienzos durante 2 años se encerraba en su habitación con una grabadora e iba probando nuevos sonidos, así como practicaba escalas y ejercicios de entonación consistentes en practicar intervalos difíciles como octavas, décimas, etc.

Según nos revela, su objetivo nunca fue intentar imitar con la voz los sonidos de los instrumentos, sino que estaba más interesado en la amplia gama de sonoridades que ofrecen los idiomas de todo el mundo, el sonido particular de la lengua francesa o italiana, o incluso las lenguas africanas.

En cuanto a su habilidad para conseguir el efecto "one-man-band" (una sola voz sonando como si fuera toda una banda), su objetivo es siempre dar la información necesaria al oyente para que sea éste el que completa los "huecos" con su imaginación. De esta manera, puede hacer bajo, ritmo, melodía y armonía al mismo tiempo, ya que nunca las canta integramente, sino intercalando partes de cada una de ellas y es el oyente el que las ensambla en su cabeza.




Además os traigo este vídeo legendario con la versión condensada del Mago de Oz en la que Bobby McFerrin demuestra no sólo su capacidad para hacer todas las voces sino también su inagotable sentido del humor y su talento para poner a todo el público a cantar.



Y finalmente, no me resisto a poner este otro vídeo con una de sus improvisaciones con el público.

The World Project by Jaimina Johnston

Nos llegan noticias sobre el nuevo proyecto de Jaimina Johnston. Como ya comentamos en un post anterior, su título provisional es "The World Project" y se trata de una colección de música de todo el mundo en diferentes idiomas, entre los que al parecer se encuentran el alemán, chino, japonés, ruso, italiano, francés, búlgaro, sueco y un largo etcétera.

Ahora hemos podido conocer que la idea del álbum es recoger los himnos nacionales de una docena de países de toda la geografía mundial.

Al parecer la grabación del álbum se está retrasando por problemas de agenda de los componentes de los 3Tones, el grupo de Jaimina; como recordaréis, reciéntemente se ha producido además la salida del grupo de Adalberto Corona, cuya plaza de tenor no ha sido aún cubierta.

Como aperitivo, a la espera de la salida de "The World Project" os traigo una auténtica delicatessen:la leyenda de la música soul Marvin Gaye y su versión hypercool del barras y estrellas americano.

The beautiful ones

¡Cómo pasa el tiempo! Ya hace más de 25 años que se publicó "Purple Rain", la obra maestra del genio de Minneapolis, Prince Roger Nelson.

Compositor genial, cantante único, virtuoso pianista, guitarrista sublime; extravagante, provocador, camaleónico, obsceno, delirante, con el álbum "Purple Rain" tocó el cielo de la fama y nos dejó un disco único, irrepetible, con nueve canciones mágicas, antológicas, inolvidables.

Los singles extraídos alcanzaron un enorme éxito ("Let's go crazy", "When doves cry", "I would die for you", o el tema que da nombre al álbum "Purple Rain", un auténtico himno generacional).

Y sin embargo, para los auténticos fans, entre los que nos contamos, nada hay como la balada "The beautiful ones", donde Prince realiza la interpretación vocal más increíble de toda su carrera.

Os traigo el video extraído de la película.

http://www.youtube.com/watch?v=wLan6y9V4iA


Atención a los estilismos de los años 80, que tampoco tienen desperdicio.

Celebrando el Año Nuevo con Take 6

Desde este blog y aprovechando el espíritu de la Navidad que nos embarga, quiero desear a todo el mundo un feliz año 2011, lleno de música bonita y buenos sentimientos.

Y como regalo para empezar el año traigo un vídeo de Take 6, considerado por muchos el mejor grupo vocal a capella del mundo.
Muchos diréis y con razón que tal apelativo resulta algo exagerado y estaremos de acuerdo en que no existe un grupo vocal que sea "el mejor del mundo".

Sin embargo, estaremos de acuerdo en que Take 6 representa el ejemplo más exitoso y depurado de un cierto tipo de entender la música vocal que aúna la perfección formal con el espíritu del rythm and blues.

El grupo comenzó a ser famoso en 1988 con su primer disco, en el que recreaban antiguos temas de gospel con rearmonizaciones muy sofisticadas a seis partes, pero logrando mantener la conexión con el público gracias a su sentido innato del ritmo y también a un notable sentido del humor.
Para muestra, esta inolvidable grabación del "Get away, Jordan".



Más adelante, llegaron 10 grammies, el grupo comenzó a emplear instrumentos en sus grabaciones y uno de los arreglistas más creativos, el tenor Mervin Warren abandonó el grupo, tras lo cual Take 6 perdió gran parte de su atractivo, aunque todavía continúen por ahí cantando y grabando discos.

Conoces a Wing?

Wing Han Tsang, conocida simplemente como Wing, es una cantante originaria de Hong Kong y radicada en Nueva Zelanda.

A pesar de comenzar en el mundo de la canción a una avanzada edad y como un hobby, poco a poco su fama ha ido creciendo desde los primeros conciertos en hospitales y residencias, hasta editar un número total de 18 CDs y alcanzar un sorprendente éxito internacional.

Su carrera dio un significativo paso adelante al protagonizar uno de los episodios de la popular serie de animación "South Park", convirtiéndose en una auténtica cantante de culto en EEUU.

Según recoge su página web http://wingmusic.co.nz/, Wing ama cantar y vive para cantar. Su voz es única y su estilo es tan personal que levanta opiniones para todos los gustos. En los últimos años ha emprendido una frenética carrera para grabar versiones de prácticamente todos los artistas conocidos de la música pop, incluyendo apuestas tan arriesgadas como los discos "Wing Sings AC/DC", "Beat it", "Wing sings Elvis", "Dancing Queen" y más recientemente "Wing Sings For All The Single Ladies And Raps For All The Safe Parties" y "Santa Claus On A Helicopter".

Si todo esto os parece una broma, os invito a escuchar a Wing en este vídeo. Dudo que hayáis escuchado algo igual. Si os gusta el vídeo, encontraréis muchos más de ella en youtube, pero os advierto: una vez que entréis en el mundo de Wing ya no podréis salir. Desde esta página nos declaramos fans incondicionales de Wing.




Las portadas de los discos tampoco tienen desperdicio

Legendaria "Casta Diva" de Montserrat Caballé

Montserrat Caballé ya era una estrella de fama mundial en 1974 cuando se realizó esta grabación de la ópera "Norma", que para muchos constituye el punto culminante de su carrera en el bel canto.

La filmación se realizó en el Teatro Antiguo de Orange, impresionante teatro romano que se conserva en la provenza francesa. En él se viene celebrando el festival de ópera "Les choregies d'Orange" nada menos que desde 1860.

Esta grabación recoge todas las virtudes que han hecho famosa la voz de Caballé: su dominio absoluto de la emisión, el fraseo, el vibrato, la precisión de la afinación (que algunos asemejan a la del laser) y sobre todo esos filati inigualables, casi sobrenaturales.

El efecto estético del viento (el mistral) al tratarse de una actuación en un teatro al aire libre, contribuye a reforzar esa sensación mágica, etérea que nos transmite la voz de la soprano.

Cleo Laine cumple 83 años... ¡y sigue cantando!

Queridos amantes de la música vocal, no todo va a ser Jaimina en este blog.
Hoy os traigo también a otra leyenda de las voces británicas, nada menos que Dame Cleo Laine (tb conocida como Lady Dankworth), excelsa vocalista que nació allá por 1927 en un suburbio de Londres.

Aunque en cierto modo desconocida por el gran público, al menos fuera de las islas, esta mujer es considerada por algunos críticos musicales como "simplemente la mejor cantante del mundo", no solo por su asombroso rango de cuatro escalas, sino también por su "inigualable técnica, fraseo y estilo interpretativo".

No en vano estamos ante la única cantante que ha estado nominada a los premios Grammy en categorías tan dispares como música clásica, pop y jazz, y lo mismo ha colaborado con leyendas como Ray Charles, Mel Tormé o Frank Sinatra, como con compositores tan acreditados como Arnold Schoenberg, George Gershwin o Stephen Sondheim.

La carrera de Cleo Laine, que comprende ya más de 60 años sobre los escenarios, ha estado fuertemente ligada a la de su marido, sir John Dankworth, una de las leyendas del jazz británico, clarinetista, compositor y arreglista, que falleció el pasado febrero horas antes de ofrecer un concierto. A pesar de su enorme tristeza, la cantante decidió no suspender la actuación y ofrecerla a modo de homenaje, al final del cual, informó con gran entereza al público del fallecimiento de su marido.

A día de hoy, la cantante continúa con su actuaciones y haciendo gala de una extraordinaria conservación de su voz.

Os dejo una actuación para que os deleitéis. No se puede cantar mejor.