El Misterio de las Voces Búlgaras

Algunos de vosotros las recordaréis, porque estuvieron muy de moda a finales de los años 80, gracias a una serie de apariciones en la televisión de diversos países. Se trataba de un coro de mujeres procedentes de Bulgaria, que actuaban ataviadas con trajes típicos de su país y producían una música totalmente diferente a todo lo que hubiéramos oído antes.

Una música interpretada a capella, es decir, sin acompañamiento de instrumentos, y causaban una fascinación difícil de explicar con palabras. En el año 1990 obtuvieron el premio Grammy a la mejor grabación de música étnica o tradicional.

Aquí las tenemos en una actuación insólita en el show de Johnny Carson en la NBC americana.

A pesar de que suena bastante exótica, no deja de ser música europea, una recolección de obras del folklore búlgaro arregladas de forma audaz por compositores de dicho país para el disco "The great Voices of Bulgaria Women's Choir".

La peculiaridad del sonido de estas mujeres proviene en primer lugar de que cantan contraviniendo las doctrinas básicas de la enseñanza vocal clásica, como cantar con el diafragma y no con la garganta o elevar el paladar, etc. Eso les confiere un timbre diferente al de los coros al uso.

En segundo lugar, los arreglos son audaces, con armonías inusuales y cambios de ritmo sorprendentes que las cantantes ejecutan con aparente poco esfuerzo. Además cantan en búlgaro, naturalmente, que también hace mucho para que el conjunto parezca casi extraterrestre (sí, también los trajes ayudan)

Aquí las tenemos en color.

La música de Bulgaria no es demasiado famosa fuera de sus fronteras, y eso que tienen un himno nacional de los más bonitos. A ver si ahora que estamos con las Olimpiadas tenemos la oportunidad de escucharlo de nuevo. Mientras tanto vamos a oír la versión de nuestra cantante favorita Jaimina Johnston para su álbum "The World Project".

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No me resisto a poner la letra original y su traducción al español:

Mila Rodino
Gorda Stara planina,
do ney Dunava siney,
sluntse Trakia ogryava,
nad Pirina plameney,
Pripev:
Mila Rodino,
ti si zemen ray,
tvoyta hubost, tvoyta prelest,
ah, te niamat kray.


Querida patria Orgullosa Montaña Vieja,
al lado del Danubio azul,
el Sol ilumina Tracia,
brillando sobre el Pirin.
Estribillo:
Querida Patria,
eres un paraíso terrenal,
tu belleza y tu encanto,
ah, no tienen fin. (bis)

Albumes míticos: "Porgy and Bess"

Hoy os traigo otro de los discos más preciados de mi colección: la mítica grabación de la ópera "Porgy and Bess" compuesta por George Gershwin, interpretada en versión jazz por dos gigantes de la música vocal: Ella Fitzgerald y Louis Armstrong.

"Porgy and Bess" nace en 1926 cuando Gershwin lee la novela "Porgy" escrita por DuBose Heyward y tiene la genial idea de convertirla en una ópera lírica basada en la sensibilidad negra. La obra narra la conmovedora historia de amor entre el negro lisiado Porgy y Bess, la mujer de un asesino y jugador llamado Crown y tiene un final bastante feliz si lo comparamos con otras óperas.

Gershwin realiza una síntesis asombrosa entre la tradición musical clásica y las formas musicales creadas por la comunidad negra americana a principios del siglo XX, lo que conocemos de forma resumida como jazz.

También se ha dicho que, aunque escrita como ópera, "Porgy and Bess" funciona casi mejor como teatro musical, y que la personalidad individual de sus temas es tan fuerte que se han convertido uno por uno en standards del jazz y son revisitados continuamente tanto por cantantes como por instrumentistas. Hablamos de "Summertime" o "It ain't necessarily so", probablemente los temas más populares, pero también de otros tantos magistrales como "I want to stay here, "Bess, you is my woman now", "I got plenty o'nutting" o "Oh Lawd, I'm on my way".

La idea de grabar una versión condensada y en clave jazz parte del productor Norman Granz, quien reúne a dos de las mayores estrellas del jazz de todos los tiempos: Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

Louis Armstrong, un ejemplo increíble de superación personal, se crió en un orfanato. Aprendió a tocar la trompeta hasta llegar a convertirse en uno de los pioneros del jazz y al mismo tiempo uno de los artistas más queridos de Norteamérica. A su dominio de la trompeta aúna un estilo vocal basado en la improvisación que ha marcado la evolución de todo el jazz vocal, cambiando el concepto de cantante que se tenía hasta entonces. Su personalísimo timbre de voz está indisolublemente asociado a canciones que son patrimonio de la Humanidad como "What a wonderful world".

La vida de la cantante Ella Fitzgerald tampoco había sido un lecho de rosas. Nacida en Newport en una situación de pobreza permanente, su padre abandonó el hogar cuando ella era una niña y su madre falleció en accidente de tráfico. Una serie de problemas con la policía llevaron a la joven Ella al reformatorio. Sin embargo, a la edad de 17 años fue descubierta en un concurso de jóvenes talentos y desde entonces no paró de encadenar éxitos como solista de varias orquestas.

El estilo vocal de Ella Fitzgerald, caracterizado desde sus comienzos por una gran perfección de tono, dicción y fraseo, fue evolucionando y haciéndose cada vez más completo, desde sus comienzos en el swing hasta llegar al scat y el be-bop. Hoy en día está considerada junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan la cantante más importante e influyente de la historia del jazz.

Louis Armstrong y Ella Fitzgerald ya habían grabado discos juntos antes y su compenetración era perfecta.

Aquí tenemos su interpretación de "It ain't necessarilly so"

 Y aquí os traigo una grabación de 1993 para televisión de la obra completa en su versión operística, protagonizada por la soprano Cynthia Haymon y el baritono Willard White. Como se puede ver la forma de cantar es totalmente diferente. 

Hablar sobre las diferencias entre el canto lírico y el canto popular darían para otra entrada de blog, así que de momento nos quedamos con ambas versiones y que cada uno escoja la que más le guste (yo particularmente me quedo con ambas).

Como curiosidad os traigo también esta otra versión, filmada para el cine en 1959 por Otto Preminger y protagonizada por Sidney Poitier y Dorothy Dandridge, si bien ambos actores fueron doblados en las canciones por cantantes profesionales de ópera. Miss Dandridge era una cantante reconocida, pero su estilo de canto popular no casaba bien con el resto de las voces, que procedían del mundo de la ópera. Sidney Poitier no cantaba nada, pero era un actor muy famoso por aquel entonces y se pensó que mejoraría la taquilla. La verdad es que se le nota bastante que hace playback y su rostro no encaja demasiado bien con la voz del verdadero cantante, que como curiosidad os cuento que era Robert McFerrin, el padre de Bobby McFerrin.

Cinco años después: "So Many Songs"

Queridos seguidores de la música vocal y de Jaimina Johnston en particular, coincidiendo con el quinto aniversario de la publicación de su primer disco "So Many Songs", la cantante lanza una reedición de dicho álbum, conteniendo los doce temas originales que se podían oír en la versión original publicada en Jamendo.com, con un sonido remasterizado o bien con temas que han sido vueltos a grabar por completo.

Hagamos un poco de memoria de lo que supuso este álbum en el momento de su publicación y cómo fue la acogida por parte del público.

Corría el año 2007 y Jaimina Johnston, pese a una larga carrera como cantante de escenario no había encontrado nunca el momento ni la compañía adecuada para estrenarse en un estudio de grabación. Al menos cinco veces en su carrera había decidido abandonar el mundo de la canción y otras tantas había vuelto a los escenarios. La última vez saliendo de una intervención de cuerdas vocales y ya superados sus problemas con la Hacienda Británica.

Su grupo de siempre, The 3Tones estaba disuelto desde hacía años. De los antiguos componentes, rescató al tenor mejicano Adalberto Corona y entró en contacto con dos valores nuevos, James Strogoff, un médico que componía canciones en sus ratos libres y había publicado un disco en Jamendo.com, de título "Inclasificable" y el surcoreano Lee Tan Hyuk, el más joven del grupo, un virtuoso de la música electrónica con voz de contratenor.

Los nuevos 3Tones y Jaimina Johnston comenzaron a preparar un repertorio de canciones de lo más versátil, desde la música clásica al pop, pasando por la música latina o la música disco.

 CANCIONES

La maravillosa "Uno queriendo ser dos" (original de la cantante israelí Noa) abre el álbum de forma vibrante, seguida del himno religioso "Hoy es el día (que actuó el Señor)". Los arreglos a cuatro voces son por supuesto originales, como es costumbre en Jaimina Johnston y su grupo.

El cambio de género musical es incesante, una de las claves de la música de la cantante británica. Una versión a capella de "All I ask of you" del Fantasma de la Opera nos acerca a la comedia musical, mientras que el pop irrumpe con fuerza en uno de los temas favoritos de todo el mundo "Centro de gravedad permanente", original de Franco Battiato.

"Doçe presença" es un delicado homenaje al jazz brasileño encarnado por Ivan Lins, mientras que "Rosas" es una sorprendente versión de un tema del grupo donostiarra La Oreja de Van Gogh.

Uno de los momentos más mágicos del álbum es "Bogoroditse dievo", pieza coral de Rajmaninov, perteneciente a la Misa de Vísperas, considerado por algunos como la obra más lograda de la tradición musical de la Iglesia Rusa Ortodoxa.

Tras este paréntesis clásico, cambio total de estilo a la música de Hollywood, con el famoso "Arthur's Theme" original de Bacharach y David, seguido de dos canciones latinoamericanas: la encantadora "Yo quiero tener un millón de amigos" original de Roberto Carlos, y la Bachata Rosa de Juan Luis Guerra, donde por primera vez el grupo se acompaña también de algunos instrumentos musicales.

 Los dos últimos cortes no pueden ser más distintos: en el primero Jaimina nos pone los pelos de punta interpretando en solitario el clásico de Donny Hathaway "A song for you". El segundo tema cierra el disco con una versión discotequera alucinante del "Désenchantée" original de Mylène Farmer, con ayuda de una base de música electrónica.

La reedición de "So Many Songs" la podéis escuchar íntegra en la plataforma Grooveshark.

Las críticas al álbum fueron en general de lo más elogioso. He rescatado algunas de las vertidas en Jamendo.com:

-"Strange, ghostly, slightly creepy. I dozed through a couple of tracks and had amazing dreams. I think I am going to like this more and more. The vocal arrangements are really good but it's Ms Johnston's voice that makes this album unique. Bravo" 

-"Un grand coup de chapeau a cette artiste chanter a capella c est pas facile .quelle voix c est genial ,moi j adore UN GRAND MERCI A VOUS DE NOUS FAIR PARTAGER VOTRE UNIVERS."

-"I never knew anyone voice could reach such pitches,heights, levels and depths of outstanding per portions in sights and sounds and expressions of vocals. As these singers and Jaimina voice can do in general. Unique, unusual, beautiful, speechless and moved beyond words at times. And other times. I started to doze off into such a bliss filled sleep. As it was charming, loving and warm and so invitingly different."

-"Music, which is joy for ear and hearts. There is essence about young soul Jaimina and such is music too, in simplicity even children's."

-"Against my own interest ( of enthusias listener who can only grind his teeth at the thought of how much of Dame Johnston's career will remain closed to him),I can only admire the steady refusal to record, throught the decades, as she says, her artistic progresses and their dissemination in the record market.If it was due to an astute calculation or to a personal idiosycrasy, doesn't matter: her choice was clear and sage;also, doesn't matter anymore, since three collection so far have resurfaced on Jamendo.But the arrangements we will never listen to, or some others will never listen to again... Anyway, that which is lost to-day, will not remain so for very long."

-"How beautifully cool is this wonderful album.An electrifying performance ...the arrangements are first-rate as are the vocals which are filled with such grace and tenderness.This is an excellent and evocative set of songs and stunningly exquisite. Highly recommended."

-"Most Interesting . . creative and unusual . . . harmonious . .. tuneful . . . very pretty . . . . this singer finds songs that showcase her unique voice . . . Her voice was so high . . almost childlike, yet was able to carry the interest of the listener . . . and acappella . . . my word!!!. . . that's partly what makes it so stunning . .. the sound is very pleasant and people might find it nice to relax to . . . OR just sit in amazement with mouth hanging open like I did . . ." 

Una voz nueva: Esperanza Spalding

No sé si pensáis como yo que la mejor música pop, los mejores cantantes y las mejores canciones provienen de épocas ya algo lejanas, como los años 60-70-80. De hecho casi todos los grandes artistas a los que hemos dedicado aquí un monográfico ya están algo maduritos, se han retirado o incluso han fallecido.

Para que no se me acuse de anticuado y para evitar que este blog se convierta en un blog de música vocal de la tercera edad, he hecho el esfuerzo de pensar en qué nuevas voces de interés han surgido reciéntemente, digamos en los últimos diez años en el panorama musical. Y uno de los pocos nombres que me viene a la cabeza es el de Esperanza Spalding, cantante y bajista nacida en Portland hace 27 años.

Se trata de una artista asombrosa, que ya tocaba varios instrumentos en su más tierna infancia, pero que ha destacado finalmente con el bajo, y también con una voz exquisita, llena de matices, que se funde perfectamente con el sonido de su bajo.

Y aunque su territorio musical es preferentemente el jazz, es una artista con tanta personalidad que trasciende a otros niveles más comerciales y fue capaz incluso de arrebatar el Grammy como Mejor Artista Novel en 2011 a Justin Bieber (razón por la cual las violentas fans de Bieber aún no la han perdonado seguramente).

Es sin duda una artista con muchos de los elementos necesarios para convertirse en una figura, porque además es multicultural (canta también en español y en portugués), y proyecta una imagen hypercool, con su peinado afro y abrazada a su bajo.

A Barack Obama, presidente de los USA, por ejemplo, le gusta mucho, y siempre que puede se la lleva consigo a actuar, ya sea en la Casa Blanca o en la entrega del Premio Nobel de la Paz, que ahora no recordamos muy bien por qué, pero se lo dieron al presidente americano en 2009.

Aquí tenemos una actuación mágica en la mismísima White House.

Por cierto, la canción "Tell him" fue escrita por la otrora gran promesa de la música negra Lauryn Hill, primero solista del grupo The Fugees, quien más tarde nos deslumbró a todos con el álbum "The Miseducation of Lauryn Hill", premio Grammy a Mejor Album del Año 1998, y sin embargo, decidió en determinado momento hacerse a un lado y apartarse de la fama para llevar una vida más tranquila. Esperemos que con Esperanza no nos pase lo mismo.

Aquí tenemos a una Lauryn Hill que ya apuntaba maneras en "Sister Act 2" una pequeña joya de película musical con fantásticos arreglos vocales de Mervyn Warren (ex Take6), de quien ya hemos hablado algún día.

Otros mundos, otras voces: la Opera China

Hoy os quiero proponer una forma radicalmente diferente de entender la música vocal. El aislamiento milenario que ha sufrido China la ha llevado a desarrollar una cultura muy propia y diferente del resto del mundo.

Aunque en todos los campos del arte estas diferencias son muy importantes, es quizá en el mundo de la música donde son más acusadas. Por ejemplo, la pintura, la escultura o la arquitectura chinas nos pueden resultar ajenas, pero somos capaces de percibir su belleza; sin embargo, pocos son los occidentales que se atreven a adentrarse en los misterios de la música tradicional china.

Una música tan diferente a la occidental nos produce más bien rechazo o incluso hilaridad. Esto es debido a la falta de puntos comunes con nuestra forma de entender la música, como el empleo de escalas alternativas o instrumentos musicales diferentes.

En el caso de la música vocal, las diferencias son si cabe aun mayores. La forma tradicionalmente "correcta" de cantar en China es casi un compendio de todo lo "prohibido" por los cánones estéticos occidentales, como el abuso de la sonoridad nasal, la predilección por los tonos extremadamente agudos (lo que nosotros  llamaríamos quizás "voces de pito"), los amplísimos vibratos o el empleo de interminables glissandos (deslizamiento de la voz de un tono a otro sin solución de continuidad, emitiendo toda la gama de frecuencias intermedias).

La llamada Opera China es un espectáculo "total", que conjuga teatro, baile y exhibiciones de lucha o kung fu, y por supuesto música instrumental y canto. La forma de cantar es difícil de entender desde nuestra perspectiva occidental, y no sólo porque no entendamos el texto. Para empezar, muchas veces nos cuesta encontrar una línea melódica y en muchas ocasiones se trata de improvisaciones del cantante. Por otra parte, los instrumentos musicales pueden estar acompañando a la voz en un tono totalmente diferente y seguir solo de forma aproximada sus movimientos melódicos.

Como veis, el concepto de tono y de armonía es totalmente diferente. Lo que cuenta en este caso es más la belleza del momento musical, la pericia del cantante y su capacidad de transmitir las emociones de los personajes. Todo esto acompañado de los aparatosos vestuarios, máscaras y maquillajes. Se despoja de valor a conceptos como la naturalidad o la fidelidad a la realidad  y el empleo del simbolismo es máximo.

Aquí os traigo un poco de Kunqu Opera, que es una de las formas más exitosas de ópera china, alcanzando su apogeo entre los siglos XVI y XVIII, pero con algunas piezas como este "Pabellón de Peonias" que todavía se representan hoy en día y han sido declaradas patrimonio cultural de la Humanidad por la UNESCO.

Y este es un fragmento con un estilo diferente, más enérgico, procedente de la Opera de Beijing.

Recordando grandes álbumes vocales: "Amazing Grace" by Aretha Franklin

Volviendo otra vez la vista atrás en busca de aquellos discos que guardo en mi colección como joyas preciosas, hoy os traigo nada menos que el álbum de gospel más vendido de la historia, un trabajo que cumple este año su 40 aniversario.

Se trata de "Amazing Grace", un legendario álbum doble en el que Aretha Franklin, la VOZ con mayúsculas de la música soul, rendía tributo a la música gospel, es decir, a sus orígenes, ya que como todos sabemos la carrera musical de Aretha Franklin nace en los coros de iglesia de su padre, el reverendo C.L. Franklin, un personaje muy influyente en la comunidad afroamericana de los años 60, apodado "La voz del millón de dolares" y uno de los confidentes de Martin Luther King.

Estamos a principios de los setenta y Aretha Franklin se ha convertido en la cantante de soul número uno indiscutible tras encadenar éxitos como "Respect", "Chain of fools", "A natural woman", "Say a little prayer" o "Think". El reto que se plantea ahora es volver a sus raíces y grabar en vivo el mejor álbum de gospel de la historia.

Para ello, reúne los talentos del Southern California Community Choir, dirigido por James Cleveland, con el mismo equipo de músicos de sus discos de soul de la compañía Atlantic, así como los reputados productores Jerry Wexler y Arif Mardin, junto con la voz del reverendo Franklin para las introducciones y los discursos de los interludios, y todo ello además registrado no sólo en audio, sino también grabado por un equipo de cine encabezado por el director Sidney Pollack.

El resultado es un compendio de más de 80 minutos de maravillosa música gospel, vibrante, auténtica, que nos trasporta mentalmente a aquellos años difíciles en los que la segregación racial todavía estaba muy presente en Norteamérica y en los que la música constituía uno de los medios más eficaces para conseguir la unidad de la comunidad negra.

Si no habéis oído nunca este álbum, os recomiendo vivamente que os hagáis con una copia, y os dejéis llevar por la voz de Aretha, su asombrosa variedad de registros vocales, su dominio inigualable del ritmo y su fuerza expresiva. También por la poderosa banda instrumental y por las complejas armonías corales.

Además, tenemos también la oportunidad de comprobar el gran talento (aunque no tan conocido) de Aretha Franklin al piano.

Por desgracia, la filmación del concierto nunca llegó a las pantallas y permanece inédita en alguna estantería, a la espera, según las malas lenguas, de que se produzca la desaparición de la ahora añosa cantante, y aprovechar así para realizar un lanzamiento masivo del DVD.

Mientras tanto, disponemos del trailer de la película, incluyendo extractos de uno de los mejores temas del álbum "How I got over".

 Es sin duda un álbum para escuchar de un tirón, sin cortes que nos impidan sumergirnos en ese ambiente de misa gospel de iglesia norteamericana años 70. Yo me trago hasta los parlamentos del reverendo Franklin.

Las canciones son tan buenas cuando son lentas, meditativas ("Wholy Holy" o el tema que da título al álbum), permitiendo a la cantante expresar toda su sensibilidad, como cuando son rápidas y emplean el típico estilo frase-respuesta de la música gospel, como en la demoledora "The Old Landmark", una de mis favoritas.

 Tras "Amazing Grace" la carrera de Aretha Franklin pierde algo de protagonismo, a pesar de la publicación en 1973 de un álbum magistral "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)" producido por Quincy Jones. Más tarde, en los años 80, su estrella vuelve a recuperar parte del brillo, y desde entonces conserva su puesto bien ganado como leyenda del soul de todos los tiempos.

Ya podemos oír "Jaiminology" el nuevo álbum de Jaimina Johnston

Por fin tenemos ya el nuevo disco de Jaimina Johnston, que como ya habíamos adelantado, es un disco recopilatorio de sus mejores canciones de anteriores álbumes, a los que se añaden algunas canciones totalmente nuevas (9).

El listado de canciones nuevas es el siguiente (título y artista original):

1-Te quiero (José Luis Perales)

2-Samba de uma nota so (Antonio C. Jobim)

3-Castillos en el aire (Alberto Cortez)

4-Didn't we almost have it all (homenaje a Whitney Houston)

5-Offertorium (un fragmento del Requiem de Mozart)

6-Maitia nun zira (una canción tradicional en euskera)

7-Rosas en el mar (Luis Eduardo Aute /Massiel)

8-La bohème (Charles Aznavour)

9-Ne me quitte pas (Jacques Brel)

 

Aquí podéis oír todas las canciones del álbum.

En cuanto a la elección de los grandes éxitos, la verdad es que nos gustan mucho los temas elegidos, pero yo particularmente echo en falta algunos "imprescindibles" de Jaimina Johnston, como "Millón de Amigos", "Strolling", "Ni una sola palabra", "Over the rainbow" o "Qué bonito", por decir los que se me vienen a la cabeza.

Forever Bee Gees

El mundo de la música está nuevamente de luto con la pérdida de Robin Gibb, uno de los dos miembros supervivientes de los legendarios Bee Gees (el único que queda ahora es Barry Gibb).

Sirva esta triste noticia para que la comunidad musical y las nuevas generaciones conozcan un poco mejor el enorme éxito de los Bee Gees en su época dorada, así como el gran talento de sus componentes, los hermanos Robin, Barry y Maurice Gibb (por el orden en el que aparecen en la foto).

Los Bee Gees tuvieron una trayectoria de lo más atípica, con sucesivos ascensos y caídas durante una carrera de más de treinta años.

El documental "This is where I came in", cuyos fragmentos podéis encontrar fácilmente en youtube,  nos explica todas sus andanzas desde que eran niños en los años 40 hasta el 2001, dos años antes de la desaparición de Maurice.

Es un documental muy recomendable, en el que los hermanos van contando toda su historia, con filmaciones familiares de cuando eran niños en Manchester, después en Australia, donde comenzó su carrera como trío juvenil ¡en los años 60!, el regreso triunfal a Inglaterra, el éxito descomunal de "Fiebre del sábado noche" que volvió a encumbrarlos a finales de los 70..., incluso tenemos una entrevista con la mamá de los Bee Gees!

Os traigo dos capítulos de este documental (en inglés), el primero sobre su infancia, y el segundo sobre sus momentos de mayor éxito en los años 70.

Y aunque gran parte del documental es pura propaganda del grupo, los hermanos tampoco rehúsan hablar de sus problemas con el alcohol o las drogas (que precipitaron el fallecimiento de su hermano pequeño también cantante Andy Gibb). 

También nos enteramos aquí de que Maurice y Robin eran hermanos mellizos, no idénticos, y que a lo largo de su carrera el grupo se disolvió varias veces por diferencias y celos profesionales entre Robin y Barry, que eran las personalidades más fuertes del grupo, mientras que Maurice era el que ponía la paz entre hermanos.

El legado del grupo no se limita sólo al sonido inconfundible de sus armonías a tres voces en falsetto, sino que incluye también su enorme talento como compositores, tanto de sus propios éxitos ("Saturday night fever", "Too much Heaven", "Staying alive", "You should be dancing", "How deep is your love", etc), como de canciones para otros, como "Guilty" y "Woman in love" para Barbra Streisand, "Chain reaction" para Diana Ross o "Heartbreaker" para Dionne Warwick.

Por último destacar que la propia Jaimina Johnston en su página de Myspace nombraba a los Bee Gees como una de sus referencias musicales clave.

Aquí os pongo también algunas direcciones interesantes de blogs sobre los Bee Gees en español.

http://beegeeszaragoza.blogia.com

http://reygibb.blogspot.com.es/p/bee-gees.html

http://blogs.lainformacion.com/prueba-sonido-musical/2012/05/22/robin-gibb-y-los-bee-gees-a-traves-de-siete-videos/

El último baile de Donna Summer

Nos hemos despertado hoy con la triste noticia de la desaparición por enfermedad de la eterna "Reina de la música disco", Donna Summer.

La cantante, nacida en Boston, Massachussets, no tuvo unos comienzos fáciles en el mundo de la música profesional. Comenzó a cantar de niña en el coro de la iglesia, de ahí la indudable influencia del gospel en su forma de cantar.

Más tarde, cuando ya decidió dedicarse a la música de forma profesional, tuvo que dar muchas vueltas hasta encontrar su sitio. Y fue nada menos que en Alemania, de la mano del productor Giorgio Moroder, un visionario de la música electro-disco, y cuando Donna ya tenía 27 años y estaba casada y separada.

Con Moroder grabó el hit "Love to love you baby", una canción de música disco con un contenido muy atrevido que supuso un auténtico escándalo (más tarde la propia Donna tuvo una reconversión religiosa y se negó a incluirla en sus propios conciertos).

Esta canción abrió el camino de Donna Summer hacia el éxito, con una fórmula de música disco-soul, sin los malabarismos vocales de los cantantes de soul tradicionales, empleando un estilo más directo y comercial, pero manteniendo tanto un timbre como un acento rítmico inequívocamente "negros".

Hablar de sus canciones más conocidas es hablar de megahits como "I feel love", "MacArthur Park", "Last dance", "Hot girls", "She works hard for her money", "On the radio"o "Hot stuff".

En 1979 se atreve incluso a hacer un dueto con Barbra Streisand, con la canción "(No more tears) Enough is enough", en una época de coqueteo de la neoyorquina con la música disco.

Los avispados productores (Klein y Moroder) plantearon la colaboración como un auténtico "duelo" entre divas. No hay más que ver la foto de la portada del single, dándose la espalda, y la cara de mosqueo de Donna Summer. El resultado se puede decir que fue un empate artístico, a la vez que un enorme éxito comercial. Aunque ahora la letra nos parezca un poco naif, la canción se convirtió además en una suerte de himno feminista en su momento.

También os traigo este otro vídeo con el hit "Last dance", perteneciente a la banda sonora de la película "Por fin ya es viernes", que se llevó además el Oscar a la mejor canción en 1979.

"Jaiminology"

Estamos de enhorabuena, queridos seguidores de Jaimina Johnston: por fin se acerca el lanzamiento de su nuevo disco, el largamente anunciado álbum recopilatorio de grandes éxitos que llevará el nombre de "Jaiminology" e incluirá también algunos temas nuevos, como esta grandiosa versión del "Te quiero" de José Luis Perales.

Gracias al vídeo hemos conocido también la portada del nuevo álbum, en la que aparece representada la cantante con una original figura de papiroflexia.

Aún no sabemos el listado definitivo de canciones, pero esperamos que incluya alguna de las sugerencias que hicimos en este blog

Número Uno: ¡los concursos de cantantes atacan de nuevo!

Antena 3 nos ha traído este año un nuevo "talent show" de cantantes: "Número Uno", siguiendo más o menos la estela de otros concursos anteriores, como Operación Triunfo o X-Factor, si bien con algunas diferencias.

La diferencia más llamativa puede ser la incorporación de un jurado compuesto por cantantes profesionales de prestigio contrastado, como Miguel Bosé, Ana Torroja, Sergio Dalma, David Bustamante y Natalia Jiménez (la solista de La Quinta Estación).

Además, los miembros del jurado no sólo valoran a los concursantes y tienen la potestad de blindar a sus favoritos de posibles eliminaciones, también han contribuido en la selección inicial de los concursantes.

Quizás en este punto es donde mayor diferencia hemos notado respecto de las últimas ediciones de OT, en una mayor calidad vocal de los seleccionados y también una mayor variedad de sus perfiles. Porque hemos tenido desde cantantes de ópera (la ya eliminada Dana Kozac) a veteranos del bolero y la ranchera (Alberto Pestaña), pasando por artistas de cabaret (Lady Cherry), comedia musical (Roko) y hasta una niña prodigio (Amaia Romero, también eliminada ya lamentablemente).

Sí, también tenemos los típicos guaperas que no cantan mucho pero que sobreviven a cualquier nominación gracias al apoyo del público adolescente femenino (las incombustibles "fans carpeteras"), pero en general el programa permite oír música bastante variada en estilo.

 

A mí particularmente terminan por aburrime un poco este tipo de concursos, pero hay que reconocer que son una plataforma ideal para descubrir nuevos talentos, que los hay. Y si no, que se lo digan a David Bustamante, que de no ser por OT1 podría haber seguido trabajando de albañil toda su vida.

Podéis encontrar más información y vídeos de las actuaciones en la página oficial del programa:

http://www.antena3.com/programas/numero-uno/

Pero mucho más divertido es leer los comentarios de este foro no-oficial sobre el programa
http://www.larevistaforo.com/f27-articulos-sobre-numero-1

Quincy Jones' "Back on the Block"

Recordando los mejores álbumes vocales de la historia os traigo hoy un disco auténticamente imprescindible.

Se trata de un trabajo producido por el maestro Quincy Jones en 1989 que obtuvo la friolera de siete premios Grammy, para un total de 25 en toda su carrera profesional, que abarca desde los años 50 hasta la actualidad.

Es un álbum concebido para ser "lo más de lo más", una especie de resumen de la música negra de la segunda mitad del siglo XX, mezclando de una forma increíble el jazz, el hip-hop, la música electrónica, el soul, la música brasileña, el canto zulú, el gospel... A veces estos proyectos tan ambiciosos terminan siendo un desastre, pero la mano sabia de Quincy Jones consigue que el equilibrio del conjunto sea perfecto.

El listado de artistas que colaboran en el disco lo dice todo: Ray Charles, Chaka Khan, Dionne Warwick, Barry White, Luther Vandross, Siedah Garrett, Bobby McFerrin, Al Jarreau, Take 6, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, James Ingram, Al B. Sure, Tevin Campbell, el coro de Andrae Crouch y los raperos Ice-T, Big Daddy Kane, Kool Moe Dee y Melle Mel. Y en cuanto a instrumentistas aparecen nombre legendarios como Miles Davis, Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, James Moody, Gerald Albright, George Benson, George Duke, Joe Zawinul o Sheila E. entre otros.

En cuanto a las canciones, el álbum rescata algunos temas antiguos como "Birdland" de Weather Report o "I'll be good to you" de The Brothers Johnson y los alterna con canciones nuevas, nacidas sobre todo del talento de Ian Prince, Siedah Garrett, Rod Temperton (autor de muchos éxitos de Michael Jackson) y el propio Quincy Jones.

El resultado es deslumbrante. Muchas veces se ha acusado a Quincy Jones de que sus producciones resultan demasiado perfectas, demasiado pulidas y de que algunos de sus discos tienen un sonido anticuado, con arreglos un poco empalagosos. Sin embargo, han pasado ya 23 años desde que saliera al mercado y este disco sigue manteniendo toda su fuerza y no nos cansamos de oír sus canciones.

Todos los cortes son espléndidos, pero ya que estamos en un blog de música vocal, vamos a recordar este "We B doin' it", interpretado rigurosamente a capella, con Bobby McFerrin actuando de bajo, Quincy Jones haciendo beatbox para crear la percusión, los coros de Take 6 y como solistas nada menos que Ella Fitzgerald, Al Jarreau ,Siedah Garrett y Sara Vaughan, demostrando que no hace falta usar instrumentos para hacer música funky.

Autotune: ¿música o fraude?

Autotune es un programa de ordenador creado por la compañía Antares Audio Technologie para alterar el pitch (altura tonal o tono) de las voces corrigiendo las pequeñas desviaciones hasta conseguir que la afinación sea perfecta.

Este programa comenzó a ser muy conocido en 1998, gracias a la canción "Believe" de la cantante norteamericana Cher, quien empleó el autotune en dicha canción, consiguiendo un efecto de "voz de robot" muy llamativo.

Esta canción tuvo, si recordáis, mucho éxito y a partir de entonces proliferaron las grabaciones haciendo uso o abuso de esta tecnología, por ejemplo en discos de T-Pain, Snoop Dogg o Lil Wayne.

Y también surgió la controversia, porque una cosa es emplear el Autotune de una forma creativa, consiguiendo sonoridades nuevas de la voz, y otra muy diferente utilizarlo para corregir las desafinaciones de un cantante mediocre.

En el tema "Believe" por ejemplo, son evidentes los momentos en los que interviene el Autotune, porque los parámetros del programa están llevados al extremo, eliminando por completo los tonos intermedios, de forma que la deformación de la voz es muy clara. Sin embargo, dicen las malas lenguas, incluyendo profesionales de los estudios de grabación, que el Autotune está presente de una forma más o menos sutil en casi toda la música comercial que escuchamos, incluso cuando se trata de grabaciones en vivo.

En el año 2010 hubo una fuerte polémica al descubrirse que se había empleado Autotune para corregir las desafinaciones de varios concursantes de la edición británica del concurso de talentos X-Factor, lo cual suponía una forma de adulterar la competición.

http://www.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-11056050 

 

Por otro lado, algunos grupos como los Gregory Brothers van un paso más lejos y utilizan el Autotune para crear una canción a partir de una noticia (bastante triste por cierto) de la televisión. Toman a un testigo hablando y con el Autotune logran que cante; nace así la increíble "Bed Intruder Song", el vídeo más visto en Youtube en 2010.

A mucha gente le pareció mal que se hiciera un vídeo riéndose de un asunto tan serio y también de los estereotipos de la comunidad negra de EEUU, pero al final el propio protagonista del vídeo Antoine Dodson terminó agradeciendo esa fama caída del cielo y, con mucho sentido del humor, hasta se aventuró a cantar la canción para el público, no sé si con Autotune o a pelo.

La "Fuga Geográfica" de Ernst Toch

"Trinidad!!..
and the big Mississippi, and the town Honolulu, and the lake Titicaca
Popocatepetl is not in Canada, rather in Mexico, Mexico, Mexico
Canada, Malaga, Rimini, Brindisi,
Yes, Tibet, Tibet, Tibet, Tibet
Nagasaki, Yokohama...."

Con esta letra tan absurda se construye la famosa "Fuga Geográfica" del compositor vienés Ernst Toch.
Lo sorprendente de esta obra es que tiene letra y ritmo, pero lo que no tiene es melodía. Para complicarlo más, está compuesta a cuatro voces, que van entrando sucesivamente al modo de una fuga, pero sin una entonación verdadera, simplemente entonando de una forma casual como lo haríamos al hablar.

Para entender cómo queda el resultado, nada mejor que ver este vídeo de un grupo de músicos de USA que se hacen llamar Asterisk.

Aunque en realidad la obra está compuesta y suena mejor para un coro completo, como este del Liceo Scientifico Niccolò Copernico de Udine, Italia, que la interpreta con un ritmo algo más rápido.

En este otro vídeo se han dedicado a añadir imágenes de los distintos lugares citados en la obra, con lo cual queda más divertido aún.

Todd Rungren's A Capella (recordando grandes álbumes vocales)

Aunque Todd Rundgren no sea muy conocido en España, este polifacético artista tiene una legión de admiradores en el resto del mundo, especialmente en su país natal, EEUU.

Compositor, letrista, cantante, multiinstrumentista, productor e ingeniero de grabación, en todas estas facetas ha sido considerado un genio por la crítica, sobre todo por su trabajo en los años 70 y 80.

Aupado a la fama a principios de los 70 por canciones como "Hello, it's me" o "We gotta get you a woman", su estilo muestra una mezcla de diversas influencias, comenzando por el pop británico (The Beatles) y va tocando uno a uno a lo largo de su carrera todos los géneros, incluyendo el soul o el rock progresivo.

Artista muy inquieto e innovador, siempre en el límite de la experimentación con las nuevas tecnologías, especialmente desde su faceta de productor/ingeniero de grabación, en álbumes como "A wizard, a true star" utiliza todo tipo de sonidos pregrabados para elaborar un complejo collage sonoro sin apenas interrupciones y cuajado de soberbias melodías propias.

Todd Rundgren alterna durante años su trabajo al frente de la banda de rock progresivo "Utopia" con proyectos personales, como el álbum que os traigo hoy a este blog, "A capella".

Como su nombre indica, se trata de un álbum en el que no interviene ningún instrumento, solamente la voz humana u otros sonidos naturales como palmas, etc. Sin embargo, muchos de estos sonidos son procesados mediante técnicas de overdubbing (grabar varias voces una encima de otra) o también empleando un E-mu Emulator (uno de los primeros samplers allá por los primeros años 80), que permite construir completos instrumentos a partir de un sonido en concreto, simplemente alterando su frecuencia para dar lugar a toda la escala musical.

De esta manera Todd Rundgren consigue reproducir todos los instrumentos de una banda de rock haciéndonos olvidar en algún momento que todos los sonidos que oímos son vocales.

Más allá de la innovación técnica o la pericia como productor, en mi opinión el punto fuerte del álbum es la increíble calidad de composiciones como "Pretending to care" o "Honest work", tanto en la profundidad de las letras como en lo interesante de los arreglos multivocales, que emplean armonías mucho más ricas y originales que las habitualmente empleadas en la música pop-rock.

Como ejemplo os traigo este vídeo.

Grandes Exitos de Jaimina Johnston

Hemos hablado muchas veces en este blog sobre la posible salida de un álbum recopilatorio de las mejores canciones de Jaimina Johnston. Es un proyecto largamente anunciado pero que se ha venido demorando a lo largo del tiempo. Se me ha ocurrido que entre todos los lectores de este blog podríamos sugerir qué canciones podrían componer ese futuro disco con lo mejor de lo mejor de la diva de Liverpool.

Para refrescaros la memoria os doy el listado completo de los temas de todos los álbumes publicados por Jaimina Johnston. Si queréis participar en esta votación solo tenéis que abrir un comentario y decir qué canciones son las que más os gustan (podéis poner los títulos o simplemente los números del listado que sigue). Podéis indicar tantas canciones como os parezca. 

Yo por mi parte he elaborado mi propia lista y me quedo con: Ramito de Violetas, Bogoroditse Dievo, Centro de Gravedad Permanente, Rasputin, What´s in a kiss, Viva Italia, Ni una sola palabra, La funcionaria asesina, Moshimo, Do you know the way to San Jose, Susanita tiene un ratón, New York New York, Blue eyes blue, los himnos de DDR y Bulgaria, Yo tengo un gozo en el alma, Libre y Ave Maria.

Eric Whitacre y el Virtual Choir

Hoy os traigo al blog este vídeo ya clásico en Youtube: la primera edición del "Virtual Choir" del norteamericano Eric Whitacre, reciente ganador de un premio Grammy en la categoría de best choral performance.

Eric Whitacre, nacido en 1970, es una combinación sorprendente de compositor y director de coro con estética de surfer. Sus obras corales son cantadas en todo el planeta. La pieza "Lux Aurumque" es un ejemplo muy representativo de su estilo compositivo, protagonizado por acordes pandiatónicos (es decir, usando las notas de la escala diatónica de forma libre en combinaciones disonantes, sin progresiones armónicas ni resoluciones convencionales, muchas veces dando la sensación de que no hay una nota tónica).

Resumiendo, que sus obras son más sucesiones de acordes misteriosos que melodías al uso. A mí me recuerdan un poco a la música New-Age, que a ratos es muy bonita y otros ratos da un poquito de sueño.

Además de su indudable talento musical, hay que reconocer que Eric Whitacre sabe moverse con los tiempos, y se le ocurrió la fantástica idea de montar un coro virtual con aportaciones de coralistas de todo el mundo. 

¿Cómo coordinar todas esas voces en la distancia? Nada menos que colgando un vídeo en youtube en el que se filmaba a sí mismo dirigiendo la obra para la cámara. Luego cada coralista grababa su parte en su casa siguiendo las indicaciones del vídeo. A mí me parece muy ingenioso y el resultado de juntar todos los vídeos de los coralistas es este:

Como tuvo mucho éxito, grabó una segunda pieza "Sleep", también compuesta por él. Este vídeo lo llamó Virtual Choir 2.0 y es todavía más galáctico que el anterior. Las obras corales de Whitacre suelen acumular muchas partes vocales diferentes; en lugar de las cuatro habituales, "Lux Aurumque" tiene 9 partes y "Sleep" tiene 8.

Y esta es la grabación que hizo el director para que se guiara cada coralista en su casa:

Ahora creo que está preparando un Virtual Choir 3.0 con otra de sus obras, "Water Night". Estaremos al tanto.

Whitney Houston: la cantante que lo tenía todo

Anteayer se conoció la triste noticia del fallecimiento de la extraordinaria cantante Whitney Houston.

Whitney, que tenía actualmente 48 años, había disfrutado en el periodo dentre 1985 y 1999 del mayor éxito conocido por cualquier cantante femenina de la historia de la música pop, encadenando una lista increíble de 25 números uno, muchos de ellos convertidos en auténticos himnos, como "I wanna dance with somebody", "Didn't we almost have it all", "One moment in time", "The greatest love of all" o la banda sonora de la película "El guardaespaldas", conteniendo el megahit "I will always love you".

Withney Houston no sólo consiguió el éxito, ella encarnaba el éxito, y su forma de cantar no sólo era imitada por todas las cantantes del mundo, era el estándar de la excelencia vocal. Además era guapísima, podía ejercer de modelo y era una actriz más que decente.

¿Cómo es posible que su historia tuviera un final tan desgraciado, con la caída en la adicción a las drogas y el evidente deterioro de su voz, por no hablar de su imagen?

Sería demasiado simplista decir que todo se debió a un matrimonio desafortunado o a las malas compañías y es probable que también haya tenido algo que ver la enorme presión de verse convertida en la novia de America y el producto número uno de la industria discográfica

Ahora que ha desaparecido nos tendremos que conformar con disfrutar de su legado, la fuerza de su voz, que bebía indudablemente de las fuentes del gospel, en cuyo seno se crió. No en vano era hija de Cissy Houston, una afamada cantante de gospel, su prima era la sublime Dionne Warwick y Aretha Franklin había ejercido de madrina en su bautizo.

A modo de homenaje os traigo una de mis actuaciones favoritas, cantando el himno americano en la final de la Superbowl del año 1991.

¿No se os ponen los pelos de punta?

"My Name Is Barbra"

 Cuando la cadena de televisión norteamericana CBS emitió en 1965 el primero de cuatro especiales musicales grabados por Barbra Streisand, la cantante nacida en Brooklin ya era toda una estrella, poseedora de varios premios Grammy por sus tres primeros álbumes.

 

Sin embargo, el especial de televisión "My name is Barbra" iba a multiplicar enormemente su popularidad, al introducirla en todos los hogares de Norteamérica, captando una multitud de nuevos admiradores.

También le permitió hacerse con varios premios Emmy, todo ello a la temprana edad de 23 años. La magnitud del efecto conseguido por la calidad de su voz y sus dotes interpretativas ya hacía presagiar una carrera musical larga y quizás sin parangón en la historia de la música popular americana.

En efecto, tras los éxitos discográficos y en televisión vino el éxito arrollador en los escenarios de Broadway y seguidamente en el cine, obteniendo el Oscar a la mejor interpretación femenina en su debut en la gran pantalla (por "Funny Girl").

Ya sea cantando, actuando, o dirigiendo cine (como en la magistral "Yentl"), el talento de Barbra Streisand está más allá de toda discusión y su magnético carisma la convierte en la más auténtica "diva" que ha habido jamás en el star-system.

Disfrutemos una vez más de la magia de su voz, llena de poder y de matices, con una de sus interpretaciones (siempre únicas, siempre diferentes) del tema "Happy days are here again", que cerraba el primer especial para televisión del año 1965.

Este año Barbra Streisand cumplirá 70 años.

Día Internacional de Conmemoración de las Víctimas del Holocausto

Hoy día 27 de Enero se rinde homenaje en todo el mundo a las víctimas del Holocausto.

Se estima que más de seis millones de judíos fueron asesinados durante el mandato de Hitler entre 1933 y 1942, la mayoría de ellos en campos de trabajo y exterminio. En dichos campos fueron aniquilados también millones de civiles eslavos, prisioneros de guerra soviéticos y minorías tales como gitanos, homosexuales o disidentes politicos. 

Este genocidio perpretado en el corazón de la culta Europa en pleno siglo XX, conocido también como Shoah en hebreo, fue llevado a cabo por el estado nazi mediante un proceso en el cual en primer lugar se desposeyó a los judíos de sus derechos como ciudadanos, seguido más tarde por la deportación y culminando con la exterminación directa en las cámaras de gas (la denominada 'Solución Final').

Para todo el que quiera conocer más sobre este negro episodio de la Historia, os remito a la página de Wikipedia, llena de información y reflexiones muy interesantes.

También os traigo este escalofriante documento sonoro recogido en 1945 en el que supervivientes del campo de concentración de Bergen-Belsen cantan el himno judio de la esperanza "Hatikva", hoy día himno oficial de Israel.

Y en otro tono, la interpretación de Jaimina Johnston de Hatikva, procedente del álbum de himnos nacionales "The World Project"

"The Sing-Off": música a capella en prime time

Para quien no lo conozca, "The Sing-Off" es un concurso de talentos musicales emitido en USA por la NBC, con la particularidad de que los concursantes cantan a capella, es decir, sin ningún acompañamiento musical.

Naturalmente, para que la cosa tenga éxito, el estilo de la música es predominantemente pop. Las emisiones comenzaron en Diciembre de 2009 en horario estelar, pero con un presupuesto no excesivo y el objetivo de completar cuatro programas.

Hasta los propios directivos de la NBC parecieron sorprenderse del éxito del programa, que consiguió unos niveles de audiencia notables (más de 7 millones de televidentes en algunos momentos). El triunfador de la primera edición, elegido por votación popular, resultó el grupo portorriqueño Nota, compuesto por 6 cantantes masculinos con un estilo pop muy influenciado por la música latina y con actuaciones en escena muy dinámicas.

Esto es un trocito del programa con una de sus mejores actuaciones y la valoración del jurado.

A mí no me parecen nada del otro mundo, aunque hay que reconocer que tienen ritmo y están bien sincronizados. Aunque las armonías no son muy interesantes, me gusta la mezcla que hacen de elementos de música latina.

Al jurado parece que sí le gustó y no digamos al público que los votó masivamente y les otorgó el premio de nada menos que 100.000 $ y un contrato discográfico.

La segunda temporada de "The Sing-Off" fue todavía más exitosa en términos de audiencia y la NBC decidió estirarse un poco con el presupuesto, emitiendo 5 capítulos.

A mí me pareció una edición de más nivel, con grupos más interesantes, como Street Corner Symphony (que quedó segundo) y sobre todo los ganadores, el grupo Committed, un conjunto muy digno, también formado por seis voces masculinas, pero en este caso vinculadas al gospel y al soul.

Da la casualidad que Committed son originarios de la Universidad de OakWood, Alabama, una universidad adventista de donde surgió nada menos que el grupo Take 6.

Aquí podéis escuchar qué armonías más trabajadas y la calidad de cada una de las seis voces. El sonido recuerda mucho al del grupo Take 6.

En la tercera temporada NBC decidió tirar la casa por la ventana y amplió el número de grupos y el de programas (11). Lamentablemente, la audiencia castigó esta apuesta con una caída espectacular de los ratings que hace dudar de la supervivencia del programa para futuras temporadas.

Los ganadores en este tercer año fueron el grupo Pentatonix, de Texas, formado por cuatro voces masculinas y una femenina.

A mí particularmente es un grupo que no me dice nada, y sus armonizaciones no sólo no me gustan sino que me resultan más bien molestas. No sé qué os parecerá a vosotros, pero se llevaron el premio de 200.000 $ por cosas como esta:

¡¡En 2012 todo el mundo a cantar!!

Feliz año nuevo, queridos seguidores de este humilde blog de amantes de la música vocal.

Para comenzar el año con energía y buenas vibraciones os traigo un link en el que nos hablan de las virtudes casi milagrosas del canto. Sirve para todo: lo mismo te levanta el ánimo que te cura los dolores de espalda.

Según este reportaje firmado por Jane Peyton, que yo no sabía quién era pero he leído que se dedica a organizar eventos operísticos más o menos alternativos, resulta que...

"...cantar mejora la circulación y la digestión, y siendo un ejercicio aeróbico, aumenta los niveles de oxígeno en sangre. Además, la capacidad pulmonar aumenta y como el flujo de las vías respiratorias se potencia los gérmenes tienen menos oportunidades para establecerse en nuestro organismo, lo que hace pensar que cantar combate también los catarros".

" Y como se requieren respiraciones profundas, además es un buen tratamiento contra el stress, hace descender la presión arterial y es bueno para el sistema nervioso. También potencia la inmunidad, aumentando la producción de anticuerpos. Incluso los músculos de la cara y del estómago se tonifican, mejorando la postura corporal, algo parecido a hacer Pilates"

"Por no hablar de los beneficios psicológicos, ya que cantar desencadena la liberación de endorfinas, que son moléculas que proporcionan placer y hacen a las personas más felices y positivas, además de actuar como antidepresivos y analgésicos naturales. Y las personas felices suelen tener menos problemas fisicos, así que la conclusión es que no importa si estás fuera de tono, simplemente canta Aleluya y sé feliz"

Aquí os dejo el enlace original;

http://www.huffingtonpost.co.uk/jane-peyton/singing-health_b_1196194.html

Es una cachonda esta Jane Peyton, también es una gran defensora del vino, la sidra y la cerveza, según leo, no lo digo sólo por la foto.